ROLAND KIRK

Ronald Theodore Kirk, conocido artísticamente como Roland Kirk y apodado «Rahsaan», nació el 7 de agosto de 1935 en Columbus (Ohio) y falleció a la edad de 42 años, a consecuencia de un infarto, el 5 de diciembre de 1977 en Bloomington (Indiana). 

Compositor y músico multi-instrumentista estadounidense de jazz. Tocaba el saxofón tenor, la flauta y otros instrumentos de viento. Fue especialmente afamado por su gran vitalidad sobre el escenario, donde su virtuosa improvisación estaba acompañada por imitaciones humorísticas y parodias políticas, además de su habilidad para interpretar con varios instrumentos a la vez. Se quedó ciego a los dos años, por lo que tuvo que estudiar en la «Ohio State College For The Blinds» (Instituto para ciegos del Estado de Ohio). Con nueve años, empezó a tocar instrumentos de viento, concretamente la trompeta, que luego sustituiría por consejo médico por el saxo. 

Formó parte de la orquesta de su instituto desde los 12 años y con quince ya había formado su propio grupo. Un año después, experimentó el tocar dos saxos al mismo tiempo e inventó el manzello y el stritch, dos instrumentos característicos de él a lo largo de toda su carrera. A partir de 1951, colaboraba de forma independiente con distintas agrupaciones musicales de Ohio. Su interés por el multi-instrumentismo se le desarrolló antes de cumplir veinte años. En 1956 realizó su primera grabación, dentro del estilo Rhythm anBlues. Estando en Chicago, llamó la atención de Ramsey Lewis, quien consiguió que lo contratase la discográfica Argo. 

En 1961, durante cuatro meses, trabajó con Charles Mingus y fue durante una gira europea en 1963 en que su nombre empezó a hacerse conocido: tocó durante un mes en el "Ronnie Scott's Club" de Londres y colaboró con Dexter Gordon, Johnny Griffin y grabó con Quincy Jones. En 1966, firmó con Atlantic Records y a finales de la década su actividad era incesante. En los setenta se aproximó al jazz-rock y a los ritmos de subdivisión binaria. Formó un grupo llamado "Vibration Society", con el que realizó giras por Estados Unidos, Canadá, Europa, Australia y Nueva Zelanda. En 1975, sufrió un ataque de hemiplejía que le paralizó un lado del cuerpo, incluida la mano derecha, por lo que tuvo que aprender a tocar el saxo solo con la otra. 

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

con Charlie Mingus:

Oh Yeah

Mingus At Carnegie Hall

Passions Of A Man

como LÍDER

Introducing Roland Kirk 1960

Kirk's Work 1961

We Free Kings 1961 

Domino 1962

Kirk in Copenhagen 1963

I Talk with the Spirits 1964

Rip, Rig and Panic  1965

The Inflated Tear 1967 

Blacknuss 1971

The Art of Rahsaan Roland Kirk 1973

Bright Moments 1973 

Prepare Thyself to Deal With a Miracle 1973

Other Folks' Music 1976

Carpetas de los ÁLBUMES seleccionados:

con Charlie Mingus:

como LÍDER:

Fuente: wikipedia
Fotografía: pinterest.com
Carátulas discos: rateyourmusic.com/discogs.com

GEORGE RUSSELL

George Allan Russell, conocido artísticamente como George Russell, nació el 23 de junio de 1923 en Cincinnati (Ohio) y falleció el 27 de julio de 2009 a la edad de 86 años en Boston. Compositor, baterista, pianista, percusionista y profesor de música estadounidense.

Desde pequeño tuvo contacto con la música, y a los catorce años ya tocaba la batería en un club, con su propio grupo, en un estilo muy influenciado por Jimmy Crawford y Jo Jones. En 1940, se inscribe con una beca en la Wilberforce University, donde se incorpora a la big band del centro. Comienza a hacer sus primeros arreglos y se enrola como batería con Benny Carter, en Chicago. Sustituido por Max Roach, deja la batería para concentrarse en la escritura musical. Un arreglo suyo, interpretado en el Cotton Club por la banda de A.B. Townsend, le facilita un contrato con Earl Hines, con quien estará hasta 1945. Tras una larga hospitalización de 16 meses, que emplea en avanzar en sus teorías musicales, Russell vende a Dizzy Gillespie sus arreglos de "Cubana Be, Cubana bop" (1947), y comienza a frecuentar la casa de Gil Evans, donde se relaciona con los jóvenes del bebop y el cool (Johnny Carisi, John Lewis, Gerry Mulligan, Charlie Parker...). 

