ANITA BAKER

Anita Bridgeforth, en el mundo artístico conocida como Anita Baker, nació el 26 de enero de 1958 en Toledo (Ohio). Cantante estadounidense de r&b y soul pop.

Criada en Detroit, Anita Baker se impuso, a lo largo de los ochenta, como una de las cantantes más significativas del panorama americano. Digna continuadora de la escuela que habían liderado personajes como Billie Holiday, Mahalia Jackson y Aretha Franklin.
Anita ha tenido que trabajar mucho antes de conseguir afirmar sus excelentes cualidades vocales. Creció entre los discos de su madre (gran apasionada del jazz, del blues y del soul), cantó en el coro de la iglesia y, en un determinado momento, sintió el deseo de conquistar una cierta autonomía económica. Así, abandonó sus veleidades artísticas, comenzando a trabajar como camarera en un restaurante de Detroit. En 1980, gracias al interés de Ariola, Anita Baker hizo su debut como cantante en Chapter 8, una banda de black music con base de operaciones en Detroit. El primer álbum de esta formación, titulado simplemente Chapter 8 (1980), contiene temas que van del funk al rhythm and blues, todos de buen nivel de calidad. A pesar de ello, a excepción del single 'I just wanna be your girl', el álbum no obtuvo un gran éxito, lo que diluyó, en gran medida, las expectativas de Anita. 

Sin embargo, la joven y tenaz cantante no tiró la toalla y, en 1983, realizó para Beverly Glen un nuevo disco. El álbum se titula The songstress, y es, de hecho, el primer trabajo en solitario de Anita Baker. Pero tampoco esta vez, a pesar de óptimas composiciones soul como 'No more tears' o 'Angel', el "alma negra" de Anita conseguiría captar la atención del gran público. Por este motivo, poco después de la publicación del álbum, la cantante comenzó a actuar cada vez más a menudo. Este comportamiento obtuvo sus frutos: el interés general creció a ojos vista, hasta que finalmente se le abrieron las puertas de una prestigiosa compañía discográfica: Elektra.

En 1986, y con la producción de Michael Powell, Anita grabó Rapture, álbum en el que se incluyen ocho canciones que consiguieron poner a la vista de todos su notable capacidad vocal y su admirable versatilidad. La cantante pasa con gran desenvoltura del jazz al blues o del pop al soul, llegando a niveles altísimos en canciones como 'Mystery' (versión del tema de Rod Temperton, interpretado también por Manhattan Transfer), 'Be so long' y Sweet love. En Rapture, Anita revela ser una impecable arreglista, autora y pianista. Rapture superó los cuatro millones de copias vendidas e hizo que Anita ganase dos premios Grammy, uno como mejor vocalista de 1986, y otro, por Sweet love, como la mejor cantante de rhythm and blues.

Tras este explosivo éxito, tan inesperado como merecido, Anita continuó realizando actuaciones (uno de sus conciertos más emotivos fue el del Constitution Hall de Washington, en 1987, documentado en el vídeo 'One night of rapture'); asimismo, colaboró en la realización de 'Ain't no need to worry' (1987), del grupo Winans. Dos años después de Rapture, salió Giving you the best that i got, un álbum que alcanzó en el acto las zonas altas de las listas de todo el mundo, gracias, en parte, al single homónimo, cálida y elegante balada soul llena de fascinación y melodía. Ayudada por músicos ilustres como el pianista George Duke, Anita se reafirmaba como intérprete de gran clase y una de las cantantes más representativas de la black music de fines de los ochenta.

Pagina Oficial:

http://www.anitabaker.com

DISCOGRAFÍA, seleccionada:

1983- The Songstress 

1986- Rapture 

1988- Giving you the best that i got

1990- Compositions 

1994- Rhythm of love
2002- Sweet love: The very best of 

2004- A night of rapture: Live

2004- My everything 

2005- Christmas fantasy

Carátulas de los discos seleccionados:
SINGLES:

 

ÁLBUMES:

Fuente: historiasderock.es

Fotografía: israbox.com

Carátulas discos: en.wikipedia.org/chartstats.com/lastfm.es

OSCAR PETERSON

Oscar Peterson, nació el 15 de agosto de 1925 en Montreal (Canadá) y falleció el 23 de diciembre de 2007 a los 82 años de una insuficiencia renal en Mississauga (Ontario). Músico canadiense, pianista de jazz de brillante técnica y especial habilidad para interpretar música swing. También compositor.

