sábado, 25 de enero de 2020

STAN KENTON

Stanley Newcomb Kenton, conocido artísticamente como Stan Kenton, nació el 15 de diciembre de 1911 en Wichita (Kansas) y falleció, a los 67 años de edad, el 25 de agosto de 1979 en Los Ángeles (California). Músico estadounidense de jazz, director de big band, arreglista, compositor y pianista.

Director de una de las orquestas de swing de mayor éxito de la década de los cuarenta. Hijo de una pianista, comenzó a estudiar bajo tutela familiar y con diversos profesores particulares desde muy niño, una vez trasladada toda la familia a Los Ángeles. Estudió sobre todo música clásica (que tanto le influiría), particularmente armonía y composición. Interesado en el jazz, comenzó a hacerse notar en la costa oeste como arreglista con sólo dieciséis años, y en 1934, cuando ya era habitual de las jam sessions de los pequeños clubes nocturnos, obtuvo su primer contrato en la orquesta de Everett Hoagland, al que siguieron otros con Gus Arnheim, Vido Musso y Johnny Davis. En 1940 montó su primera orquesta con nueve músicos, número que iría ampliándose progresivamente hasta 1947, de la misma forma que se fueron incrementando sus seguidores. Contando ya con Art Pepper en el saxofón y Shalley Mann en los tambores, la orquesta grabó en 1943 para la Capitol Eager Beavier y Artistry in Rhythm, dos composiciones que fueron radiadas hasta la saciedad por todo el país y que convirtieron a la orquesta de Kenton en la más famosa de la época. Un año más tarde se incorporaron a la formación Gene Roland como arreglista, Anita O'Day como cantante y un jovencísimo Stan Getz, de diecisiete años, como saxofonista.

Un año más tarde, O'Day fue sustituida por June Christy y se incorporó Pete Rugolo como segundo arreglista. La orquesta, que comenzaba a tomar dimensiones sinfónicas, grabó en 1946 Fantasy, Just a Sittin' and a Rockin', Ain't Misery, Opus in Pastels, Willow Weep for Me y algunos grandes éxitos de la época: Ritorna a Sorrento (llamado para la ocasión Come Back to Sorrento), Santa Lucía y el famoso Concerto to End All Concertos. Ello muestra hasta qué punto Kenton se movía en varias direcciones, a menudo opuestas, entre las que están las baladas más condescendientes, la música popular ajena al entorno jazzístico y la experimentación de vanguardia. En esta orquesta (y en todas las que siguieron) decidió deliberadamente evitar casi todas las ideas convencionales que se habían mostrado válidas en la organización de big bands de jazz, lo que le valió cierta fama de pretencioso, adjetivo que no es inverosímil si se examinan sus últimas composiciones. A Kenton le gustaba el gran volumen, los trabajos complejos, muy estructurados y llenos de arreglos, los guiños a la música clásica contemporánea y las orquestas con más de cuarenta miembros, a las que raras veces pudo pagar. Sin embargo, era un director muy comercial que estaba obligado a seguir manteniendo al público fiel a las orquestas tradicionales de jazz, por lo que debía alcanzar a menudo compromisos difíciles entre su ambición y su negocio.

Los resultados no siempre fueron del agrado de la prensa especializada: para algunos era uno de los mejores compositores del siglo XX y para otros un mero payaso. El resultado fue que todo el mundo musical hablaba de la orquesta de Kenton, ya fuera con halagos o con descalificaciones, lo que, si bien incrementó quizás desmesuradamente sus ventas, acabó pasando factura a su salud: en 1947 decidió disolver la orquesta y retirarse, víctima de una depresión nerviosa. Seis meses aguantó sin subirse a los escenarios y, en otoño de aquel año, volvió a hacer temblar los cimientos de la música estadounidense con una orquesta con cinco trompetistas, cinco trombones, contrabajo, guitarra, percusión, batería y el propio Kenton sentado al piano. La etiqueta que se buscó para semejante propuesta fue jazz progresivo, y grabó temas como Over the Rainbow, Machito, Fugue for Rhythm Section, Chorale for Brass, Piano and Bongo, The City of Glass y Elegy for Alto, composiciones unas veces propias y otras de sus arreglistas que toman elementos de la música clásica del siglo XX (con frases explícitas de Maurice Ravel e Igor Stravinsky) y de la música latina, que por entonces causaba furor en las pistas de baile. La orquesta seguía oscilando, pues, entre las disonancias propias de la llamada música culta y las resoluciones armónicas convencionales del swing de los años cuarenta, extremos harto difíciles de conciliar. En cierta manera esta orquesta fue precursora del free jazz que caracterizó a la segunda mitad de la década de los sesenta.