Al finalizar la década, está escribiendo arreglos para Charlie Ventura, Claude Thornhill, Artie Shaw y Buddy DeFranco. Precisamente este último graba en 1949 su obra "A bird in Igor's yard", una audaz fusión entre elementos parkerianos y conceptos de Igor Stravinsky. En 1951, Miles Davis, Lee Konitz y Max Roach, graban obras suyas. En 1953, publica su primer trabajo teórico, "Concepto lidio-cromático de organización tonal", que será la base de todos sus trabajos ulteriores y el modelo sobre el que Miles Davis y John Coltrane, desarrollarán sus trabajos modales. En los años siguientes, alterna la enseñanza, con la grabación de discos junto a Art Farmer, Bill Evans, Paul Motian, o con su propio sexteto, en el que, entre otros músicos, tendrá a Don Ellis y Eric Dolphy. 

Durante los años 60, Russell desarrolla un amplio trabajo teórico y, como músico, evoluciona hacia terrenos influenciados por el free jazz y la música de vanguardia europea. Tiene contactos con Karlheinz Stockhausen y toca con los trompetistas Don Cherry, Palle Mikelborg y Rolf Ericson, el saxofonista Jan Garbarek y el guitarrista Terje Rypdal, entre otros. Al finalizar la década, 1969, vuelve a Estados Unidos para enseñar en el Conservatorio de Boston, aunque regresa en la década de los 70 a Escandinavia. Desde comienzos de la década de los 70, Russell trabajó regularmente con una Big Band, además de grabar con músicos como Manfred Schoof o Red Mitchell, participando en un gran número de festivales de jazz en Europa. Desarrolló algunas de sus obras más importantes, trabajando con Bill Evans (Living Time, 1972) o Lew Soloff y Jean-François Jenny-Clark (Electronic Sonata For Souls Loved By Nature, 1980). 

En 1985 publicó el disco The African Game, que le proporcionó su primera nominación a los Premios Grammy. Russell escribió 9 grandes obras en los años siguientes, entre ellas "Timeline for symphonic orchestra, jazz orchestra, chorus, klezmer band and soloists", compuesta para el 125º aniversario del New England Conservatory de Boston; una re-orquestación de su obra "Living Time" para su propia banda y algunos músicos invitados, encargada por la Cité de la Musique, en París, en 1994; y It's About Time, un encargo de The Arts Council of England y del Swedish Concert Bureau, en 1995. Su último trabajo, fue un disco especial con motivo de su 80 cumpleaños (The 80's birthday concert, 2003), aunque su Living Time Orchestra ha seguido girando, al menos hasta 2005.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

con Dizzie Gillespie
The Greatest Of Dizzie Gillespie 1961
Con Lee Konitz
Ezz-Thetics 1961
Con Lennie Tristano y Buddy DeFranco
Crosscurrents 1972

Como LÍDER

Jazz Workshop 1956
New York N.Y. 1959
At The Five Spot 1960
Stratusphunk 1960
Jazz In The Space 1960
In K. C. 1961
Electronic Sonata For Souls Loved By Nature 1971
Living Time 1972
Live At Beethoven Hall 1973
Outer Thoughts 1975
The African Game 1985
So What 1986
It's About Time 1996
The 80's birthday concert 2003

Carpetas de los ÁLBUMES seleccionados:
con Dizzie Gillespie:

Con Lee Konitz:

Con Lennie Tristano y Buddy DeFranco:

Como LÍDER:

Fuente: wikipedia

Fotografía: pinterest.com

Carátulas discos: rateyourmusic.com/discogs.com

STAN KENTON

Stanley Newcomb Kenton, conocido artísticamente como Stan Kenton, nació el 15 de diciembre de 1911 en Wichita (Kansas) y falleció, a los 67 años de edad, el 25 de agosto de 1979 en Los Ángeles (California). Músico estadounidense de jazz, director de big band, arreglista, compositor y pianista.