Sus padres eran inmigrantes de las indias británicas occidentales y las islas vírgenes. Su padre, Daniel Peterson, conoció a la que sería su madre, Kathleen Olivia John Peterson, en un barco donde era contramaestre, en Montreal; ella trabajaba de cocinera y ama de llaves para una familia inglesa; Oscar se casó con Lillie Fraser en 1944; se divorció y se casó de nuevo con Sandra King en 1966; diez años más tarde se divorció nuevamente y contrajo matrimonio con Charlotte Huber en 1977, de la que también se divorció; volvió a probar un nuevo matrimonio con su última mujer, Kelly, hacia 1991; tuvo varios hijos, Lyn, Sharon, Gay, Oscar Jr. y Norman de su primer matrimonio; Joel del tercer matrimonio y Celine de su cuarta mujer.

Como sus cuatro hermanos, estudió música animado por su padre, un músico aficionado; comenzó a estudiar piano y trompeta desde los cinco años, pero a los siete contrajo tuberculosis y se concentró exclusivamente en el piano. Su padre les animaba y les imponía tareas de piano cada vez que salía de viaje por razones de trabajo; no cabe duda de que a Oscar le llegó gran parte de su sentido de la responsabilidad y la dedicación de su progenitor. Comenzó a practicar continuamente, desde la mañana hasta que su madre tenía que llamarle para que se acostara, con breves interrupciones para comer. Aprendió piano clásico con un profesor húngaro, Paul de Marky, con quien comenzó a dar clases hacia 1939, cuando contaba alrededor de catorce años. Peterson habla del pianista como un profesor de mente abierta que, a diferencia de muchos otros profesores de su época, le contagió el interés por el jazz.

En esa misma época, 1940, ganó su primer premio en un concurso de radio de Montreal, lo que le llevó a aparecer de forma regular en la radio a partir de entonces y durante los primeros años de esa década en la emisora de Montreal CKAC. En 1942 se unió a la orquesta de Johnny Holmes, una de las más populares de Canadá, con la que realizó una gira por Estados Unidos entre 1942 y 1947; formó su primer trío en 1947 con el bajista Ozzies Roberts y el percusionista Clarence Jones y llevó al grupo al Montreal's Alberta Lounge. Allí fue donde conoció a su primer productor y promotor de conciertos, Norman Granz, que tuvo gran importancia en su carrera. En 1944 Granz empezó a montar conciertos de estrellas de jazz en el Philharmonic Hall en Los Ángeles. Estos conciertos, así como los grupos que se mostraban en ellos, empezaron a ser conocidos como Jazz at the Philharmonic (J.A.T.P.). 

La empresa Jazz at the Philharmonic comenzó a traer grupos de todo el país y organizaba giras y grabaciones con ellos. Mientras estaba en Montreal con uno de estos grupos de la J.A.T.P., Granz oyó tocar a Peterson y le invitó a tocar en el Carnegie Hall. La aparición del pianista en el Carnegie Hall en 1949 marcó el comienzo del despegue de su carrera internacional. A principios de los cincuenta realizó una gira por Estados Unidos y Europa con Jazz at the Philharmonic; viajó por 41 ciudades americanas y también fue a Japón, Australia, Hong Kong y las Islas Filipinas. En 1953 se unió en el trío más famoso, con el guitarrista Herb Ellis y el bajista Ray Brown. El grupo, que actuó y grabó discos durante cinco años, era una mezcla perfecta de personalidades musicales, con los artistas perfectamente sintonizados unos con otros, dando el efecto de ser uno solo y actuar como un todo.

