Laura Ingrid Therese Fijgi, conocida artísticamente como Laura Fygi, nació el 27 de agosto de 1955 en Amsterdam, capital de los Países Bajos. Artista queforma parte de una nueva generación de cantantes que siguen los pasos de estrellas legendarias como Ella Fitzgerald, Peggy Lee y Julie London.
De padre holandés (directivo de la Philips) y de madre egipcia (en sus tiempos bailarina de la danza del vientre). Siendo niña tomó clases de piano, y participó en los musicales escolares y obras de teatro y cantó en los coros. Durante algún tiempo vivió en Uruguay, lo que le sirvió para enamorarse de la música sudamericana y el jazz. Posteriormente regresa a Holanda y comienza su carrera profesional poco a poco formando parte de varios grupos de música pop, algunos con más éxito que otros, para al final decidirse por seguir una carrera en solitario. En 1991, hace su debut como solista de jazz con el álbum Introducing.
El disco se convierte en un éxito inmediato y Laura gana un premio Edison (en Alemania, equivalente al Grammy). El álbum, igualmente, obtiene una buena acogida internacional. Entra en las listas de jazz del Billboard americano y tiene mucho éxito en Japón. En 1992 publica el álbum Bewitched, con pistas del anterior álbum y con alguna nueva como la que da título al disco, y con la idea de confirmar su lanzamiento internacional. Su siguiente lanzamiento, dos años más tarde, el álbum The lady wants to know (1994), tiene un ambiente más brasileño. Pero, Laura Fygi ,una y otra vez, sorprende a sus fans con la elección del repertorio.
En el álbum Turn out the lamplight (1995), Laura se recrea con temas pop modernos de cantantes como Paul Simon, Lionel Richie y Stevie Wonder, mientras que el seguimiento del álbum Watch What Happens (1997) contiene obras del reconocido compositor francés Michel Legrand, que organiza y orquesta las canciones especialmente para ella. Legrand es también un invitado especial en su increíble concierto con la famosa Orquesta Metropole en el "Amsterdam Theater Carré" en 1998. El show es grabado y transmitido en los EE.UU. por la cadena de televisión estadounidense PBS. En Holanda el programa se emite por el TROS y el álbum en vivo se edita bajo el simple título de Live (1998).
El álbum Dream your dream ve la luz en 1999 y en el álbum The latin touch (2000), Laura vuelve a sus raíces latinoamericanas, una vez más, con temas de siempre como "Perfidia", "Quizás, quizás, quizás", "Noche de ronda", "Piel canela", "Solamente una vez" o "Bésame mucho", así hasta completar 17 temas extraordinarios de esa música. En 2001 se publica Change, un álbum personal con canciones pop, de fácil escucha, basado en los recuerdos personales de Laura.
El álbum Live at Ronnie Scott (2003) es un disco excepcional debido a su ambiente íntimo y legendaria ubicación. "Lo bueno de este CD es que tiene esa particular grabación del directo que al escucharlo hace que te sientas como si estuvieras allí en el bar", dice Laura. Al contrario de Asia y Brasil, donde vende una gran cantidad de discos y efectúa giras con regularidad, Laura no es todavía muy conocida en el Reino Unido. Sin embargo, con su actuación, la reacción del público fue muy positiva. Después del espectáculo recibió una lluvia de elogios y peticiones para volver en más ocasiones. "Es muy duro que en el Reino Unido sea como un artista extranjero y no es fácil entrar en el mercado. Pero durante mis shows en Ronnie Scott's, me sentí completamente aceptada. Además, me agradaba llevarlo a cabo en un pequeño club y volver de nuevo a lo básico ", dice Laura.
Y eso es exactamente, porque este CD es una valiosa adición a su impresionante y variado repertorio. Ello, demuestra una vez más que Laura Fygi es una artista completa, que se sintió como en casa en los dos espectáculos producidos de manera espectacular y en un café de jazz humeante de Londres. La discografía de Laura Fygi, hasta el año 2011, queda completada con el lanzamiento de los álbumes posteriores: Christmas album: The very best time of year (2004), Rendez vous (2007) y The best is yet to come (2011).