Director de una de las orquestas de swing de mayor éxito de la década de los cuarenta. Hijo de una pianista, comenzó a estudiar bajo tutela familiar y con diversos profesores particulares desde muy niño, una vez trasladada toda la familia a Los Ángeles. Estudió sobre todo música clásica (que tanto le influiría), particularmente armonía y composición. Interesado en el jazz, comenzó a hacerse notar en la costa oeste como arreglista con sólo dieciséis años, y en 1934, cuando ya era habitual de las jam sessions de los pequeños clubes nocturnos, obtuvo su primer contrato en la orquesta de Everett Hoagland, al que siguieron otros con Gus Arnheim, Vido Musso y Johnny Davis. En 1940 montó su primera orquesta con nueve músicos, número que iría ampliándose progresivamente hasta 1947, de la misma forma que se fueron incrementando sus seguidores. Contando ya con Art Pepper en el saxofón y Shalley Mann en los tambores, la orquesta grabó en 1943 para la Capitol Eager Beavier y Artistry in Rhythm, dos composiciones que fueron radiadas hasta la saciedad por todo el país y que convirtieron a la orquesta de Kenton en la más famosa de la época. Un año más tarde se incorporaron a la formación Gene Roland como arreglista, Anita O'Day como cantante y un jovencísimo Stan Getz, de diecisiete años, como saxofonista.

Un año más tarde, O'Day fue sustituida por June Christy y se incorporó Pete Rugolo como segundo arreglista. La orquesta, que comenzaba a tomar dimensiones sinfónicas, grabó en 1946 Fantasy, Just a Sittin' and a Rockin', Ain't Misery, Opus in Pastels, Willow Weep for Me y algunos grandes éxitos de la época: Ritorna a Sorrento (llamado para la ocasión Come Back to Sorrento), Santa Lucía y el famoso Concerto to End All Concertos. Ello muestra hasta qué punto Kenton se movía en varias direcciones, a menudo opuestas, entre las que están las baladas más condescendientes, la música popular ajena al entorno jazzístico y la experimentación de vanguardia. En esta orquesta (y en todas las que siguieron) decidió deliberadamente evitar casi todas las ideas convencionales que se habían mostrado válidas en la organización de big bands de jazz, lo que le valió cierta fama de pretencioso, adjetivo que no es inverosímil si se examinan sus últimas composiciones. A Kenton le gustaba el gran volumen, los trabajos complejos, muy estructurados y llenos de arreglos, los guiños a la música clásica contemporánea y las orquestas con más de cuarenta miembros, a las que raras veces pudo pagar. Sin embargo, era un director muy comercial que estaba obligado a seguir manteniendo al público fiel a las orquestas tradicionales de jazz, por lo que debía alcanzar a menudo compromisos difíciles entre su ambición y su negocio. 


Los resultados no siempre fueron del agrado de la prensa especializada: para algunos era uno de los mejores compositores del siglo XX y para otros un mero payaso. El resultado fue que todo el mundo musical hablaba de la orquesta de Kenton, ya fuera con halagos o con descalificaciones, lo que, si bien incrementó quizás desmesuradamente sus ventas, acabó pasando factura a su salud: en 1947 decidió disolver la orquesta y retirarse, víctima de una depresión nerviosa. Seis meses aguantó sin subirse a los escenarios y, en otoño de aquel año, volvió a hacer temblar los cimientos de la música estadounidense con una orquesta con cinco trompetistas, cinco trombones, contrabajo, guitarra, percusión, batería y el propio Kenton sentado al piano. La etiqueta que se buscó para semejante propuesta fue jazz progresivo, y grabó temas como Over the Rainbow, Machito, Fugue for Rhythm Section, Chorale for Brass, Piano and Bongo, The City of Glass y Elegy for Alto, composiciones unas veces propias y otras de sus arreglistas que toman elementos de la música clásica del siglo XX (con frases explícitas de Maurice Ravel e Igor Stravinsky) y de la música latina, que por entonces causaba furor en las pistas de baile. La orquesta seguía oscilando, pues, entre las disonancias propias de la llamada música culta y las resoluciones armónicas convencionales del swing de los años cuarenta, extremos harto difíciles de conciliar. En cierta manera esta orquesta fue precursora del free jazz que caracterizó a la segunda mitad de la década de los sesenta.

