Extraordinario e innovador saxofonista estadounidense nacido el 12 de diciembre de 1943 en Buffalo (Nueva York). Aficionado a la música desde su niñez, a los ocho años su padre le regaló un saxofón. Durante su servicio militar conoció al batería Billy Cobham que posteriormente lo introduciría en los círculos jazzísticos de Nueva York y colaboraría en la grabación de algunos álbumes de otros artistas.
Músico de estudio y dueño de una discografía que ha evolucionado del jazz al jazz-rock. Han colaborado con él varios de los mejores músicos americanos de su tiempo como Eric Gale (guitarra), Steve Gadd (batería), Richard Tee (teclados) y Bob James (teclados y productor) entre otros.
La casualidad hizo que la discográfica Kudu, subsello de CTI Records, lo contratara en sustitución del saxo Hank Crawford que no se presentó en los estudios para una grabación y, como estrella principal, debutó el año 1971 con el LP Inner city blues, al que siguieron los LP's All the king's horses (72), Soul box 1 y 2 (73), Feel so good (75), Mister magic (75), A
secret place (76), Live at The Bijou (78) y Reed seed (78).
En 1979 logró la mejor cristalización de su sonido con el álbum Paradise (79), que se completó con Winelight (80), su mejor álbum premiado con el Disco de Platino y confirmando su éxito en 1981 con Come morning. El sello Motown, aprovechando el momento excelente de ventas y popularidad de Grover, con el que había editado Reed seed, puso a la venta los álbumes Skylarkin’ (80) integrado por material previo a su fichaje en 1979 por Electra, Anthology (81) y Portrait (82).
Su discografía continuó con los álbumes The best is yet to
come (82), Inside moves (85), el recopilatorio de Elektra, Anthology (85), el recopilatorio de Motown, At his best (85), y en su nueva compañía discográfica CBS: Strawberry moon (87), Then and now (88), Time out of mind (89), Next exit (92), All my tomorrows (94), Soulful strut (96) y Breath of heaven: A Holiday collection (97, SONY).
Grover Washington Jr. falleció a los 56 años, el 17 de diciembre de 1999, de un infarto agudo de miocardio. En fechas posteriores a su muerte aparecieron en el mercado los álbumes Aria (2000, SONY Classical) y varios directos y recopilatorios más.
DISCOGRAFÍA seleccionada, ÁLBUMES:
Fuente: Orbis y Wikipedia Fotografía: artistdirect.com Carátulas discos: rateyourmusic.com
Paul Emil Breitenfeld, conocido artísticamente como Paul Desmond, nació el 25 de noviembre de 1924 en San Francisco (California) y falleció a la edad de 52 años en Manhattan (Nueva York) el 30 de mayo de 1977. Músico estadounidense, saxofonista alto, clarinte y compositor.
Desmond llegó a la música de la mano de su padre -organista y pianista- cuyo trabajo consistía en poner música a las películas mudas. Empezó sus estudios musicales con el clarinete en la Escuela Politécnica de San Francisco y con este instrumento se profesionalizó muy rápidamente. Sin embargo, en 1950, con 25 años, optó por el saxo alto. Debutó con Jack Fina y Alvino Rey, con quienes adquirió fama de inmediato gracias al peculiar sonido -procedente de la escuela cool californiana- de su saxofón. Dave Brubeck lo fichó en 1951 para su conocido cuarteto, quizá intuyendo la sonoridad que el saxofonista podría desarrollar en su banda. Y Desmond triunfó con Brubeck. Lo brillante y nítido de su sonoridad se apegaba con facilidad al sonido que el cuarteto pretendía alcanzar. La colaboración con Brubeck duró toda su vida, aunque a partir de 1967 sólo se reunieron de forma eventual. La historia con el cuarteto de Brubeck, pues, tienes varios episodios. En ellos, la figura del cuarteto es inexpugnable, siempre formado por Dave Brubeck (piano), Paul Desmond (saxo alto), Eugene Wright o Norman Bates (contrabajo) y Joe Morello (batería). Entre los primeros discos magistrales de esta formación cabe mencionar Brubeck Time (1955), Dave Digs Dysney (1957) -con temas inolvidables del cineasta- o el famoso Newport 58 (1958), grabado en vivo en aquella mítica reunión.
