Joseph
Carl Firrantello, conocido artísticamente como Joe Farrell, nació el 16 de
diciembre de 1937 en Chicago
Heights ( Illinois) y falleció a los 48 años de edad de síndrome mielodisplásico (MDS) el 10 de
enero de 1986 en City of Hope National Medical Center (California). Músico que tocaba el saxo tenor, el saxo soprano, la flauta y el cuerno inglés, además de compositor y director de orquesta. Sus mejores trabajos los hizo para el sello discográfico CTI (Creed Taylor Inc.) También estuvo en el inicio del grupo Return To Forever de Chick Corea.
Se unió a la banda de Ralph Marterie en 1957 y luego
tocó con Maynard Ferguson y The Thad Jones / Mel Lewis Orchestra. También
grabó con Charles Mingus, Andrew Hill, Jaki Byard, Players Association y Elvin Jones. Después de la muerte de John Coltrane, Elvin Jones
formó un quinteto que siempre incluía dos saxofonistas tenores para reemplazar
a Coltrane. Joe Farrell estaba en la primera formación de este quinteto con
el saxofonista tenor Andrew White para "reemplazar" a Coltrane. A fines de la década de 1960 y durante la década de
1970, Farell tocó con Chick Corea y Return to Forever. Él es el flautista en la
obra más famosa de Corea titulada, "Spain", considerada un estándar del jazz moderno.
Hizo numerosas sesiones y contribuyó con un solo de
flauta al éxito de 1973 de Aretha Franklin "Until You Come Back to Me
(Eso es lo que voy a hacer)". La canción de Santana "When I Look
into Your Eyes" del álbum "Welcome" también incluye un trabajo en solitario de
Farrell. Farrell fue destacado en la grabación de Hall & Oates "Abandoned
Luncheonette" que incluía saxofón tenor y solos de oboe de Farrell. Su solo de
saxofón tenor en la grabación del tema "Pick Up The Pieces" de AWB (The Average White
Band) es uno de los solos de tenor más memorables en toda la historia del rock
and roll. Farrell grabó Flute Talk con Sam Most en
1979, que fue anunciado como un dúo de los dos mejores flautistas de jazz del
mundo.
Farrell se presentó con el percusionista brasileño
Airto y la esposa de Airto, Flora Purim, en el álbum Three-Way Mirror. Un
mensaje en la contraportada del CD dedica el álbum de 1985 a Farrell y declara que
contiene sus grabaciones finales. En 2008, la hija de Farrell, Kathleen Firrantello
presentó una demanda contra los raperos Kanye West, Method Man, Redman y
Common, y sus sellos discográficos por supuestamente usar partes de la
composición musical de 1974 de Farrell Upon This Rock en sus
canciones sin aprobación. Firrantello buscaba una indemnización por daños punitivos de al menos 1 millón de dólares y solicitó que no se prensaran, ni vendieran, más copias
de las canciones.
DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:
Joe Farrell Quartet 1970
Outback 1971
Moon Germs 1972
Penny Arcade 1973
Upon This Rock 1974
Canned Funk 1975
Benson & Farrell 1976 con George Benson
Super Sessions 1976 con Chick Corea, John McLaughlin, Elvin Jones
La Catedral Y El Toro 1977
Night Dancing 1978
Skate Board Park 1979
Flute Talk 1979 con Sam Most Farrell's Inferno 1980 Three-Way Mirror 1985 con Airto Moreira y Flora Purim
The Best Of Joe Farrell 2000 The Last From Lennie's Jaky Byard Quartet con Joe Farrell 2003 CARPETAS del resto de ÁLBUMES seleccionados:
Fuente: wikipedia Fotografía: pinterest.com Carátulas discos: discogs.com
Henry James Allen, conocido artísticamente como Henry "Red Allen, nació el 7 de enero
de 1908 en Algiers (Louisiana) y falleció a los 59 años de edad, víctima de un cáncer pancreático, el 17 de abril de 1967 en Nueva York. Trompetista estadounidense de jazz.
