JOE SATRIANI

Guitarrista y multi-instrumentista estadounidense de rock, jazz rock  y heavy metal, nacido el 15 de julio de 1956 en Westbury (Nueva York). Lo que diferencia a este artista de otros virtuosos de la guitarra eléctrica surgidos a mediados de los 80, como Steve Vai, Yngwee Malmsteen, etc. es que el autor de Surfing with the alien está tan interesado en hacer música de calidad como en demostrar su gran pericia instrumental. Satriani, comenzó a hacerse notar actuando como músico de acompañamiento para grupos y solistas como la Greg Kihn Band, Mick Jagger, Deep Purple, Brian May, Robert Fripp y enseñando sus primeros pasos en las seis cuerdas a alumnos tan ilustres como el citado Steve Vai y Kirk "Metallica" Hammet. 

Satriani consiguió un contrato con la pequeña discográfica independiente norteamericana, Relativity, que le publicó los álbumes Not of this earth (86),  Surfing with the alien (87) con el que le llegó la fama, el mini LP Dreaming#11 (88), Flying in a blue dream (89), The extremist (92), su disco más ponderado por la crítica y el más comercial hasta la fecha. El álbum Time machine se editó en 1993 y en este año Joe Satriniani formó el G3 para hacer giras, consistente en un trío de guitarristas entre los que figuraban, aparte de él, Steve Vai  y Eric Johnson. 

Sus lanzamientos discográficos continuaron con los álbumes Joe Satriani (95), Crystal planet (98, en este ya aparece la etiqueta Epic con la que se había asociado Relativity y que re-editó todos los discos anteriores de Joe Satriani), Engines of creation (2000), Live in San Francisco (2001), Strange beautiful music (2002), Is there love in space? (2004), Super colossal (2006), Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock (2008), Black swans and wormhole wizards (2010), el directo Satchurated: Live in Montreal (2012), Unstoppable momentum (2013)  y  Shockwave supernova (2015), entre otros. Y entre sus singles destacar, Always with me, always with you y Surfing with the alien, ambos editados en 1987. 

Como datos curiosos señalar que, Satriani, suele usar una guitarra de la marca Ibañez JS series, fabricada en Japón por la empresa Hoshino Gakki que compró a la española Salvador Ibañez los derechos de esa marca cuando su taller fue destruido en la guerra civil y que, el año 2008 presentó una demanda contra el grupo Coldplay por supuestamente infringir los derechos de autor al usar en la canción "Viva la vida" partes de la suya If i could fly. Coldplay negó la acusación y las partes litigantes llegaron a un acuerdo no especificado. A lo largo de su carrera Satriani ha sido nombrado en 15 ocasiones a los premios Grammy y las ventas de sus álbumes en todo el mundo se le calculan en más de 10 millones de copias vendidas.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
SINGLES:

 

ÁLBUMES:

Fuente: Planeta y Wikipedia

Fotografía: fotolog.com

Carátulas discos: rateyourmusic.com/discogs.com

BOBBY McFERRIN

Robert McFerrin Jr. conocido artísticamente como Bobby McFerrin, nació el 11 de marzo de 1950 en Manhattan (Nueva York. Cantante y director de orquesta estadounidense muy influenciado por el jazz.

Nacido en una familia relacionada con el mundo de la música, pues era hijo de los cantantes de ópera Robert McFerrin y Sarah McFerrin, soprano, que enseñó canto en "Fullerton College". Ellos le introdujeron desde que era muy niño en el mundo de la música clásica. A los seis años inició sus estudios de piano, que alternó con estudios de clarinete (hasta los doce), teoría musical y flauta en la "Juilliard School". A su vez, entre los diez y los doce años formó parte de la coral de una iglesia, donde interpretó música clásica y gospel. Trabajó después como pianista y pianista-cantante en California y Nueva Orleans, y allí formó también su primer grupo: "Bobby Mac Jazz Quartet". En los años 1976-77, su vinculación con el canto fue total, aunque realizó algunos trabajos esporádicos como pianista para los "Shipstad & Johnson Ice Follies", a la vez que continuaba sus estudios de canto en la "Sacramento State University" y en el "College de Norwalk". Su progresión continuó en 1978, cuando pasó a integrar el "Astral Project", en Nueva Orleans, y un año más tarde, en 1979, formó dúo con el cantante Jon Hendricks, en Nueva York, con quien luego volvió a colaborar en multitud de ocasiones y que llegó a participar en sus discos. El año 1977 fue, por tanto, el año de presentación del joven McFerrin como solista.

En 1980 comenzó el despegue profesional de McFerrin: trabajó con Pharoah Sanders, con Wayne Shorter, y participó en el "Playboy Festival" de Hollywood. Al año siguiente triunfó en el conocidísimo "Festival de Newport" (Nueva York); pero fue su colaboración con el famoso guitarrista George Benson y su All Star lo que le dio la fama definitiva. Participó en el festival "The Young Lions", y en el "New York-Kool Jazz" de 1982. En 1983 inició su colaboración en Nueva Orleans con Tony Dagradi, además de dirigir su propio trío en la ciudad de San Francisco. Fue a raíz de esta experiencia cuando decidió actuar y grabar en solitario. Algo, por otro lado, que no ha dejado de hacer hasta la actualidad. Simultaneó sus actuaciones en solitario a partir de entonces con la enseñanza, y dirigió algunos talleres de música vocal en universidades de Estados Unidos. Toda esta experiencia le valió para ejercer luego de profesor de improvisación vocal.

Además de su experiencia en solitario, McFerrin colaboró a partir de 1984 -tanto en grabaciones como actuando en vivo- con Chico Freeman, Grover Washinton Jr., la VSOP de Herbie Hancock o Manhattan Transfer. En 1986 participó, además, en la banda sonora de "Round Midnight" -con el tema del mismo título-, película dirigida por el francés Bertrand Tavernier y en la que participó también Dexter Gordon. En sus discos, no obstante, las colaboraciones han sido múltiples: Victor Feldman, Jon Hendricks, Wayne Shorter, Herbie Hancock o Robin Williams.

El estilo de McFerrin, inconfundible a la vez que insólito en la historia del jazz, le ha convertido en una de las voces masculinas más relevantes del siglo XX. Su extensa tesitura (en torno a las siete octavas), así como lo plural de su timbre sonoro, lo han proclamado voz privilegiada y sin parangón. Técnicamente se trata de una voz melodiosa y cálida, de afinación sorprendente y capaz de una tremenda variedad de tonos. Además, hay que hacer hincapié en los motivos contrapuntísticos que agrega a sus largas improvisaciones, aprendidos seguramente del contrapunto usado por J.S.Bach. Precisamente, el saber ejecutar estos sonidos extremos de manera simultánea –ritmo y melodía ensamblados de forma magistral- es lo que le ha otorgado a este cantante una versatilidad impensable, con independencia de cuál sea su estilo interpretativo. Se le ha podido escuchar acompañando a Manhattan Transfer ejecutando una voz gravísima que acompaña golpeándose el pecho con la palma de la mano, creando una sonoridad caprichosa a la vez que rotunda. Lo gutural, por tanto, adquiere una relevancia inusitada, al igual que el uso del falsete como trayectoria natural de la escala. En definitiva, si McFerrin es barítono, puede mutar rápidamente hacia una voz soprano de mujer. La virtud de este cantante está, precisamente, en saber conjugar a la perfección las dos tesituras contrarias. Su estilo se torna en una improvisación continua, ya que actúa muy a menudo solo en el escenario.

Podemos hablar, pues, de innovación en la técnica aplicada por McFerrin a la historia de la música jazz vocal. Sus conciertos, a partir de 1984, a capella –rara vez invita a que un piano o un saxo le acompañen de forma espontánea- son verdaderos acontecimientos jazzísticos. Los auditorios, abarrotados, magnifican los conciertos de este singular cantante que afronta el subir al escenario con la única compañía de su micrófono. A partir de aquí, lo más interesante que debe observarse en Bobby McFerrin es que toma su cuerpo como un instrumento más; le hace “sonar” y aprovecha todas sus posibilidades rítmicas y sonoras (golpes en el pecho, en los pómulos, en la cabeza, etc.).

El repertorio de Bobby McFerrin es, a su vez, singular y heterogéneo. Hallamos temas propios –como su famosísimo Don’t Worry, be happy, nº 1 en las listas de ventas de Estado Unidos e incluido en la banda sonora de la película de 1988 "Cocktail", protagonizada por Tom Cruise, –piezas estándar– "Another night in Tunisia" (Gillespie), "Walkin" (Carpenter), "Peace" (H. Silver)-, conocidas canciones de los Beatles –"Blackbird" (Lennon/McCartney)- o bien clásicas partituras de Bach. Podemos hablar, pues, de sincretismo musical cuando nos referimos a la música que interpreta el genial Bobby. Si Bach le atrae de una manera absoluta, no desecha otras influencias como el funky, el soul o, incluso, el pop, como demuestra el tema antes citado Don’t Worry, be happy con el que alcanzó un nombre internacional y no sólo en el mundo del jazz. Este éxito se ha visto reflejado en la concesión al cantante de dos premios Grammy –1985 y 1986-, a la vez que le ha sido otorgado el galardón al mejor vocalista de jazz en dos ocasiones, premio que entrega la prestigiosa revista norteamericana "Down Beat". En 1987, cantó el tema principal de la serie de televisión "The Cosby Show" y de algunos comerciales de la televisión estadounidense. 

En el año 1993, McFerrin colaboró junto a otros artistas como Wynton y Branford Marsalis, Freddie Hubbard, Take 6, Illinois Jacquet, Jimmy Heath y Nino Tempo, en un proyecto para celebrar el cuadragésimo centenario del grupo Modern Jazz Quartet, de cuya colaboración surgió el álbum "A celebration". También en este mismo año de 1993, cantó el tema de la "Pantera Rosa" en el filme "El hijo de la Pantera Rosa", original de Henry Mancini. De entre la colección de sus álbumes, merecen destacarse los titulados: Bobby McFerrin (1982), The voice (1984), Spontaneous inventions (1986), Round midnight (1986), Simple pleasures (1988), Medicine music (1990),  Play (1990, con Chick Corea),  Hush (1992, con Yo-Yo Ma), Paper music (1995, con The Saint Paul Chamber Orchestra), Bang! Zoom (1995) y The best of (1996).