Su falta de cohesión interna propició la disolución a finales de 1948, y su creador pensó de nuevo seriamente retirarse de la escena, según él mismo declaró, para dedicarse a la psiquiatría. Afortunadamente, cuatro años más tarde volvía a los escenarios con energías renovadas y con una impresionante orquesta que contaba con una nutrida sección de cuerda clásica (nueve violines, tres violas, tres violoncellos), una tuba, dos trombonistas, dos cornos franceses, el gran Bud Shank con el saxofón contralto, Art Pepper con el tenor, Shelley Manne como baterista, Maynard Ferguson y Shorty Rogers con las trompetas y otros músicos hasta un total de cuarenta. Con esta formación grabó el disco Innovations in Modern Music, en el que insistía en la mezcla de material clásico y jazzístico, con canciones como Mirage, Trajectoires, Solitaire, varios conciertos para sus solistas y obras de inspiración cubana como Viva Prado, dedicada al inolvidable autor del Mambo nº 8, por entonces de rabiosa actualidad. Aunque tuvo una aceptación bastante buena por parte del público, que llenó los teatros donde actuaba, la orquesta fue, como era de prever, un rotundo fracaso económico. Kenton decidió prescindir de los músicos clásicos, reducir la orquesta a algo más llevadero y moderar más sus pretensiones innovadoras en favor de un repertorio más digerible por el público del jazz.


Así, marchó de gira por Europa en 1953, y el buen hacer de los músicos (entre los que se encontraban ya los excelentes Lee Koonitz y Zoot Sims) y de sus nuevos arreglistas (en particular un poco entusiasta Gerry Mulligan que, pese a todo, escribió trabajos de gran calidad) hizo de esta empresa un éxito de crítica y público durante los años en que estuvo en activo. La llegada del rock and roll, que arrebató el público masivo al jazz, y del hard bop, que hizo lo propio con los pocos amantes que le quedaban al jazz de las big bands, produjo una crisis en el seno de la orquesta que Kenton intentó soslayar sacando otro as de la manga: una nueva orquesta de grandes dimensiones, que contaba con instrumentos tan exóticos como tres melófonos. Dos años de gira, en los que no conocieron otra cosa que un enorme desinterés, dieron al traste con la orquesta, y Kenton se retiró una vez más. Un año después atacó de nuevo con las fórmulas antaño ensayadas, una nueva Neophonic Orchestra que insistía en hermanar tradición jazzística y vanguardia clásica. Entre sus componentes se encontraban Lalo Schifrin, Michel Legrand y Rugolo, su brazo derecho. La orquesta presentaba en cada actuación una estrella invitada, y acudieron a su llamada músicos de la talla de Miles Davis, Gerry Mulligan, Dizzy Gillespie y George Shearing, entre otros. La aventura estuvo en activo entre 1964 y 1967. Nada nuevo hizo desde entonces el gran Kenton, salvo aparecer, cada vez con menor frecuencia, en los festivales de jazz para recrear aquellas piezas que le hicieron famoso, como Opus In Pastel y Artistry In Rhythm.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Innovations in Modern Music 1950
A Presentation of Progresive Jazz 1950
Stan Kenton Presents 1951
City of Glass 1952

City of Glass & This Modern World 1953

New Concepts of Artistry in Rhythm 1953
Portraits on Standards 1953
Sketches on Standards 1953
Contemporany Concepts1955

Duet by June Christy 1955
Popular favorites by Stan Kenton 1955
Kenton in Hi-Fi 1956
Back to Balboa 1958

Lush Interlude 1958 
The Ballad Style of Stan Kenton 1958
The Stage Doors Swing 1958
Viva Kenton! 1959
Standards in Silhouette 1960
Stan's Kenton Greatest Hits 1965

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: biografiasyvidas.com

Fotografía: pinterest.com

Carátulas discos: discogs.com