En 1959, el cuarteto grabó la pieza más conocida de su repertorio: “Take Five”, una composición de Desmond que le haría inmensamente popular (tanto al grupo como a él mismo) en 6/8 y que se convirtió en standard desde el mismo momento que fue publicada. La pieza, además de dotar de fama internacional al saxofonista, se impuso como moda musical incluso a principios de siglo XXI, cuando fue de nuevo revisitada la legendaria versión. De los últimos discos de esta etapa con Brubeck, podemos reseñar Jazz at Storville (1962), Time it (1966) o Bossa Nova USA (1963). Entre los intervalos de los trabajos del saxofonista con Brubeck, se multiplicaron sus actuaciones como miembro de la banda con muchas figuras del jazz internacional. Tal es el caso de su unión con Gerry Mulligan -su sustituto al frente del cuarteto de Brubeck en numerosas ocasiones-, con quien grabó y actuó en esta década. De tal asociación quedó el álbum Gerry Mulligan Quartet / Paul Desmond Quintet (1956), una lucha entre dos gigantes del sonido cool. Con Mulligan, además, firmó uno de sus mejores trabajos: Two of a Mind (1963), una pequeña obra maestra dentro de la estética cool, donde casi se perciben las dos voces de sus saxos (alto y barítono) entrecruzándose de continuo. No debe dejar de mencionarse la versión de “All the Things You Are”. Sencillamente magistral.
En solitario, Desmond se inició en cuarteto con el trabajo titulado Paul Desmond, en 1955. Después llegó su siguiente disco, también en cuarteto, en el que colaboró el cantante Don Elliot, en 1956. Si bien estos primeros trabajos del saxofonista en solitario seguían los pasos de su trabajo con Brubeck, el siguiente elepé presentó una cara musical más sofisticada. Fue First Place Again, un impecable disco de 1960, lleno de emotividad y buenas maneras, realizado en cuarteto; formado por Desmond, Jim Hall, Percy Heat y Connie Kay, estos últimos integrantes del Modern Jazz Quartet, con lo que el disco fluctuaba entre el swing más académico y el jazz más inspirado y genial. Imprescindibles temas como “I Get a Kick Out of You”, “You Got To My Head”, “Time After Time” o la revisión de un tema del Renacimiento: “Gleensleeves”. Desmond siguió pronto la moda de orquestar sus discos, una tendencia ante la que sucumbieron notables jazzistas como Chet Baker, Wes Montgomery o Stan Getz. Quizá su trabajo más interesante fue Desmond Blue (1961), donde, salvo en los pasajes en los que la orquesta de cuerda acaba imponiéndose al sonido y swing de los músicos, destacan los temas “My Funny Valentine”, “I’ve Got You Under My Skin”, “Like Someone In Love” o “Body and Soul”. De entre los músicos sobresale la participación del guitarrista Jim Hall, siempre pletórico en cualquier colaboración.
Tras la desaparición del cuarteto de Brubeck y liberado de ataduras musicales, Desmond intentó desarrollar su propia música. No pudo ser. Ya en los primeros setenta, los síntomas de una enfermedad que acabaría por llevarse al músico comenzaron a mostrarse irreversiblemente. Aún con todo, en 1972, y ya con grandes problemas de salud, inició una larga gira por Japón -donde fue muy requerido el cuarteto de Brubeck-, Australia y Europa. Precisamente, en este continente triunfó en los festivales de Newport (1972, 1973 y 1975) y Monterrey (1975). En esta década Desmond publicó algunos trabajos muy desiguales. Samba de Orfeo (1973) o Skylard -grabado para el sello CTI en 1974- fueron dos discos comerciales y en cierta manera previsibles. Con Chet Baker y Jim Hall grabó un puñado de temas, casi los últimos de su carrera. Participó en el álbum She Was Too GoodTo Me (en julio de 1974) del trompetista y en Concierto de Hall (en abril de 1975). Precisamente esta colaboración fue muy celebrada por el mundo del jazz. En ella -en temas como “You’d Be So Nice To Come Home” o “ “The Answer Is Yes”- se escucha a un Desmond pletórico, lleno de acierto, en un disco en el que brillaban músicos como Ron Carter, Ronald Hanna o Steve Gadd.