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Fuente: Texto extraído de www.mcnbiografias.com

Fotografía: discogs.com

Carátulas discos: chartstats.com/allmusic.com/last.fm/amazon.com

STOMU YAMASH’TA

Yamashita Tsutomu, conocido artísticamente como Stomu Yamash’ta, nació el 15 de marzo de 1947 en la ciudad de Kyoto (Japón). Hijo del director de la Orquesta Filarmónica de Kyoto, en la cual, a los 13 años, ya es titular como percusionista. Siendo todavía un adolescente, escribe las bandas sonoras de dos películas del maestro Kurosawa, "Yojimbo" y "Sanjuro". Estudiante en la Interlochan Summer Music School de Michigan, en Estados Unidos, en la cual acabará siendo profesor, se interesa por la música occidental, especialmente por el jazz. Esto le lleva a ingresar en la Academia de Jazz de Boston, uniéndose más tarde al Jaki Byard’s Modern Jazz Quintet, para formar luego su propio grupo. En Estados Unidos, Stomu trabajará así mismo al lado de Tochiko Akiyoski, destacando algunas actuaciones con la Orquesta de la Ópera Metropolitana. En sus primeros viajes a Inglaterra actúa en Londres en el Cimarron de Hans Werner Henze y con Peter Maxwell en el festival de Aldeburgh. Maxwell le llamará más tarde para que intervenga en la banda sonora de la película "The devils", de Ken Russell, y él mismo será el autor del tema principal de "Images", para Robert Altman.   

En Inglaterra, Stomu une su técnica oriental de maestro en la percusión («todo elemento percutible tiene su ritmo y su sonoridad propia») con el jazz y el rock. La fusión despierta el interés de los buscadores de nuevas experiencias a comienzos de los 70. En 1971 aparece el LP Percussion recital y en 1972 Red Buddha; pero es en 1973 cuando el sello Island lanza a Stomu con el álbum Come to the edge, en el cual el japonés presenta un grupo personal llamado Suntreader, que, bajo el lema de Floating Music, galvaniza y revoluciona a la opinión pública. En la cara A, Yamash’ta, el también percusionista Morris Pert y el bajo P. Plant ofrecen una extraña simbiosis de jazz y rock; en la cara B, grabada en vivo en el Queen Elizabeth Hall con el bajo A. Powell y el teclista R. Thompson, la fusión alcanza cotas de vanguardista fuera de lo común aún en la cumbre del vanguardismo.

Asentado entre las nuevas figuras de la onda inglesa, Stomu, al frente del Red  Bnuddha Theatre, presenta en 1973 la obra The man from the east, que es también su nuevo LP, y en el mismo año el álbum Freedom is frightening, con un grupo al que llama East Wind, integrado por su esposa Hisako (violín), Hugh Hopper (bajo, ex-Soft Machine), Gary Boyle (guitarra, ex-Thin Lizzy) y Brian Gascoigne (teclados). En 1974, Stomu forma un grupo para actuar, con su esposa (aunque ella deberá abandonar la escena para dar a luz en octubre), Gascoigne, Hozumi Tanaka (batería), Daito Fujita (bajo) y Hiroshi Kato (guitarra). El LP East wind (74, en Japón titulado One by One) es el último en esta etapa, lo mismo que su nuevo espectáculo con el Red Buda Theatre, Raindog, del cual surge el LP del mismo título en 1975. En 1976, Yamash’ta forma una sociedad insólita a la que llama GO (difícilmente puede llamarse grupo, por los artistas que la integran) con Stevie Winwood y el ex–batería de Santana, Michael 'Mike' Shrieve, grabando el extraordinario álbum Go  (76), en el cual el trío se sumerge en pautas entre el jazz y el rock pero con una absoluta libertad temática y estilística.

El debut de Go en el Royal Albert Hall de Londres, con temas del propio Yamash’ta, consolida la sociedad,  que repite en 1977 con el LP Go too, álbum en el cual intervienen Al DiMeola, Jess Roden, Klaus Schulze, Mike Shrieve y Linda Lewis entre otros, con arreglos de Paul Buckmaster. La aparición en 1978 del álbum doble grabado en vivo en 1976 Go –live from Paris, con Yamash’ta, Winwood, Shrieve, Schulze y DiMeola de estrellas, es la culminación de esta etapa y también la cota máxima, tras la cual Stomu Yamash’ta publica en solitario varios álbumes, de los cuales destacan: Iroha-Ten/Chi (81), la banda sonora de la película Tempest (82), Sea & sky (83), Kukai (84), Fantasy of sanukit (90), The eternal present (93), Peace and love (97), A desire of beauty & wonder stone part 1 (99) y Listen to the future vol. 1 (2001).



DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Fuente: Orbis
Fotografía: progressiverock.com
Carátulas discos: eil.com/rateyourmusic.com