Se ha dicho de este trío que es el mejor grupo de piano, bajo y guitarra nunca escuchado. Pero Ellis abandonó el trío en 1958 y fue sustituido por el percusionista Ed Thigpen, que permaneció con ellos hasta 1965; Peterson se instaló en Toronto en 1958 y en 1960 fundó junto a Brown, Thigpen, el trombonista Butch Watanabe y el compositor Phil Nimmons, la Escuela Superior de Música Contemporánea de la ciudad, creada en 1960; además de dar clases de improvisación, Peterson y sus colegas trataban de dar a sus estudiantes un sentido de la tradición. A principios de la década de los sesenta se dedicó a realizar varias giras con sus propios tríos, y a principios de los setenta actuó como solista y realizó otra gira junto a Ella Fitzgerald; a mediados de los setenta actuó con orquestas sinfónicas y dúos con gigantes del jazz como los trompetistas Dizzy Gillespie y Clark Terry, y el guitarrista Joe Pass. 

A partir de 1972 comenzó a aparecer cada vez más frecuentemente en conciertos como solista, y se convirtió en uno de los intérpretes de jazz más aclamados. Peterson también ha trabajado en televisión; produjo las series de televisión Oscar Peterson Presents, en 1974, y Oscar Peterson's Piano Party, en 1978; compuso la banda sonora de la película "The Silent Partner" (Testigo silencioso) en 1978; continuó grabando y componiendo y experimentó con sintetizadores, y entre 1970 y 1980 grabó cinco o seis discos al año; a finales de los ochenta y principios de los noventa, Peterson, exhausto por su repleta agenda de conciertos y giras, se centró más en la composición; también desarrolló una interesante colección de instrumentos electrónicos en su estudio de Mississauga (Ontario), que reunió entre principios de los años ochenta y noventa.

Ha elaborado una colección de material para ayudar a elaborar las bandas sonoras. Fue nombrado rector de la Universidad de York en 1991. Recibió siete premios Grammy, numerosas nominaciones como mejor pianista de jazz de Contemporary Keyboard, Down Beat y Playboy; fue premiado con la Orden de Canadá en 1972 y en 1984; tiene el premio Genie Film a la mejor banda sonora de película, recibido en 1978 por "The Silent Partner" (Testigo silencioso); es miembro de la Orden de las Artes y las Letras, Francia, desde 1989. Desde que irrumpió en el panorama de la música internacional a finales de los años cuarenta, Oscar Peterson se ha convertido en uno de los artistas de mayor éxito en el mundo del jazz

Fue el primer pianista de jazz canadiense que alcanzó fama internacional y es uno de los músicos contemporáneos más condecorados, además de ser doctor honoris causa por diez universidades y tener en su haber docenas de medallas y premios de todo tipo. Una de las características más destacadas de la larga carrera de Peterson ha sido su capacidad de capturar audiencias sin tener que comprometer su integridad artística. A lo largo de su vida se ha dedicado a mantener los niveles de calidad que se impuso de joven, independientemente del gusto popular, por el que no se ha dejado influir jamás. También es conocido por su demanda de respeto y atención por parte de su público mientras actúa, y ha llegado a salir del escenario en ocasiones en que se ha sentido ofendido por los ruidos u otra falta de atención.

Pocos pianistas han sabido combinar tan profundamente la maestría técnica con la tradición poética. Parte de esta tradición es el blues, nunca muy lejano cuando Peterson actúa. Otro de los lazos de unión de Peterson con la tradición es la deuda que tiene con los primeros pianistas de jazz, especialmente Art Tatum. De joven, Peterson escuchaba con frecuencia los discos de Tatum; su primer encuentro tuvo lugar a principios de los cincuenta y fue una terrible experiencia para él, totalmente intimidado por su admirado Tatum; se sentía aterrorizado por el enorme talento del músico. Los dos pianistas se hicieron, sin embargo, amigos, y se puede escuchar todavía la unión de Peterson con su ídolo en su armonía y en su virtuosismo.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Stan Getz and The Oscar peterson Trio 1957
Ben Webster Meets Oscar Peterson 1959
The Trio 1961
Night Train 1963
We Get Requests 1964
My Favorite Instrument 1968
Hello Herbie 1970
Oscar Peterson Quartet con Stephane Grappelli 1973
Oscar Peterson & Dizzi Gillespie 1975
Oscar Peterson & Harry Edison 1975
Live at Salle Pleyel París con Joe Pass 1975
Ella and Oscar 1976
Oscar Peterson in Russia 1976
Oscar Peterson And The Trumpet Kings 1978
Count Basie Meets Oscar Peterson 1983
Louis Armstrong Meets Oscar Peterson 1985
The Trio (OscarPeterson, Joe Pass, Niels Pedersen) 1989
Jazz Masters 16 (1994)
Tenderly 2002