De cualquier modo, en estos últimos años se recuerda con agrado su paso por el club Half Note (en 1974), para finalmente actuar como integrante de la banda en varios trabajos de Baker. Las canciones fueron “You Can’t Go Home Again” -del elepé del mismo título- y “How Deep Is The Ocean”, incluido en el disco The Best Thing For You (ambas sesiones, de febrero de 1977). Sólo podría apuntarse, como colofón a su vinculación con el mundo del disco, su participación en el álbum de Art Garfunkel "I’m Getting Sentimental". Poco después, el 30 de mayo de 1977, tras dos años muy afectado por la enfermedad, moría de cáncer uno de los saxos altos más conocidos del jazz de la segunda mitad del XX. Al igual que le ocurrió a Stan Getz, Desmond fue más conocido por su aterciopelado sonido que por su personalidad en el ámbito del jazz. No fue un saxofonista innovador. Siguió los pasos de los grandes, aunque nadie fue capaz de templar el alto como él lo hacía. Tal vez, su longeva unión a Brubeck (hasta 1967) terminó por anularle y alejarle de los primeros puestos del jazz internacional, aunque hay que decir que esa precisa comunión le convirtió en un músico inmensamente popular. Su ‘sonido’ procedía del estilo conocido como ‘West Coast Sound’, cuya frase se hacía perfecta, sonora y relajada. Su atemperada técnica -sin apenas vibrato- le hizo dueño de un sonido -al igual que Getz- casi único, todo dentro de una improvisación de carácter uniforme y llena de candidez que lograba a la perfección unir la calidez del swing con la extremada técnica de la música clásica. Casi un imposible. Resto de las carpetas de los discos mencionados en este artículo:
Ella Jane Fitzgerald, coonocida artísticamente como Ella Fitzgerald, nació el 25 de abril de 1917 en Newport News y falleció a la edad de 79 años en Beverly Hills (California) el 15 de junio de 1996. Cantante estadounidense de jazz.
Inició su carrera en la década de 1930 y fue calificada de «primera dama del jazz» por su elegancia y por su técnica vocal, que la dotaba de una gran versatilidad en su repertorio. Fue, junto al genial trompetista Louis Armstrong, la principal figura del scat singing (uso de la voz de una manera instrumental mediante la entonación de sílabas improvisadas), y trabajó, entre otros, con Chick Webb, el ya mencionado Louis Armstrong y Duke Ellington. Tras pasar su infancia en un orfanato de Nueva York, inició su carrera con sólo dieciséis años, cuando ganó en 1934 un concurso para voces noveles en el Apolo Harlem de Nueva York. Entre los asistentes a la gala se encontraba Chick Webb, que quedó fascinado por su voz y la contrató para su orquesta; posteriormente se casaría con ella. De 1935 data su primera grabación, Love & Kisses. Entre 1934 y 1939, Ella Fitzgerald cantó con la Chick Webb Band, grupo que dirigió tras la muerte de Webb (1939) durante dos años.
Empezó entonces su trayectoria como solista y grabó su primer álbum, My Wubba Dolly. Su cálida voz, aunque nunca tan intensa como la de Billie Holiday, tenía un aire distinguido, llegando incluso a veces a parecer ingenua e infantil. Tras colaborar en grabaciones con un sinfín de personajes del mundo de la música negra (Louis Armstrong entre ellos), en el año 1946 se incorporó a una gira por Estados Unidos que la dio a conocer por todo el país. Trabajó con el productor discográfico estadounidense Norman Granz y recorrió Europa y Asia interviniendo en las jornadas musicales "Jazz at the Philharmonic", organizadas por Granz. Ya en la década de los cincuenta fueron frecuentes sus trabajos junto a nombres ilustres del jazz, como Cole Porter y Duke Ellington, en la que fue una de sus mejores etapas como vocalista. Realizó incluso una primera aparición en el celuloide, en el filme "Pete Kelly's Blues" (1955).