Su padre fue director de una banda en Algiers,
localidad cercana a Nueva Orleans situada río abajo, llamada "The Allen Brass
Band", que tuvo cierto éxito en el estado de Louisiana en la primera década del
siglo. Por ello, el jazz en Allen tuvo una influencia mucho más natural que en
gran parte de los músicos de la época. Sus primeras actuaciones, realizadas en
la banda de su padre, le permitieron compartir escenario con George Lewis,
entre otros. Desarrolló pronto un estilo propio y un virtuosismo instrumental
que, a diferencia del de Louis Armstrong, mantuvo en todo momento un hondo
sabor a blues, con más referencia a la música folclórica precursora de este
estilo. Se ha dicho de él que tocaba las canciones como si acabara de inventar
su estilo, recreándose con la trompeta.
Fue uno de los primeros instrumentistas
en los que se entrevé el intento incipiente de frasear melodías, es decir,
ligar de forma suave los diferentes sonidos y abandonar el staccato rítmico
característico del jazz pretérito. Tras su paso por la Excelsior Band y la Sam Morgan
Band, se incorporó en 1926 a una de las, por entonces, muy comunes orquestas de
barco -las riverboat bands en las que Louis Armstrong, King Oliver y tantos
otros músicos cocinaron el jazz-, llamada Southern Syncopators y comandada por
Sidney Desvigne. Un año más tarde, mientras el barco hacía escala en San Luis,
se dejó contratar por King Oliver y se unió a sus Dixie Syncopators. Aunque la
banda fue a pique, Allen viajó por primera vez a Nueva York, donde realizó su
primera grabación con Clarence Williams. De regreso a su ciudad natal actuó con
Fate Marable y con Fats Pichon, una vez más en los riverboats.
Al serle ofrecidos un par de contratos para grabar con
Luis Russell y Duke Ellington, decidió trasladarse de nuevo a la Gran Manzana,
y allí realizó sus primeras grabaciones bajo su propio nombre en el año 1933.
Su primer éxito memorable lo alcanzó tocando con la banda de Lucky Millinder
con Ride, Red, Ride. Tras una breve estancia en la Mills Blue Rhythm Band volvió
con Luis Russell, con el que estuvo hasta 1940, época en la que la banda era
telonera de Louis Armstrong. Los solos de Red Allen caldeaban el ambiente en
espera del gran maestro, a quien eclipsó en varias ocasiones. En 1940 se unió a
la orquesta de Fletcher Henderson como solista principal. Realizó diversas
grabaciones para la compañía RCA Victor, entre las que destacan las realizadas
junto a Coleman Hawkins, como cantante y trompetista. Su sonido exuberante se
adaptaba de perlas a la concepción musical de Hawkins, con quien tocó repetidas
veces hasta la década de los sesenta.
En las décadas de los 40 y 50 Allen dirigió su propio
sexteto de swing, a veces contando con la actuación estelar de Coleman Hawkins.
De esta época datan grabaciones memorables con Jelly Roll Morton y Sidney
Bechet y una gira con Billie Holiday, pero sobre todo se dedicó a desarrollar
su propio estilo en actuaciones por los teatros de pequeño aforo. Investigó
efectos mucho más modernos, incluyó en sus solos efectos sonoros coloristas,
expresivos, y comenzó a experimentar con los cambios de dinámica y otras
técnicas jazzísticas que anticipaban en cierto modo el free jazz. Sus
actuaciones durante la década de los sesenta, a menudo acompañando a sus amigos
George Lewis, Coleman Hawkins y Kid Ory, eran seguidas con devoción por los
trompetistas más experimentales de Nueva York, como Don Ellis, quien dijo de
Red Allen que era "el trompetista más vanguardista de todo Nueva
York".
DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:
Red Allen Meets Kid Ory 1957 Ride, Red, Ride 1957
World on a String 1957
At Newport 1957 (Con Kid Ory, Jack Teagarden)
We've Got Rhythm 1960 (Con Kid Ory)
Plays King Oliver 1961
Mr. Allen 1962
Feeling Good 1966
Henry Red Allen 1968
Henry "Red" Allen con Luis Russell vol 2/1929 (1974)
High Standards vol. 2 - Coleman Hawkins & Red Allen 1987
Art Tatum, Jr., conocido
artísticamente como Art Tatum, nació el 13 de octubre de 1909 en Toledo (Ohio)
y falleció el 5 de noviembre de 1956, a la edad de 47 años, en Los Ángeles
(California). Pianista de jazz estadounidense.
A pesar de ser
prácticamente ciego llegó a ser uno de los más grandes pianistas del género.
Fue un niño prodigio que era capaz de tocar directamente al piano lo que oía en
la radio o en las pianolas. Con un oído fuera de la común, Art percibía la más
mínima variación de la afinación en un piano. Muchos datos de la vida de Tatum
permanecen inciertos o ambiguos: Su fecha de nacimiento, la causa de su
ceguera, las inquietudes musicales de sus padres, sus asociaciones con músicos
clásicos y su habilidad para tocar como "sideman" (músico profesional
de acompañamiento en un grupo o en una grabación). Aún así, una vez escuchada
su obra discográfica, es evidente que su inmenso talento le ha convertido en
uno de los más grandes pianistas de la historia. Prácticamente cualquier
pianista de jazz aún en activo, a sabiendas o no, le debe algo a Tatum, quien
en los años treinta transformó el concepto de piano de jazz para siempre.
Incluso solistas de otros instrumentos basaron su evolución sonora en los
nuevos conceptos que Tatum trajo al teclado.
El crítico, productor y
escritor de jazz Leonard Feather lo llamó "el más grande solista de la
historia del jazz, sin importar el instrumento". A mediados de los años
veinte estudió en la escuela de música de Toledo y actuaba en emisoras locales.
El piano como instrumento tenía ya historia de virtuosos, pero ninguno se
aproximó a los niveles de aptitud atlética que Tatum desplegaba con tanta
naturalidad. Se hizo algo tan natural que a veces él mismo parecía aburrirse de
su propia maestría, pasando a toda velocidad por una procesión de marcados
contrastes en tiempo y estilo que cambiaban cada pocos compases, bajo una
cascada de arpegios que caían como confeti. Su talento al teclado comenzó a ser
popular entre los mismos músicos y grandes del jazz como Duke Ellington,
Fletcher Henderson y Louis Armstrong, que aprovechaban sus actuaciones en Toledo
para pasarse a ver a Tatum en directo.
En 1932 llamó la atención
de la cantante Adelaide Hall con quien Tatum realizó sus primeras grabaciones.
Tatum mencionó que su mayor influencia había sido Fats Waller, pero según el
pianista Teddy Wilson: "El pianista de jazz favorito de Art fue Earl
Hines. Tatum compraba todos sus discos e improvisaba sobre ellos. Tocaba e
improvisaba sobre la música de Earl... Por supuesto, cuando oías tocar a Tatum,
no eras capaz de escuchar nada más que no fuera él. Pero sus ideas las tomó del
estilo de Earl, algo que Earl nunca supo". Un momento clave en su
meteórico ascenso fue su aparición en un concurso que se celebró en 1933 en el
bar Morgan's de Nueva York, en el que participaban además de él, Fats Waller,
James P.Johnson y Willie 'The Lion' Smith.
Piezas clásicas del
concurso incluían 'Harlem Strut' y 'Carolina shout' de Johnson y 'Handful Keys'
de Fats Waller. Tatum triunfó con sus arreglos de 'Tea for two' y 'Tiger rag',
en una actuación memorable que fue considerada la última palabra en el estilo
de piano stride. James P. Johnson, rememorando la actuación de Tatum,
simplemente dijo: "Cuando Tatum tocó 'Tea for Two' aquella noche, creo que
fue la primera vez en mi vida que la oi tocada como es debido". Su debut
fue histórico porque superó a toda la élite y abanderó el abandono definitivo
de la era stride en el piano de jazz. No volvió a ser retado en este estilo
hasta que el especialista Donald Lambert inició una rivalidad con él que se
quedó en una anécdota. Durante los años treinta visitó numerosas ciudades del
país como Los Ángeles, Cleveland, Chicago, Nueva York, y en 1938 se embarcó en
el "Queen Mary" rumbo a Inglaterra, donde también hizo giras y
permaneció tres meses en el "Ciro's Club", propiedad del director de
banda y violinista Ambrose.
En 1941 Tatum grabó dos
sesiones para Decca Records acompañando al cantante Big Joe Turner. En ellas
estaba incluida 'Wee wee baby blues', un éxito que tuvo repercusión nacional.