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: mcnbiografias.com/buscabiografias.com
Fotografía: pinterest.com
Carátulas discos: discogs.com/allmusic.com

JOHN COLTRANE

John William Coltrane, apodado "Trane" y conocido artísticamente como John Coltrane, nació el 23 de noviembre de 1926 en Hamlet (Carolina del Norte) y falleció el 17 de julio de 1967 en Huntington (Nueva York) a la edad de 40 años. Músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor y soprano.

Hijo de un sastre aficionado a la música, dió sus primeros pasos con el saxo alto en una banda de niños dirigida por el reverendo Steele. Entre 1945 y 1946 tocó en Hawai, en la orquesta del ejército. Más tarde tocaría en varios grupos de rhythm and blues, acompañando a músicos como Joe Webb, Bis Maybelle, King Kolax y Eddie Vinson. En 1948 tocó, en Filadelfia, con Philly Joe Jones y Howard McGhee; después conoció a los hermanos Heath (Percy, Al y Jimmy), con los que formó la Orquesta del Apollo de Harlem. Sin embargo, el gran paso hacia delante lo dio cuando conoció a Dizzy Gillespie, en 1949, quien le ofreció tocar el saxo tenor en su orquesta. No obstante, ese año perteneció, a su vez, a los grupos de Gay Crosse, Lonnie Slappery, Johny Hodges y Earl Bostic. La fama a Coltrane, de todas maneras, le llegó en 1955, cuando grabó con el quinteto de Miles Davis, junto a Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo) y Philly Joe Jones (batería). Este fue un quinteto histórico, un "tour de force" más del genio de Davis, rodeado siempre de los mejores músicos del momento. 

De esta colaboración puede rescatarse el Lp de Davis Ah- Leu- Cha, grabado el 27 de octubre de 1955. Las piezas más sorprendentes que se valoran del encuentro Miles-Coltrane son Round midnight y Stella by starlight. En el vinilo, además de Miles y Coltrane, estaban Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo) y Philly Jo Jones (batería, viejo conocido de Coltrane). Sin duda, nos hallamos ante la ascensión definitiva del joven Coltrane, que, hacia 1957, grabó su primer disco en solitario, Dakar. El camino del músico de Carolina quedó ya unido al del naciente “hard bop”, lo que le llevó a integrarse en el grupo de otro de los grandes del momento, Thelonius Monk y sus "Five Spots", con los que grabó algún que otro Lp, para, finalmente, entrar a formar parte del nuevo sexteto de Miles Davis, junto a músicos como Bill Evans o Canonballl Adderley. El Lp fruto de esta formación fue Dr. Jekill, otro de los hitos de finales de los cincuenta. De la colaboración del joven Coltrane (tenía treinta años) con Davis habría que apuntar que sirvió como acicate para que el músico de Hamlet pusiera en claro sus ideas musicales. 

No despuntaba todavía, pero fue necesario el contacto con un genio como Davis para que Coltrane accediera a otro nivel de percepción musical. Fue a partir de entonces cuando exploró las sonoridades del saxo (tanto tenor como soprano) y ensanchó el espacio sonoro, rítmico y melódico que el detallado estudio de sus instrumentos le brindaba. Un último disco que grabó Coltrane con Davis antes de abandonar la formación fue una de las obras maestras de todo el siglo XX, Kind of blue, grabado en 1959. También en 1959, lejos ya de Davis, Coltrane grabó un disco con el que superó el “hard bop”, cuyo título era Giant steps, el cual contiene algunas de sus grandes piezas ("Giant Steps", "Mr. P.C." o "Naima"). Precisamente esta última pieza, "Naima", está dedicada a su mujer por entonces, de quien no tuvo hijos y de la cual se separó al final de su vida, tras nueve años de matrimonio, para unirse a la pianista Alice McLeod. En 1960 creó un cuarteto e inició una serie de conciertos que le llevó de gira por Estados Unidos y por Europa, además de actuar en los grandes locales del momento: Jazz Galery, Half Note o Village Gate. 

En este cuarteto tocaron en un principio Steve Khun, Steve Davis y Peter LaRoca, reemplazados al poco tiempo por nombres vinculados, definitivamente, al "sonido Coltrane”: McCoy Tiner (piano), Reggie Workman (contrabajo), Jimmy Garrison (contrabajo) y Elvin Jones(batería). Es la época en la cual John Coltrane grabó con dos de las discográficas más importantes del jazz: Atlántic e Impulse! Sus problemas con las drogas, no obstante, representaron unos de los impedimentos que frenarían la carrera del joven Coltrane; problema que consiguió superar a principios de los sesenta a raíz, precisamente, de su gira por Japón. Además, al margen del saxo tenor (tan propio de su sonido desde sus comienzos), Coltrane pasó a tocar el soprano, instrumento que le consolidó su sonido, acercándose vertiginosamente a la música “free”. En 1961 Coltrane firmó con el sello discográfico Impulse!, al cual ofreció un Lp que pronto se convirtió en obra maestra y acontecimiento musical: Africa Brass, donde Coltrane lleva a cabo una de sus pocas incursiones en la música orquestal. En este disco encontramos algunos importantes nombres como Booker Little, Britt Woodman y Pat Patrick. A raíz de este disco, la fama del músico y su clara vinculación con la música de vanguardia no cejó en su evolución.

Es el año, además, de su unión con otro de los innovadores de estos años, Eric Dolphy, que colaboró con Coltrane en el disco antes citado. Dolphy era íntimo amigo de Coltrane (como también Sonny Rollins), y juntos afrontaron el difícil camino estético elegido dentro de un mismo proyecto. La crítica, no en vano, atacó a estos músicos, cuyo frente común fue ejemplar. De esta época es su álbum Africa Brass, un Lp vinculado a la música orquestal y con jóvenes músicos como Britt Woodman o Pat Patrick, entre otros. No obstante, en esta época comenzó a publicar ciertos álbumes que acercaron a Coltrane a la senda del "free". Sus colaboraciones (al margen de Eric Dolphy) fueron con Rashied Ali, Pharoah Sanders o Alice McLeod (pianista con quien se casará, incluyéndola en la formación de su grupo en su última época). Tanto en 1960, como en 1961, Coltrane se enfrasca en una gira por Europa que le da a conocer. Entre los colaboradores de estos años tenemos a personalidades muy distintas, como Archie Shipp, o Wes Montgomery, los cuales no llegaron a cuajar en sus formaciones. 

A partir de 1962, Coltrane completó lo que iría a ser su gran cuarteto: McCoy Tyner (piano), Elvin Jones (batería) y Jimmy Garrison (contrabajo, que a su vez procedía del cuarteto de Ornette Coleman). Al fin, Coltrane tuvo lo que había buscado: una poderosa maquinaria que revolucionaría el jazz. La potencia percusiva de Elvin, la armonía atonal de McCoy, la base armónica de Garrison (llena de alturas disonantes, a la vez que de un marcado swing), más el liderazgo de Coltrane, sobrevolando el terreno como un ave carroñera que se alimenta de los despojos que encuentra, hacen de este cuarteto una de las joyas bibliográficas más relevantes del jazz del siglo XX. Tampoco debe olvidarse su "rara" colaboración con uno de los genios del jazz, Duke Ellington, de la cual nació un álbum para disfrute general del aficionado a este tipo de música. De 1964 es una de sus obras maestras, A love supreme, una suite que revolucionó la música jazz, grabado con su cuarteto de lujo, Garrison, Tyner y Jones, disco que, por otro lado, se convirtió en 1965 en el álbum más vendido del jazz. 

Los dos últimos años de su vida los empleó Coltrane en realizar agotadoras giras por Japón y Europa, y en grabar discos importantes (Infinity, Cosmic Music o Expression) y alguna obra maestra, como lo fue su Interstellar space (1967). Coltrane había decidido viajar a África; sin embargo, un cáncer de hígado, que ya le perseguía desde hacía un tiempo, acabó con él un 17 de julio de 1967. Parece ser que los excesos de otros tiempos (drogas, alcohol, etc.) al fin pasaron factura al genial saxo, aunque llevara en sus últimos años una vida enfocada hacia la mística y la comida vegetariana. Acababa de cumplir 40 años. John Coltrane murió joven; sin embargo, a los treinta cinco años ya era considerado una de las figuras máximas del "hard-bop". Poco entendido en su época (pensemos en su difícil dúo con Eric Dolphy), el tiempo le ha magnificado y le ha convertido en una de las referencias básicas de este estilo de música. La apertura tonal que este saxofonista consiguió, extendiendo los límites de la armonía jazzística, se debió tanto a su original ingenio como a los músicos que le rodearon en vida. 

Sobre todo, su cuarteto fue determinante para que Coltrane se expresara como quería y dejara su mensaje de manera inequívoca. La improvisación modal, pues, atiende al concepto revolucionario que este músico impulsó desde sus grabaciones, aportando nuevas ideas (fusionándolas e impregnándolas en un delirante concepto rupturista) a los aspectos de melodía, armonía y ritmo. La búsqueda incesante de este músico fue generada por su idea de universo, de infinito, que tanto le tentaba. En un bello poema escrito en el interior de la carpeta de A love supreme, Coltrane decía: “The universe has many wonders” ("el universo posee muchas maravillas"), y esas maravillas las producían las vibraciones de su saxo. La búsqueda del sentido del universo (donde siempre, para Coltrane, se encontraba Dios) debía comenzarse por el propio entendimiento que surgiera entre la máquina que produce el sonido y su cuerpo, que los equilibra. Su búsqueda de un lenguaje propio le llevó por caminos difíciles de valorar. Técnicamente, exploró en las tres octavas del saxo, ejecutando escalas rápidas llenas de armónicos y notas disonantes que creaban una atmósfera típicamente “coltraniana”. Prácticamente podemos afirmar, sin exageraciones, que fue el gran héroe del “estilo free”, sin llegar nunca a instalarse en él. Después de Coltrane, o algo después, el “free” se expandió de manera específica y llegó el turno de otros genios como Ornette Coleman, Archie Shipp o Cecil Taylor. 

Sin embargo, no solamente le tributan cierto homenaje los músicos más cercanos a la atonalidad, sino que cualquier saxofonista moderno debe rendirle tributo de una u otro forma. Coltrane llevó la música hasta justo el límite de su propia desintegración sin llegar a desintegrarla; digamos que accionó la palanca de dicha desintegración sin llegar a pulsarla del todo. Su repentina muerte nos privó de ver qué hubiera hecho Coltrane diez o, tal vez, veinte años después de morir. Nunca lo sabremos. Y quizá sea mejor así. Aún con todo, lo revolucionario del “concepto coltrane” se percibe en la legión de simpatizantes que han continuado su estela. David Sanborn, Gato Barbieri, Jan Garbarek o Michael Brecker son sólo algunos de ellos. La mina “coltrane” es inacabable, aunque de él aún nos queden vestigios en la piel de McCoy Tyner o Elvin Jones. Lo importante es que la estela de Coltrane no se ha terminado todavía. Su huella, absolutamente genial y personal, prevalece en el lenguaje de la mayoría de los nuevos músicos que entran en escena y, sobre todo, en la mayoría de los músicos que tocan un saxofón.

DISCOGRAFÍA BÁSICA,

Con el quinteto de Miles Davis:

1956= Trane’s blues

1956= Round Midnight

1956= It Couls Happen to you

1958= Dr. Jekyll (1958)

1959= Flamenco Sketches (1959)

1959= Kind of blue (1959)

Con Thelonius Monk:
1957= Thelonious Himself

Con Duke Ellington:
1962= The Feeling Of Jazz

Con su propia banda: 1957= Dakar

1958= Russian Lubally

1959= Giant steps

1959= Coltrane Jazz

1960= My Favorite Things

1960= Plays the Blues

1961= Olé

1964= Impressions

1964= A Love Supreme

1964= Transition

1964= First Meditations

1963= Live in Stockholm

1963= Paris-Concert

1964= Crescent

1965= Live in Paris

1965= Ascension

1965= Live in Seatle

1966= Meditations

1966= Cosmic music

1967= Expression

1967= Interstellar space

1996= The heavy-weiht champion


Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: mcnbiografias.com
Fotografía: pinterest.com
Carátulas discos: discogs.com

 

TOOTS THIELEMANS

Jean-Baptiste Frédéric Isidor, conocido artísticamente como Toots Thielemans, nació el 29 de abril de 1922 en Marollen (Bruselas) y falleció a la edad de 94 años en Bruselas el 22 de agosto de 2016. Armonicista, guitarrista y compositor belga de jazz.

Thielemans comenzó su carrera como guitarrista. En 1949 se unió a una jam session en París en la que participaban Sidney Bechet, Charlie Parker, Miles Davis, Max Roach y otros. En 1951 se fue de gira con Bobbejaan Schoepen. Se trasladó en 1952 a los Estados Unidos cuando se convirtió en miembro de los Charlie Parker's All-Stars. Tocó y grabó con músicos de la talla de Ella Fitzgerald, George Shearing,​ Quincy Jones, Bill Evans, Paul Simon, Billy Joel, Astrud Gilberto, Elis Regina, Jaco Pastorius y Stevie Wonder (confeso admirador de la música y la armónica de Thielemans) entre otros. Como compositor, Thielemans fue autor de un estándar del jazz, «Bluesette», en el que usó su silbido y una guitarra al unísono. El tema se convirtió en un éxito mundial en 1962 y su popularidad no ha decrecido con el paso de los años. Como intérprete de armónica, Thielemans puede ser escuchado en bandas sonoras de populares películas como Desayuno con diamantes (1961) (en el solo de «Moon River» al comienzo de la misma), y en los temas principales de Cowboy de medianoche y de La huida (película de 1972), Delicias Turcas, Bagdad Café y en varios programas de televisión como Barrio Sésamo, la serie belga Witsd y la serie holandesa Baantjer. 

También, silbando y a la armónica, puede escucharse en antiguos programas de radio y publicidad televisiva. En 1974 acompañó con su armónica a Mina en la RAI durante la actuación de «Non gioco più» para el programa Milleluci. En 1983 colaboró en el disco de Billy Joel "An Innocent Man" y su armónica se puede escuchar en «Leave a Tender Moment Alone». En la década de 1990, Thielemans se embarcó en proyectos temáticos que incluyeron la aproximación a la música del mundo. En 1998 publicó el disco Chez Toots que incluyó el tema «Les Moulins De Mon Coeur» que contó con la colaboración del cantante Johnny Mathis. Ha recibido un doctorado honorífico por la Vrije Universiteit Brussel y por la Université Libre de Bruxelles (Bélgica) y en 2001 recibió el título de barón del rey Alberto II de Bélgica.En 2005 fue nominado al título de De Grootste Belg (el belga más importante).

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Man Bites Harmonica! 1958

Blues pour flirter 1961

Aquarela do Brasil 1965 (Con Elis Regina)

Toots 1968

The Wonderful Music of Toots Thielemans 1972

Old Friend 1975

Affinity 1978 (Con Bill Evans)

The Best Of Toots Thielemans 1979

Live In The Netherlands 1982

Harmonica Jazz 1984

The Silver Collection 1985

The Soul Of Toots Thielemans 1986

Live 1987

Footprints 1990

The Brasil Project 1992

Jazz Masters 59 (1996)

Chez Toots 1998

The Very Best Of Toots Thielemans 2000

Toots Thielemans & Kenny Werner 2001

One More For The Road 2006

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: wikipedia

Fotografía: youtube.com

Carátulas discos: discogs.com