Julian Edwin Adderley, conocido artísticamente como Cannonball Adderley, nació el 15 Septiembre 1928 en Tampa (Florida) y falleció a la edad de 46 años, víctima de un infarto, el 8 Agosto 1975 en Gay (Indiana). Saxofonista estadounidense de jazz.
Uno de los saxofonistas más importantes de las décadas de 1950, 1960 y 1970 y considerado como uno de los exponentes más sofisticados del saxo alto de la historia del jazz. Sus comienzos en la escena grande del jazz fueron con el grupo del bajista Oscar Pettiford, quien lo contrató en 1955 para unos conciertos en el Café Bohemia de Nueva York y fue tan grande el éxito que tuvo el trabajo de Adderley que enseguida fue reclutado por el sello discográfico Savoy. En 1957 se unió al quinteto del trompetista Miles Davis y formó parte de unos de los momentos cumbres de la historia de la música contemporánea cuando entre el 2 y 3 de abril de 1958 grabó Milestones junto al líder de la banda Davis, Paul Chambers en bajos, John Coltrane en saxo tenor, al pianista Red Garland y el baterista Philly Joe Jones. Un año más tarde formó parte de uno de los discos más importantes de la historia del jazz, Kind of blue, con Davis, Chambers, Coltrane, además de la incorporación de James y Jimmy Cobbs en la percusión y Wynton Kelly en el piano.
Desde esos años Cannonball Adderley se ganó un lugar dentro de la escena jazzística mundial y comenzó a liderar sus propias bandas y a marcar un estilo dentro de la historia del jazz. Fue uno de los exponentes más altos del hard-bop y el impulsor del soul-jazz con su disco más conocido Mercy, Mercy, Mercy!. Entre 1959 y 1963 formó parte del sello Riverside y formó un quinteto junto a su hermano el cornetista Nat Adderley e introduzco al mundo de la música a grandes valores que se destacaron posteriormente como el pianista austríaco Joe Zawinul, el guitarrista Wes Montgomery o el destacado pianista neoyorkino Bud Powell. En 1958 grabó el disco que dejará su nombre de líder de jazz en la historia: Somethin´Else, un disco con un quinteto de lujo que incluyó a Davis en la trompeta, Hank Jones en el piano, Sam Jones en el bajo y a Art Blakey en la percusión. El disco recorre caminos bluseros en sintonía de jazz, con un saxo alto que juega durante todo el disco a ser el protagonista indiscutible.
También se destacó por ser un músico de una gran presencia en el escenario, cada tema era explicado de manera didáctica para que los espectadores pudieran interpretar los sentimientos que Adderley expresaba con su saxo. Su apodo "Cannonball" es una deformación de la voz sajona Cannibal (Caníbal) por su voraz apetito en su niñez y juventud.
DISCOGRAFÍA seleccionada, ÁLBUMES: And Strings 1955
Julian Cannonball Adderley 1956 Jump For Joy 1958 Things Are Getting Better 1958
Quintet in Chicago 1959
Know What I Mean 1961
A Child's Introduction To Jazz 1962
Cannonball's Bossa Nova 1962
Domination 1965
Mercy, Mercy, Mercy! ' 1966 In Person 1970 Phenix 1975 Cannonball And Eight Giants 1980 The Sextet 1982 Jazz Masters 31 (1994)
Anita Bridgeforth, en el mundo artístico conocida como AnitaBaker, nació el 26 de enero de 1958 en Toledo (Ohio). Cantante estadounidense de r&b y soul pop.