Ese mismo año se despidió de Decca, su sello discográfico hasta esa fecha, donde había orientado su carrera artística hacia las baladas pop; su fichaje por el sello Verve, en 1956, la acercó más al jazz, e inició una fructífera etapa durante la que, hasta mediados de la década de los sesenta, grabó más de 250 canciones con los mejores compositores del momento, como los mencionados Porter o Ellington o figuras de la magnitud de Richard Rogers, George Gershwin o Jerome Kern, entre otros. Sus grabaciones con orquestas están consideradas entre las mejores de la historia del jazz. Una de las realizadas para este sello fue Ella & Basie, donde colaboró con Count Basie y un joven Quincy Jones como artista invitado. Con Basie volvería a editar otro excelente disco, A Classy Pair, en 1979. Para los aficionados al jazz, posiblemente su mejor trabajo es Ella Fitzgerald sings the Cole Porter songbook (1956) álbum que incluye la versión definitiva de "Every time we say goodbye", uno de sus mayores éxitos, aunque también hay que destacar grabaciones como Lady be good (1946) o A Tisket A Tasket (1968).
Entre 1957 y 1958 interpretó con la colaboración, una vez más, de Louis Armstrong, la ópera de George Gershwin, Porgy and Bess, en una excelente versión jazz de la misma. En 1958 actuó junto a Duke Ellington en el Carnegie Hall de Nueva York. En Europa ofrecería numerosos recitales con el trío de Oscar Peterson. En el año 1960 organizó un concierto en la Deutschlandhalle de Berlín, donde Adolf Hitler había pronunciado un discurso condenando a dos grandes intelectuales alemanes como fueron Kurt Weill y Bertolt Brecht, hecho que la cantante conmemoró en un homenaje a los mismos intelectuales y que terminó en un apoteósico "Mack The Knife" (Weill-Brecht). Este simbólico acto acentuó aún más la leyenda mundial de esta diva del jazz.
Una grave enfermedad la mantuvo apartada de la escena musical desde mediados de los sesenta, pero recobró la actividad en los setenta, grabando y volviendo a actuar con regularidad. Entre sus últimas apariciones destaca el concierto que ofreció en 1985, con motivo del "Kool Jazz Festival", en el Carnegie Hall. En 1986 fue operada a corazón abierto, y sólo el afán de superación le ayudó a superar la crisis; volvió a los escenarios un año después. Sus últimos trabajos (30 by Ella, editado en 1991 y grabado con el saxofonista Benny Carter, o Misty Blue, del mismo año) demuestran la fuerza interpretativa que mantuvo prácticamente hasta su fallecimiento.Para los aficionados al jazz, posiblemente su mejor trabajo es Ella Fitgerald Sings the Cole Porter Song Bok, que incluye la versión definitiva de "Every Time we say Goodbye", uno de sus mayores éxitos. DISCOGRAFÍA resumida:
• 1948 Ella
& Ray
• 1949
Souvenir Album
• 1948 Ella
& Ray
• 1951 Ella
Sings Gershwin
• 1954
Songs in a Mellow Mood
• 1955
Lullabies of Birdland
• 1955
Songs from "Pete Kelly's Blues"
• 1956 Ella
and Louis [Master Edition]
• 1956
Sings the Cole Porter Song Book
• 1956
Sings the Rodgers and Hart Song Book
• 1957 Ella
& Louis Again
• 1957 Lady
Be Good!
• 1957 Lady
Be Good!
• 1957 Like
Someone in Love
• 1957
Porgy and Bess
• 1957
Porgy & Bess with Ella Fitzgerald & Louis Armstrong
• 1958
Sings the Duke Ellington Song Book
• 1958 At
Newport
• 1958
Ella, Lena, Billie & Sarah
• 1958
Sings the Irving Berlin Song Book
• 1958 Ella
Swings Lightly
• 1958 Ella
at the Opera House
• 1958
Carnegie Hall 1973, Vol. 1
• 1959
Sings Sweet Songs for Swingers
• 1959 Get
Happy!