Su falta de cohesión interna propició la disolución a finales de 1948, y su creador pensó de nuevo seriamente retirarse de la escena, según él mismo declaró, para dedicarse a la psiquiatría. Afortunadamente, cuatro años más tarde volvía a los escenarios con energías renovadas y con una impresionante orquesta que contaba con una nutrida sección de cuerda clásica (nueve violines, tres violas, tres violoncellos), una tuba, dos trombonistas, dos cornos franceses, el gran Bud Shank con el saxofón contralto, Art Pepper con el tenor, Shelley Manne como baterista, Maynard Ferguson y Shorty Rogers con las trompetas y otros músicos hasta un total de cuarenta. Con esta formación grabó el disco Innovations in Modern Music, en el que insistía en la mezcla de material clásico y jazzístico, con canciones como Mirage, Trajectoires, Solitaire, varios conciertos para sus solistas y obras de inspiración cubana como Viva Prado, dedicada al inolvidable autor del Mambo nº 8, por entonces de rabiosa actualidad. Aunque tuvo una aceptación bastante buena por parte del público, que llenó los teatros donde actuaba, la orquesta fue, como era de prever, un rotundo fracaso económico. Kenton decidió prescindir de los músicos clásicos, reducir la orquesta a algo más llevadero y moderar más sus pretensiones innovadoras en favor de un repertorio más digerible por el público del jazz.

Así, marchó de gira por Europa en 1953, y el buen hacer de los músicos (entre los que se encontraban ya los excelentes Lee Koonitz y Zoot Sims) y de sus nuevos arreglistas (en particular un poco entusiasta Gerry Mulligan que, pese a todo, escribió trabajos de gran calidad) hizo de esta empresa un éxito de crítica y público durante los años en que estuvo en activo. La llegada del rock and roll, que arrebató el público masivo al jazz, y del hard bop, que hizo lo propio con los pocos amantes que le quedaban al jazz de las big bands, produjo una crisis en el seno de la orquesta que Kenton intentó soslayar sacando otro as de la manga: una nueva orquesta de grandes dimensiones, que contaba con instrumentos tan exóticos como tres melófonos. Dos años de gira, en los que no conocieron otra cosa que un enorme desinterés, dieron al traste con la orquesta, y Kenton se retiró una vez más. Un año después atacó de nuevo con las fórmulas antaño ensayadas, una nueva Neophonic Orchestra que insistía en hermanar tradición jazzística y vanguardia clásica. Entre sus componentes se encontraban Lalo Schifrin, Michel Legrand y Rugolo, su brazo derecho. La orquesta presentaba en cada actuación una estrella invitada, y acudieron a su llamada músicos de la talla de Miles Davis, Gerry Mulligan, Dizzy Gillespie y George Shearing, entre otros. La aventura estuvo en activo entre 1964 y 1967. Nada nuevo hizo desde entonces el gran Kenton, salvo aparecer, cada vez con menor frecuencia, en los festivales de jazz para recrear aquellas piezas que le hicieron famoso, como Opus In Pastel y Artistry In Rhythm.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Innovations in Modern Music 1950
A Presentation of Progresive Jazz 1950
Stan Kenton Presents 1951
City of Glass 1952

City of Glass & This Modern World 1953

New Concepts of Artistry in Rhythm 1953
Portraits on Standards 1953
Sketches on Standards 1953
Contemporany Concepts1955

Duet by June Christy 1955
Popular favorites by Stan Kenton 1955
Kenton in Hi-Fi 1956
Back to Balboa 1958

Lush Interlude 1958
The Ballad Style of Stan Kenton 1958
The Stage Doors Swing 1958
Viva Kenton! 1959
Standards in Silhouette 1960
Stan's Kenton Greatest Hits 1965

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: biografiasyvidas.com

Fotografía: pinterest.com

Carátulas discos: discogs.com

jueves, 23 de enero de 2020

BENNY GOLSON

Benny Golson nació el 25 de enero de 1929 en Filadelfia (Pensilvania). Saxofonista tenor, compositor y arreglista estadounidense de jazz asociado a los estilos bebop/hard bop jazz.