Dos años después Tatum lideró la primera 'clasificación' que medía la popularidad
de músicos de jazz del país, publicada por la revista Esquire. Ese mismo año
(1943), pensando quizás que el piano sin acompañamiento tenía una audiencia
limitada, Art formó un trío inspirado en el de Nat King Cole con el guitarrista
Tiny Grimes (más tarde Everett Barksdale) y el bajista Slam Stewart. Durante el
corto período que tocaron juntos, grabaron varios discos de 78 rpm, que
muestran la maravillosa interacción que había entre los músicos, y son únicos
hasta la fecha.
Sin embargo, el mayor legado
de Tatum son sus grabaciones para piano solo. Con un repertorio compuesto
principalmente por el Great American Songbook, Tatum mostraba una fluida
brillantez técnica y una prodigiosa memoria para crear una biblioteca de obras
maestras para piano. La habilidad de Tatum para imaginar y ejecutar ideas
complejas e ingeniosas a toda velocidad no tiene parangón en la música grabada.
Escuchar a Tatum puede ser una tarea tan emocionante como exigente debido al
profundo impacto de sus ideas, sus desvíos armónicos y su extravagante
ornamentación.Sus críticos le reprochaban necesitar demasiadas notas para
expresar melodías simples. No obstante, sus interpretaciones de 'Yesterdays',
'Begin the beguine' o 'Humoresque', hacen que con sus arreglos de expresividad
exuberante, estos clásicos parezcan composiciones distintas.
En su tiempo Tatum fue con
diferencia el pianista más virtuoso del jazz, técnicamente perfecto en ambas
manos y reconocido por todos. Un día entró en un club donde Fats Waller estaba
tocando. Waller se apartó del piano para hacer sitio a Tatum, anunciando
"Yo sólo toco el piano, pero esta noche Dios está aquí". Además, el
compositor ruso Sergei Rachmaninoff, tras oír tocar a Tatum, declaró que era el
más grande intérprete de piano de cualquier estilo. Otras celebridades de su
tiempo, como Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein y George Gershwin se
maravillaron con el genio de Tatum. Horowitz llegó a comentar que si Tatum se
dedicara al piano clásico, él lo dejaría al día siguiente. También el legendario
saxofonista Charlie Parker estuvo muy influido por Tatum.
Recién llegado a Nueva
York, Parker trabajó fregando platos en un restaurante de Manhattan en el que
actuaba Tatum, y escuchó a menudo al legendario pianista. Desafortunadamente,
las dos figuras nunca tocaron juntas. Aunque Art fue venerado e idolatrado por
la mayoría de sus colegas contemporáneos, cuando apareció el bebop -movimiento
en el que no participó- su popularidad descendió bastante. En la década de los
cincuenta trabajó con Norman Granz, tanto como solista como formando parte de
un grupo de All Stars junto con Benny Carter, Ben Webster, Roy Eldridge, Buddy
DeFranco y Lionel Hampton. Los dos últimos años de su vida tocaba habitualmente
en el "Baker's Keyboard Lounge" de Detroit, donde realizó su última
actuación en abril de 1956. Murió siete meses después, a los 47 años.
DISCOGRAFÍA seleccionada, ÁLBUMES:
Piano Solos (1940, Decca )
The Genius Of Art Tatum vol.1 (Clef Records, 1954)
The Genius Of Art Tatum vol.4 (Clef Records, 1954)
The Tatum Group Masterpieces vol.1 (Palblo Records, 1954)
The Tatum Group Masterpieces vol.2 (Palblo Records, 1955)
The Tatum Group Masterpieces vol.3 (Palblo Records, 1955)
The Tatum Group Masterpieces vol.4 (Palblo Records, 1955)
The Tatum Group Masterpieces vol.5 (Palblo Records, 1955)
The Tatum Group Masterpieces vol.6 (Palblo Records, 1956)
The Tatum Group Masterpieces vol.7 (Palblo Records, 1956)
The Tatum Group Masterpieces vol.8 (Palblo Records, 1956) The Art Tatum-Ben Webster Quartet (Verve, 1956) Art Tatum (Capitol, 1956) The Art of Tatum (Decca, 1958) The Greatest Piano Of Ten Hall (Verve,1958) The Incomparable (Verve, 1959) Art! (Fontana, 1966) The Tatum Solo Masterpieces vol.2 (/Verve,1975) 20th Century Piano Genius (Verve, 1986) The Complete Capitol Recording (Affinity, 1986) Art Tatum's Finest Hour (Verve 2000)
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