Criada en Detroit, Anita Baker se impuso, a lo largo de los ochenta, como una de las cantantes más significativas del panorama americano. Digna continuadora de la escuela que habían liderado personajes como Billie Holiday, Mahalia Jackson y Aretha Franklin. Anita ha tenido que trabajar mucho antes de conseguir afirmar sus excelentes cualidades vocales. Creció entre los discos de su madre (gran apasionada del jazz, del blues y del soul), cantó en el coro de la iglesia y, en un determinado momento, sintió el deseo de conquistar una cierta autonomía económica. Así, abandonó sus veleidades artísticas, comenzando a trabajar como camarera en un restaurante de Detroit. En 1980, gracias al interés de Ariola, Anita Baker hizo su debut como cantante en Chapter 8, una banda de black music con base de operaciones en Detroit. El primer álbum de esta formación, titulado simplemente Chapter 8 (1980), contiene temas que van del funk al rhythm and blues, todos de buen nivel de calidad. A pesar de ello, a excepción del single 'I just wanna be your girl', el álbum no obtuvo un gran éxito, lo que diluyó, en gran medida, las expectativas de Anita.
Sin embargo, la joven y tenaz cantante no tiró la toalla y, en 1983, realizó para Beverly Glen un nuevo disco. El álbum se titula The songstress, y es, de hecho, el primer trabajo en solitario de Anita Baker. Pero tampoco esta vez, a pesar de óptimas composiciones soul como 'No more tears' o 'Angel', el "alma negra" de Anita conseguiría captar la atención del gran público. Por este motivo, poco después de la publicación del álbum, la cantante comenzó a actuar cada vez más a menudo. Este comportamiento obtuvo sus frutos: el interés general creció a ojos vista, hasta que finalmente se le abrieron las puertas de una prestigiosa compañía discográfica: Elektra.
En 1986, y con la producción de Michael Powell, Anita grabó Rapture, álbum en el que se incluyen ocho canciones que consiguieron poner a la vista de todos su notable capacidad vocal y su admirable versatilidad. La cantante pasa con gran desenvoltura del jazz al blues o del pop al soul, llegando a niveles altísimos en canciones como 'Mystery' (versión del tema de Rod Temperton, interpretado también por Manhattan Transfer), 'Be so long' y Sweet love. En Rapture, Anita revela ser una impecable arreglista, autora y pianista. Rapture superó los cuatro millones de copias vendidas e hizo que Anita ganase dos premios Grammy, uno como mejor vocalista de 1986, y otro, por Sweet love, como la mejor cantante de rhythm and blues.
Tras este explosivo éxito, tan inesperado como merecido, Anita continuó realizando actuaciones (uno de sus conciertos más emotivos fue el del Constitution Hall de Washington, en 1987, documentado en el vídeo 'One night of rapture'); asimismo, colaboró en la realización de 'Ain't no need to worry' (1987), del grupo Winans. Dos años después de Rapture, salió Giving you the best that i got, un álbum que alcanzó en el acto las zonas altas de las listas de todo el mundo, gracias, en parte, al single homónimo, cálida y elegante balada soul llena de fascinación y melodía. Ayudada por músicos ilustres como el pianista George Duke, Anita se reafirmaba como intérprete de gran clase y una de las cantantes más representativas de la black music de fines de los ochenta.
Oscar Peterson, nació el 15 de agosto de 1925 en Montreal (Canadá) y falleció el 23 de diciembre de 2007 a los 82 años de una insuficiencia renal en Mississauga (Ontario). Músico canadiense, pianista de jazz de brillante técnica y especial habilidad para interpretar música swing. También compositor.
Sus padres eran inmigrantes de las indias británicas occidentales
y las islas vírgenes. Su padre, Daniel Peterson, conoció a la que sería su
madre, Kathleen Olivia John Peterson, en un barco donde era contramaestre, en
Montreal; ella trabajaba de cocinera y ama de llaves para una familia inglesa;
Oscar se casó con Lillie Fraser en 1944; se divorció y se casó de nuevo con
Sandra King en 1966; diez años más tarde se divorció nuevamente y contrajo
matrimonio con Charlotte Huber en 1977, de la que también se divorció; volvió a
probar un nuevo matrimonio con su última mujer, Kelly, hacia 1991; tuvo
varios hijos, Lyn, Sharon, Gay, Oscar Jr. y Norman de su primer matrimonio;
Joel del tercer matrimonio y Celine de su cuarta mujer.
Como sus cuatro hermanos, estudió música animado por su
padre, un músico aficionado; comenzó a estudiar piano y trompeta desde los
cinco años, pero a los siete contrajo tuberculosis y se concentró
exclusivamente en el piano. Su padre les animaba y les imponía tareas de piano
cada vez que salía de viaje por razones de trabajo; no cabe duda de que a Oscar
le llegó gran parte de su sentido de la responsabilidad y la dedicación de su
progenitor. Comenzó a practicar continuamente, desde la mañana hasta que su
madre tenía que llamarle para que se acostara, con breves interrupciones para
comer. Aprendió piano clásico con un profesor húngaro, Paul de Marky, con quien
comenzó a dar clases hacia 1939, cuando contaba alrededor de catorce años.
Peterson habla del pianista como un profesor de mente abierta que, a diferencia
de muchos otros profesores de su época, le contagió el interés por el jazz.
En
esa misma época, 1940, ganó su primer premio en un concurso de radio de
Montreal, lo que le llevó a aparecer de forma regular en la radio a partir de
entonces y durante los primeros años de esa década en la emisora de Montreal
CKAC. En 1942 se unió a la orquesta de Johnny Holmes, una de las más populares
de Canadá, con la que realizó una gira por Estados Unidos entre 1942 y 1947;
formó su primer trío en 1947 con el bajista Ozzies Roberts y el percusionista Clarence
Jones y llevó al grupo al Montreal's Alberta Lounge. Allí fue donde conoció a
su primer productor y promotor de conciertos, Norman Granz, que tuvo gran
importancia en su carrera. En 1944 Granz empezó a montar conciertos de
estrellas de jazz en el Philharmonic Hall en Los Ángeles. Estos conciertos, así
como los grupos que se mostraban en ellos, empezaron a ser conocidos como Jazz
at the Philharmonic (J.A.T.P.).
La empresa Jazz at the Philharmonic comenzó a
traer grupos de todo el país y organizaba giras y grabaciones con ellos.
Mientras estaba en Montreal con uno de estos grupos de la J.A.T.P., Granz oyó
tocar a Peterson y le invitó a tocar en el Carnegie Hall. La aparición del
pianista en el Carnegie Hall en 1949 marcó el comienzo del despegue de su carrera
internacional. A principios de los cincuenta realizó una gira por Estados
Unidos y Europa con Jazz at the Philharmonic; viajó por 41 ciudades americanas
y también fue a Japón, Australia, Hong Kong y las Islas Filipinas. En 1953 se
unió en el trío más famoso, con el guitarrista Herb Ellis y el bajista Ray
Brown. El grupo, que actuó y grabó discos durante cinco años, era una mezcla
perfecta de personalidades musicales, con los artistas perfectamente
sintonizados unos con otros, dando el efecto de ser uno solo y actuar como un
todo.
Se ha dicho de este trío que es el mejor grupo de piano, bajo y guitarra
nunca escuchado. Pero Ellis abandonó el trío en 1958 y fue sustituido por el
percusionista Ed Thigpen, que permaneció con ellos hasta 1965; Peterson se instaló
en Toronto en 1958 y en 1960 fundó junto a Brown, Thigpen, el trombonista Butch
Watanabe y el compositor Phil Nimmons, la Escuela Superior de Música
Contemporánea de la ciudad, creada en 1960; además de dar clases de
improvisación, Peterson y sus colegas trataban de dar a sus estudiantes un
sentido de la tradición. A principios de la década de los sesenta se dedicó a
realizar varias giras con sus propios tríos, y a principios de los setenta
actuó como solista y realizó otra gira junto a Ella Fitzgerald; a mediados de
los setenta actuó con orquestas sinfónicas y dúos con gigantes del jazz como
los trompetistas Dizzy Gillespie y Clark Terry, y el guitarrista Joe Pass.
A
partir de 1972 comenzó a aparecer cada vez más frecuentemente en conciertos
como solista, y se convirtió en uno de los intérpretes de jazz más aclamados. Peterson también ha trabajado en televisión; produjo las
series de televisión Oscar Peterson Presents, en 1974, y Oscar Peterson's Piano
Party, en 1978; compuso la banda sonora de la película "The Silent Partner" (Testigo silencioso) en
1978; continuó grabando y componiendo y experimentó con sintetizadores, y entre
1970 y 1980 grabó cinco o seis discos al año; a finales de los ochenta y
principios de los noventa, Peterson, exhausto por su repleta agenda de conciertos
y giras, se centró más en la composición; también desarrolló una interesante
colección de instrumentos electrónicos en su estudio de Mississauga (Ontario),
que reunió entre principios de los años ochenta y noventa.
Ha elaborado una
colección de material para ayudar a elaborar las bandas sonoras. Fue nombrado
rector de la Universidad de York en 1991. Recibió siete premios Grammy, numerosas nominaciones como
mejor pianista de jazz de Contemporary Keyboard, Down Beat y Playboy; fue
premiado con la Orden de Canadá en 1972 y en 1984; tiene el premio Genie Film a
la mejor banda sonora de película, recibido en 1978 por "The Silent Partner" (Testigo silencioso); es
miembro de la Orden de las Artes y las Letras, Francia, desde 1989. Desde que irrumpió en el panorama de la música internacional
a finales de los años cuarenta, Oscar Peterson se ha convertido en uno de los
artistas de mayor éxito en el mundo del jazz
Fue el primer pianista de jazz
canadiense que alcanzó fama internacional y es uno de los músicos
contemporáneos más condecorados, además de ser doctor honoris causa por diez
universidades y tener en su haber docenas de medallas y premios de todo tipo. Una de las características más destacadas de la larga
carrera de Peterson ha sido su capacidad de capturar audiencias sin tener que
comprometer su integridad artística. A lo largo de su vida se ha dedicado a
mantener los niveles de calidad que se impuso de joven, independientemente del
gusto popular, por el que no se ha dejado influir jamás. También es conocido
por su demanda de respeto y atención por parte de su público mientras actúa, y
ha llegado a salir del escenario en ocasiones en que se ha sentido ofendido por
los ruidos u otra falta de atención.
Pocos pianistas han sabido combinar tan profundamente la
maestría técnica con la tradición poética. Parte de esta tradición es el blues,
nunca muy lejano cuando Peterson actúa. Otro de los lazos de unión de Peterson
con la tradición es la deuda que tiene con los primeros pianistas de jazz,
especialmente Art Tatum. De joven, Peterson escuchaba con frecuencia los discos
de Tatum; su primer encuentro tuvo lugar a principios de los cincuenta y fue
una terrible experiencia para él, totalmente intimidado por su admirado Tatum;
se sentía aterrorizado por el enorme talento del músico. Los dos pianistas se
hicieron, sin embargo, amigos, y se puede escuchar todavía la unión de Peterson
con su ídolo en su armonía y en su virtuosismo.
DISCOGRAFÍA seleccionada, ÁLBUMES: Stan Getz and The Oscar peterson Trio 1957 Ben Webster Meets Oscar Peterson 1959 The Trio 1961 Night Train 1963 We Get Requests 1964 My Favorite Instrument 1968 Hello Herbie 1970 Oscar Peterson Quartet con Stephane Grappelli 1973 Oscar Peterson & Dizzi Gillespie 1975 Oscar Peterson & Harry Edison 1975 Live at Salle Pleyel París con Joe Pass 1975 Ella and Oscar 1976 Oscar Peterson in Russia 1976 Oscar Peterson And The Trumpet Kings 1978 Count Basie Meets Oscar Peterson 1983 Louis Armstrong Meets Oscar Peterson 1985 The Trio (OscarPeterson, Joe Pass, Niels Pedersen) 1989 Jazz Masters 16 (1994) Tenderly 2002 Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:
El álbum Dream your dream ve la luz en 1999 y en el álbum The latin touch (2000), Laura vuelve a sus raíces latinoamericanas, una vez más, con temas de siempre como "Perfidia", "Quizás, quizás, quizás", "Noche de ronda", "Piel canela", "Solamente una vez" o "Bésame mucho", así hasta completar 17 temas extraordinarios de esa música. En 2001 se publica Change, un álbum personal con canciones pop, de fácil escucha, basado en los recuerdos personales de Laura. 