Empezó a estudiar piano a los nueve años, y a los catorce quedó profundamente impresionado al escuchar, en el seno de la orquesta de Lionel Hampton, al saxofonista Arnett Cobb. Convenció a sus padres para que le compraran un saxo, y estudió en el Howard College de Washington. Trabajó con diversos grupos locales, y en 1951 aceptó su primer empleo como profesional en la formación de Bull Moose Jackson; en esta orquesta conoció a Tadd Dameron (quien le animó para profundizar el estudio de los arreglos) y a Philly Joe Jones. En 1953 tuvo de nuevo ocasión de tocar con Dameron en un grupo en el que militaban Clifford Brown, Gigi Gryce, Cecil Payne y el propio Philly Joe Jones. A finales de ese año aceptó un contrato en la orquesta de Lionel Hampton, y a continuación trabajó en el grupo de Johnny Hodges, que incluía a John Coltrane y Richie Powell.

De 1954 a 1956 tocó rhythm & blues en la orquesta de Earl Bostic, y en junio de 1956 fue llamado a formar parte de la Big Band de Dizzy Gillespie, con la que permaneció durante dos años, componiendo temas como "I remember Clifford" ó "Stablemates". Entre tanto, formó un sexteto con Kenny Dorham, J.J. Johnson, Wynton Kelly, Paul Chambers y Max Roach, y grabó para la Jazzland el LP Reunion, donde aparecían excelentes ejemplos de sus cualidades como compositor y arreglador: "Out of the Past", "Venetian Breeze" y "Blues on Down". De Febrero de 1958 a Febrero de 1959 tocó con los Jazz Messengers de Art Blakey, contribuyendo con sus composiciones al repertorio de la banda: destacan, entre otros, "Are You Real?", "Along Came Betty", "The Drum Thunder Suite" y "Blues March", pronto convertido en uno de los caballos de batalla de Blakey.

En julio de 1959 formó un quinteto propio al que a finales del mismo año se añadió el trompetista Art Farmer: así nació THE JAZZTET, uno de los grupos más emblemáticos de los años sesenta. En 1962 grabó para Mercury el LP Tonk, que incluía la que sería su composición más emblemática, "Whisper Not". Entre 1964 y 1966, Golson viajó a menudo a Europa, trabajando en espectáculos televisivos en Londres, tocando en festivales y escribiendo la banda sonora de una película rodada en Munich. A partir de esta época se dedicó cada vez mas a la actividad de compositor y arreglista: en 1967 trabajó en Los Ángeles para los Estudios Universal, y en 1968 empezó a escribir música para cantantes como Peggy Lee, Lou Rawls, Nancy Wilson, Sammy Davis, Diana Ross y O.C. Smith. Golson ha compuesto también música para la radio y la televisión, como la serie televisiva "Mash" o el famoso programa de Bill Cosby. También ha efectuado incursiones en el terreno de la música clásica, escribiendo una composición para el violinista Itzhak Perlman y una obra de piano para André Watts, además de algunos conciertos.