• 1960 Ella
Wishes You a Swinging Christmas
• 1960 The
Intimate Ella
• 1960 Mack
the Knife/Ella in Berlin/Hello Love
• 1960 Ella
Sings Songs from "Let No Man Write My Epitaph"
• 1961 Ella
in Hollywood: Live at the Crescendo
• 1961
Harold Arlen Songbook
• 1961 The Harold
Arlen Songbook, Vol. 1
• 1961
Sings More Cole Porter
• 1961
Sings the Harold Arlen Song Book
• 1961 Clap
Hands, Here Comes Charlie! + 9 bonus tracks
• 1962 The
Harold Arlen Songbook, Vol. 2
• 1962 Ella
Swings Brightly with Nelson
• 1962
Rhythm Is My Business
• 1962 Ella
Swings Gently with Nelson
• 1963 Ella
and Basie!
• 1963 Ella
Sings Broadway
• 1963
Sings the Jerome Kern Song Book
• 1964
These Are the Blues
• 1964 Ella
at Juan-Les-Pins
• 1964
Hello, Dolly!
• 1964
Sings the Johnny Mercer Song Book
• 1965 Ella
at Duke's Place
• 1965 Ella
in Hamburg
• 1965 Ella
Fitzgerald
• 1965 Ella
Fitzgerald
• 1966 The
World of Ella Fitzgerald
• 1966
Whisper Not
• 1967
Brighten the Corner
• 1967 Ella
& Duke at the Côte D'Azur
• 1967 Ella
Fitzgerald's Christmas
• 1968 30
by Ella
• 1968
Misty Blue
• 1968
Thirty by Ella
• 1969 Ella
• 1969
Sunshine of Your Love
• 1971 Ella
A Nice
• 1972 Ella
Loves Cole
• 1973
Carnegie Hall 1973, Vol. 2
• 1973
Newport Jazz Festival: Live at Carnegie Hall
Músico de estudio y dueño de una discografía que ha evolucionado del jazz al jazz-rock. Han colaborado con él varios de los mejores músicos americanos de su tiempo como Eric Gale (guitarra), Steve Gadd (batería), Richard Tee (teclados) y Bob James (teclados y productor) entre otros. 
La casualidad hizo que la discográfica Kudu, subsello de CTI Records, lo contratara en sustitución del saxo Hank Crawford que no se presentó en los estudios para una grabación y, como estrella principal, debutó el año 1971 con el LP Inner city blues, al que siguieron los LP's All the king's horses (72), Soul box 1 y 2 (73), Feel so good (75), Mister magic (75), A
secret place (76), Live at The Bijou (78) y Reed seed (78). 
En 1979 logró la mejor cristalización de su sonido con el álbum Paradise (79), que se completó con Winelight (80), su mejor álbum premiado con el Disco de Platino y confirmando su éxito en 1981 con Come morning. El sello Motown, aprovechando el momento excelente de ventas y popularidad de Grover, con el que había editado Reed seed, puso a la venta los álbumes Skylarkin’ (80) integrado por material previo a su fichaje en 1979 por Electra, Anthology (81) y Portrait (82). 
Su discografía continuó con los álbumes The best is yet to
come (82), Inside moves (85), el recopilatorio de Elektra, Anthology (85), el recopilatorio de Motown, At his best (85), y en su nueva compañía discográfica CBS: Strawberry moon (87), Then and now (88), Time out of mind (89), Next exit (92), All my tomorrows (94), Soulful strut (96) y Breath of heaven: A Holiday collection (97, SONY). 
Grover Washington Jr. falleció a los 56 años, el 17 de diciembre de 1999, de un infarto agudo de miocardio. En fechas posteriores a su muerte aparecieron en el mercado los álbumes Aria (2000, SONY Classical) y varios directos y recopilatorios más. 
