CHICO HAMILTON

Foreststorn (sic) "Chico" Hamilton, conocido artísticamente como Chico Hamilton, nació el 20 de septiembre de 1921 en Los Ángeles (California) y falleció el 25 de noviembre de 2013, a la edad de 92 años, en Manhattan (Nueva York). Batería estadounidense de jazz.

A lo largo de 70 años, Chico Hamilton hizo de todo: tocó con los más grandes músicos de jazz de la historia —Count Basie, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Duke Ellington o Lionel Hampton— y lideró sus propios conjuntos; escribió música para cine y televisión; enseñó los secretos del jazz en la New School University… su discografía como líder supera los 60 álbumes. En buena medida, el legado de Chico Hamilton se define por quienes tocaron en sus conjuntos. Fue un consumado catalizador de talentos de la más diversa especie, un coleccionista de personajes difícilmente clasificables; el primero de ellos, el cellista Fred Katz. Con él, y con Jim Hall, a la guitarra; Buddy Collette, a los vientos; y Carson Smith, al contrabajo, creó su primer grupo sin piano de éxito, que permaneció varios meses en el Stroller’s Club de Long Beach, no obstante la heterodoxia sutil de su propuesta musical o, precisamente, por ello mismo. Hamilton fue asociado al naciente Jazz West Coast de Gerry Mulligan y Chet Baker. Algo en lo que nunca estuvo de acuerdo: “El Jazz West Coast fue apenas una treta publicitaria. Ahora ya no me ofende que se me asocie al asunto. Lo que importa es lo que yo siento, y yo siento que toco con el mismo swing y la misma energía en Nueva York que en California”.

Años más tarde, Hamilton presentaría en sociedad a Eric Dolphy quien, a poco, estaría reclamando un lugar bajo el sol de Charles Mingus: “Eric era un genio”, recordaba el baterista, “y un ser humano bondadoso”. La lista de quienes siguieron los pasos de los mencionados en el conjunto de Chico Hamilton es virtualmente interminable: de Paul Horn, en sus comienzos como músico de jazz, a Charles Lloyd, Charlie Mariano, Larry Coryell, Arthur Blythe, Steve Potts, Steve Turre (tocando el contrabajo eléctrico), y hasta Lowell George y Paul Barrere, cantante y guitarrista, respectivamente, del grupo de rock Little Feat… con ellos, Hamilton viajó de un jazz no químicamente puro al territorio aún más ambiguo de las “nuevas músicas”, y vuelta a empezar: “el jazz es y será siempre mi amor”, declaró en su momento, por si las moscas. En 1965 se instaló en Nueva York, donde desplegaría todo su potencial como intérprete, productor y enseñante. Su obsesión por mantener el control de su obra le llevó a fundar su propia compañía de producción.

En 1989 retomó su carrera como líder con Euphoria, proyecto cambiante que absorbió todas sus energías hasta el momento de su fallecimiento y le permitió desarrollar su faceta menos divulgada de compositor. De su amplia filmografía, destaca Sweet smell of success —aquí Chantaje en Broadway—, dirigida por Alexander McKendrick en 1957. Concebida como una secuela de la exitosa "El hombre del brazo de oro", el quinteto de Hamilton interpreta su extraordinaria banda sonora; se dice que los dueños del estudio, alertados por la mala reputación de los músicos de jazz, contrataron a un equipo de detectives que siguieron al baterista y su conjunto durante 6 meses: “Querían asegurarse de que estábamos limpios. Nos estuvieron espiando a lo largo del país, porque ocurrió que durante todo ese tiempo estuvimos de gira. Al final se decidieron: ‘estos chicos están limpios. Adelante”. Chico Hamilton permaneció en activo hasta la fecha de su fallecimiento.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Chico Hamilton Quintet featuring Buddy Collette 1955

Chico Hamilton in Hi-Fi 1956

Chico Hamilton Quintet 1957

Sweet "Smell of Success" (Chantaje en Broadway) 1957

Gongs East! 1958

The Three Faces of Chico 1959 

Chico Hamilton Quintet 1959 (con Eric Dolphy)

The Chico Hamilton Special 1960

The Chico Hamilton with Strings Attached 1960

Drumfusion 1962

Passin' Thru 1962

The Dealer 1966

The Best Of Chico Hamilton 1969

His Great Hits 1971

Peregrinations 1975

Nomad 1980

Thought of... 2002

Heritage 2006

The Inquired Mind 2013

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: elpais.com

Fotografía: drummerworld.com/

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BLOSSOM DEARIE

Margrete Blossom Dearie, conocida artísticamente como Blossom Dearie, nació el 28 de abril de 1924 en East Durham (Nueva York) y falleció a los 84 años de edad el 7 de febrero de 2009 en Greenwich Village (Nueva York). Cantante y pianista de jazz estadounidense de voz reconocible que actuó regularmente en Londres y Nueva York durante muchos años. Colaboró ​​con muchos músicos, incluyendo a Johnny Mercer, Miles Davis,Jack Segal, Johnny Mandel, Duncan Lamont o Dave Frishberg.

Su padre era de ascendencia irlandesa escocesa y madre de descendencia noruega. Según los informes, recibió el inusual nombre Blossom por "una vecina que entregó flores de melocotón a su casa el día de su nacimiento", aunque una vez recordó que fueron sus hermanos quienes llevaron las flores a la casa. Después de la escuela secundaria, Dearie se mudó a la ciudad de Nueva York para seguir una carrera musical. Al abandonar su primer nombre, comenzó a cantar en grupos como Blue Flames (con la Orquesta Woody Herman) y Blue Reys (con la banda de Alvino Reys) antes de comenzar su carrera en solitario. Dearie se mudó a París en 1952. Formó un grupo vocal, "Blue Stars" (1952-1955), que incluía a la hermana de Michel Legrand, Christiane, y Bob Dorough . En 1954 el grupo tuvo un éxito en Francia con una versión en francés de "Lullaby of Birdland", organizada por Michel Legrand. "Blue Stars" evolucionarían más tarde en "The Swingle Singers".  En su primer álbum en solitario, lanzado dos años más tarde, tocaba el piano pero no cantaba. En 1954, Dearie y King Pleasure grabaron "Moody's Mood for Love" (una adaptación vocal de Eddie Jefferson del saxo James Moody para "I'm in the Mood for Love"). Una de las grabaciones de canciones más famosas de Dearie de ese período es " The Riviera ", con música de Cy Coleman y letra de Joseph McCarthy , en 1956. 

Luego de regresar de Francia en 1957, Dearie hizo sus primeros seis álbumes como solista y pianista para Verve Records a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960, principalmente en un pequeño escenario de trío o cuarteto. Dave Garroway, presentador de "The Today Show" y fanático temprano de Dearie, la presentó en varias ocasiones, aumentando su exposición con la audiencia popular. En 1962, grabó un comercial de radio para "Hires Root Beer". Como demostró ser muy popular, el LP Sings Rootin' Songs fue lanzado como un artículo premium que se podía pedir por un dólar y una prueba de compra. En 1964, grabó el álbum May I Come In? (Capitol/EMI). Fue grabado (atípicamente para ella) con una orquesta. Durante este mismo período, actuó con frecuencia en los clubes nocturnos de Nueva York y en 1966 hizo su primera aparición en el club de Ronnie Scott en Londres. Ella grabó cuatro álbumes en el Reino Unido durante la década de 1960 que fueron lanzados en el sello Fontana, incluida una grabación de su actuación de 1966 en Ronnie Scott's.

Después de un período de inactividad, Dearie grabó el álbum That's Just the Way I Want to Be (que contiene la canción de culto "Dusty Springfield", una oda a la estrella pop británica, coescrita por Dearie con Norma Tanega), que se lanzó en 1970. En 1974, Dearie estableció su propio sello, "Daffodil Records", que le permitió tener el control total de la grabación y distribución de sus álbumes. Dearie apareció en la televisión a lo largo de su carrera, sobre todo dándole su voz a la serie educativa para niños "Schoolhouse Rock". Algunas de sus piezas en esta serie fueron escritas por su buen amigo el cantante y compositor Bob Dorough, con el que actuó en París en la década de 1950. Su voz se puede escuchar en "Necesidad de la madre", "Figura ocho" y "Desempaquetar sus adjetivos". El compositor Johnny Mercer, con quien Dearie colaboró ​​para su canción de 1975 "I'm Shadowing You", le regaló una de sus composiciones finales para la canción principal de su álbum "Daffodil" de 1976 My New Celebrity is You. Según Dearie, ella y Mercer eran amigos cercanos. En 1983, Dearie recibió el primer Premio de la Fundación Mabel Mercer.

La voz y las canciones de Dearie han aparecido en las bandas sonoras de varias películas, incluyendo "Besando a Jessica Stein", "Mi vida sin mi", "Una historia de Brooklyn", "The Adventures of Felix" y "The Artist" . También grabó canciones con otros cantantes, incluido Lyle Lovett. Continuó actuando en clubes hasta 2006. Entre sus canciones más solicitadas estaban "Peel Me a Grape", "I'm Hip" y "Quality Time" de Dave Frishberg. Apareció regularmente en la televisión británica con Peter Cook y Dudley Moore, varias veces como invitado de Jack Paar en su programa "Tonight" y también apareció en "The Danny Kaye Show", "The David Frost Show" y "The Merv Griffin Show". Mientras vivía en París a principios de la década de 1950, Dearie conoció y se casó con Bobby Jaspar, un flautista y saxofonista belga. El 7 de febrero de 2009, después de una larga enfermedad y problemas de salud, Dearie murió mientras dormía por causas naturales en su apartamento en Sheridan Square en Greenwich Village, Nueva York, según su representante y gerente Donald Schaffer. Le sobrevivió su hermano mayor Barney, así como un sobrino y una sobrina. Fue incinerada y sus cenizas fueron enterradas en Falls Church (Virginia).

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Blossom Dearie (1957)

Give Him the Ooh-La-La (1957)

Once Upon a Summertime (1958)
Sings Comden and Green (1959)

Sings Broadway Hit Songs (1960)
My Gentleman Friend (1961)
May I Come In? (1964)
Blossom Time at Ronnie Scott's (1966) (live)
That's Just the Way I Want to Be (1970)
My New Celebrity is You (1976)
Jazz Masters 51 (1996)
Les Blue Stars The Pianist (2002)
Diva (2003)

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente; wikipedia

Fotografía: elpais.com

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STÉPHANE GRAPPELLI

Stéphane Grappelli, nació el 26 de enero de 1908 en París y falleció en la misma ciudad el 1 de diciembre de 1997 a los 89 años de edad.

Grapelli disfrutó de una larga, prolífica y distinguida carrera como el principal instrumentista de violín en el jazz. Su música y su swing se le recordará siempre unido a la génesis del jazz en Europa de la mano del extraordinario grupo creado en Paris por Django Reinhardt - el mejor guitarrista de jazz europeo- y denominado el "Hot Club Quintet de France". Sólo en la última parte del siglo XX, otro violinista, Jean Luc Ponty, perteneciente a otra generación de músicos diferentes, se le ha acercado como posible rival. En su juventud  un músico autodidacta, si bien asistió al conservatorio de París desde 1924 hasta 1928. En 1927 se interesó por el jazz y comenzó a trabajar profesionalmente en cines y teatros aunque todavía, esas orquestas eran de baile como la estrafalaria "Grégor et ses Grégoriens". Antes de que terminase la década conoció a quien le iba a cambiar la vida musicalmente hablando, el guitarrista belga de raza gitana, Django Reinhardt. Empezaron a coincidir en sesiones musicales de manera informal hasta convertirse en el embrión de un grupo que tocaría un jazz excitante y desenvuelto con una base rítmica aportada por las guitarras de Django y su hermano. 

El "Hot Club Quintet de France" nació oficialmente en 1934 y no tardó mucho tiempo en convertirse en un combo muy popular por toda Europa. Grappelli estuvo con Django cinco largos y fructíferos años, y abandonó el grupo en 1939 con la II Guerra Mundial apuntando en el horizonte. Se trasladó a Londres donde actuó como solista en varios clubes y también colaboró con el pianista, George Shearing. Terminada la guerra regresó a Francia en 1946 y la muerte de Django un año antes, hizo que enfocara su carrera al margen del grupo creado por ambos. Por aquella época el papel del violín en el mundo del jazz era muy minoritario y Grappelli no obtuvo el reconocimiento y el favor del público hasta muy entrada la década de los sesenta. En 1969 participó en el festival de jazz de Newport y se unió en 1972 al trío del guitarrista, Diz Dizley. Desde entonces y prácticamente hasta su muerte, Stéphane Grappelli, grabó y viajó sin descanso por todo el mundo con diferentes tríos- su formato preferido- e incluso participó fuera del jazz con músicos adscritos a otras corrientes musicales como con el pianista, André Previn o el violinista de música clásica, Yehudi Menuhin.

DISCOGRAFÍA seleccionada:

ÁLBUMES:

Improvisations 1957

Jazz in Paris 1962 (Con Django Reinhardt)

Stuff and Steff 1965 (Con Stuff Smith)

Stéphane Grappelli Quartet vol.1 (Con Oscar Peterson) 1973 

Stéphane Grappelli Quartet vol.2 (Con Oscar Peterson) 1973

Ponty-Grappelli 1973

George Gershwin & Cole Porter 1974

Plays Cole Porter 1975

Young Django 1979

Compact Jazz 1987

Plays Jerome Kern 1987

Souvenirs 1988 (Con Django Reinhardt)

Jazz Masters 11 (1994)

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: last.fm

Fotografía: last.fm

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ROY HARGROVE

Roy Anthony Hargrove, conocido artísticamente como Roy Hargrove, nació el 16 de octubre de 1969 en Waco (Texas). Trompetista de jazz estadounidense.

Estudió en la escuela, Dallas's Booker T. Washington High School for the Performing and Visual Arts. Durante su estancia en esta escuela, Hargrove tuvo la oportunidad de escuchar a David "Fathead" Newman, que tocaba para la Ray Charles Band, y que se convertiría en una de sus influencias musicales más destacadas. En 1987, encontró a su mentor Wynton Marsalis. Cuando Marsalis visitó su escuela quedó impresionado del talento que Roy tenía, así que rápidamente le propuso darle clases particulares. También lo recomendó al productor y mánager Larry Clothier, y el resultado fue que Hargrove tuvo la oportunidad de viajar a Nueva York, y después al Japón y a Europa. Aunque el sonido de Hargrove es fácilmente reconocible y original, también ha recibido influencias de Freddie Hubbard, Fats Navarro, Miles Davis, Lee Morgan y Clifford Brown.

Hargrove estuvo un año (1988-1989) estudiando en el Boston's Berklee College of Music, pero era más fácil encontrarlo en jam sessions de Nueva York, por lo que finalmente se trasladó a The New School en esta ciudad. Realizó su primera grabación en Nueva York con el saxofonista Bobby Watson. Poco tiempo después participó en una grabación de Superblue, con Watson, Mulgrew Miller y Kenny Washington. En 1990 lanzó su primer álbum en solitario, Diamond in the Rough, de la discográfica Novus/RCA, para la que grabará sus cuatro siguientes trabajos. Posteriormente firmó un contrato con Verve Records, lo que le dio la oportunidad de trabajar con algunos de los saxofonistas tenores más destacados del momento en With the Tenors of Our Time, que incluía a Joe Henderson, Stanley Turrentine, Johnny Griffin, Joshua Redman y Branford Marsalis. En 1993, por encargo de la Lincoln Center Jazz Orchestra escribió "The Love Suite: In Mahogany".

En 1996, la banda de Roy actuó al Festival de Jazz de La Habana, donde conoce al pianista cubano Chucho Valdés, y queda fascinado por el gran talento de los artistas cubanos. Forma Crisol, de línea latina con músicos como El Negro, Changuito, junto con artistas afro-americanos como Gary Bartz, Rusell Malone o Frank Lacy. Con Crisol registra un álbum en directo del concierto en Orvieto, Italia, que titula Habana (1997), que tiene un gran éxito y gana un Premio Grammy en febrero de 1998. A principios de los años 2000 Roy Hargrove formó el grupo The RH Factor, que combinaba elementos de jazz, funk, hip-hop, soul y gospel.

El año 2006 Hargrove editó Nothing Serious (Verve) con su quinteto, un feliz regreso a sus orígenes post-bop que culminó con la publicación de Earfood (Emarcy, 2008), un disco excelente donde el trompetista brilla en un estilo mainstream excelentemente ejecutado, con acercamiento a los ritmos funk de los RH Factor incluidos. Hargrove ha trabajado con un gran número de músicos, entre los que se encuentran Herbie Hancock, Sonny Rollins, Michael Brecker, Jackie McLean, Slide Hampton, Natalie Cole, Diana Krall, Abbey Lincoln, Diana Ross, Steve Tyrell, Kenny Rankin, John Mayer, Rhian Benson, Carmen McRae, Shirley Horn, Jimmy Smith, Danny Gatton, Method Man, Common, Erykah Badu, D'Angelo y Gilles Peterson.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Bobby Watson & Horizon (No Question About It) 1988

Diamond in the Rough (Novus, 1989)
Superblue 1989
With the Tenors of Our Time 1994
Crisol: Habana 1997
With Strings 2000
Directions In Music (Con Herbie Hancock y Michael Brecker) 2001
The RH Factor-Hard Groove 2003
Nothing Serious 2006
Earfood 2008

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: wikipedia
Fotografía: hdtracks.com
Carátulas discos: discogs.com