Su producción discográfica es extraordinariamente copiosa: ha grabado, además de como leader de sus propios grupos, junto a Clifford Brown, Art Farmer, Art Blakey, Lee Morgan, Roland Kirk, Lem Winchester, Dizzy Gillespie, James Moody, Jimmy Cleveland, Sabih Shihab, Philly Joe Jones, George Russell, Frank Rosolino y Mike Wafford para discográficas del prestigio de Riverside, New Jazz, Cadet, Contemporary, United Artists, Mercury, Audio Fidelity, Jazzland, Prestige ó EastWind. La importancia de Golson en el jazz moderno es enorme, en su doble faceta de instrumentista y compositor-arreglista. Como instrumentista se inspiró inicialmente en Coleman Hawkins, Don Byas y Lucky Thompson, pero su estilo ha ido evolucionando paulatinamente, incorporando influencias de John Coltrane, Stan Getz y Sonny Stitt: en realidad, Benny toca de una forma absolutamente personal e inconfundible, con un feeling sobrecogedor y un gusto exquisito. Su importancia como instrumentista es solo superada por su influencia como compositor y arreglista: desde que, en fecha tan temprana como 1955, Miles Davis grabó el tema de Golson "Stablemates" junto a John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, su fama como compositor no ha cesado de crecer, y raro es el músico o el cantante de Jazz que no incluya algún tema de Golson en su repertorio.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Benny Golson's New York Scene (Fantasy Records, 1957)

The Modern Touch (Fantasy Records, 1957)

The Other Side of Benny Golson (Original Jazz Classics, 1958)

Benny Golson and The Philadelphians (United Artists, 1958)

Art Blakey & The Jazz Messengers with Benny Golson (Blue Note, 1958)

Gettin' With It (Original Jazz Classics, 1959)

Gone With Golson (Original Jazz Classics, 1959)

Groovin' With Golson (Fantasy Records, 1959)

The Greatest Trumpet Of Them All (The Dizzy Gillespie Octect feat. Benny Golson), (Verve,1959)

Meet The Jazztet (Art Farmer /Benny Golson), (Argo, 1960)

Reunion (Jazzland, 1962)

Tonk (Jazztet/Art Farmer/Benny Golson) (Mercury,1962)

Turning Point (Mercury, 1963)

Blues March (The Jazztet, Art Farmer, Benny Golson) (Globe/Cadet 1966)

Blues On Down (Milestone Records, 1978)

The Best Of Benny Golson (Concord Records, 2009)

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: salaclamores.es
Fotografía: selmer.fr
Carátulas discos: discogs.com

martes, 21 de enero de 2020

JONAH JONES

Robert Elliott Jones, conocido artísticamente como Jonah Jones, nació el 31 de diciembre de 1909 en Louisville (Kentucky), y falleció el 28 de abril de 2000 a los 90 años de edad. Trompetista estadounidense de jazz tradicional y swing.

Empezó su carrera a los 12 años tocando el saxo alto en la banda del Booker T. Washington Community Center de Louisville, pero en seguida cambió el saxo por la trompeta, con la que rápidamente alcanzaría un alto nivel. En 1928 tocó con el pianista y organista Horace Henderson (1904 - 1988), y siguió después en bandas que tocaban en embarcaciones fluviales ("riverboat"). Instalado en Nueva York, Jonah Jones se incorporó en 1931 a la big band de Jimmie Lunceford, aunque ese mismo año se iría con el grupo del violinista Stuff Smith, y se quedaría con él hasta 1940, con algún periodo intermedio en la banda de Lil Hardin. Jones tocó con Cab Calloway desde 1941 hasta 1952.

Después, actuó y grabó con Earl Hines y Sidney Bechet: con este último, en París, en 1954. Durante siete años, Jonah Jones hizo innumerables giras con su propio cuarteto y grabó para el sello Capitol un gran número de discos de mucha proyección; obtuvo un Emmy en 1960. A partir de 1970, se fue apartando de la escena musical. En 1999, un año antes de su muerte, fue incorporado en el Big Band and Jazz Hall of Fame. Seguidor del sonido y el fraseo de Louis Armstrong, Jones desarrolló un estilo muy dinámico, repleto de swing. Sin embargo, a partir de 1955, dio un giro radical a su música, con una forma de tocar intimista, sin turbulencias y virtuosa, especialmente en el uso de la sordina. Se especializó en baladas, y obtuvo gran éxito con ellas.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

con Stuff Smith:

Stuff Smith And His Onyx Club Orchestra

The Varsity Sessions, vcol.2

con Benny Carter:

Swing 1946

con Cab Calloway:

16 Cab Calloway Classics

con Lionel Hampton:

The Complete Lionel Hampton

con Billie Holiday: