BUD POWELL

Earl Rudolph Powell, conocido artísticamente como Bud Powell, nació el 27 de septiembre de 1924 en Harlem (Nueva York) y murió de tuberculosis, el 31 de julio de 1966, en el Kings Counties  Hospital Center de Nueva York, a la edad de 41 años. Pianista de jazz estadounidense considerado el creador del estilo pianístico de jazz moderno, que también desarrolló el género bop.

Hijo de un pianista, se casó con Audrey Hill en 1953; tras divorciarse, volvió a casarse con Altevia Edwards (Buttercup), hacia 1955, pero este matrimonio también se disolvió posteriormente; tuvo un hijo con cada una de sus esposas, Celia, de su primer matrimonio, y John, del segundo. Powell comenzó sus estudios de música clásica en la niñez; demostró tener talento como pianista y dejó el colegio a los quince años para dedicarse profesionalmente a sus propios avances en piano. Su primera aparición en el escenario se produjo cuando aún era un adolescente, en Harlem, en 1939; actuó con Thelonious Monk en la sala de música de Harlem's Minton a principios de los años cuarenta. Después realizó una gira por Estados Unidos y grabó con la orquesta de Cootie Williams entre los años 1942 y 1944; en 1946 grabó con Dexter Gordon y participó en dos de los cortes, Cheryl y Buzzy, de las sesiones con Charlie Parker en el Savoy. Tres años después, Powell fue invitado por la joven discográfica Blue Note para liderar un grupo, Bud Powell and His Modernists, y producir discos para dicha firma. Con el percusionista Max Roach y el bajista Curley Russell, Powell grabó un disco de cinco volúmenes, Amazing Bud Powell. También grabó discos con Dexter Gordon y Charlie Parker a mediados de los años cuarenta; aparecía de forma regular en Birdland, en Nueva York; actuó con Sonny Stitt, Max Roach, Charlie Parker, Charles Mingus, Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Fats Navarro y J.J. Johnson en diversos clubes y salas de concierto en Nueva York y Toronto (Canadá); en la década de los cuarenta y los cincuenta realizó una gira; también actuó y grabó discos con Pierre Michelot, Kenny Clarke y Niels-Henning Orsted-Pedersen en París (Francia), en la época de 1959 hasta 1964. 

Si bien Powell se hizo un nombre en la comunidad del jazz durante la década de los cuarenta, también fue en estos años cuando sufrió un grave incidente en Filadelfia. James T. Jones IV, del periódico USA Today describió el incidente: "En 1945, un Powell de 21 años recibió una paliza de un policía al tratar de ayudar a su colega y mentor, Monk, que estaba siendo zarandeado por la policía". La mayor parte del año 1945 la pasó en un hospital recuperándose de sus graves secuelas. A partir de entonces, el músico empezó a sufrir continuos y terribles dolores de cabeza, ataques y, en general, un comportamiento errático que le condujo a un hospital psiquiátrico, de donde entraba y salía constantemente y donde, según aseguraba al Time y al New York Newsday, padeció una terapia de tratamiento de choque; incluso, según sus propias palabras, una vez le rociaron con agua mezclada con amoníaco. A esto se sumó su problema con la bebida, junto al hecho de que cada vez comía menos. A pesar de esta grave crisis, Powell se convirtió en líder y pianista de una banda de jazz en la siguiente década y hasta la Segunda Guerra Mundial. Su trío, The Modernists, anticipaba en sus sesiones de 1949 el estilo hard bop que surgiría a finales de los cincuenta. Los discos Bud's Bubble (también conocido como Crazeology) e Indiana, surgidos de estas sesiones, muestran la combinación de Powell de las melodías con la mano derecha y una armonía impredecible en la mano izquierda. Un Poco Loco, Night in Tunisia y Parisian Thoroughfare también tuvieron brillo propio. 

Entretanto, Powell, junto con otros modernos músicos de jazz, iba recibiendo una respuesta contradictoria de las audiencias americanas. Muchos artistas jóvenes, blancos, intelectuales y bohemios defendían el bebop; de hecho, lo adoptaron como nombre para su generación Beat en la década de los cincuenta. Por otra parte, muchos jóvenes negros despreciaron la revolución del jazz moderno de los años cuarenta y se volvieron hacia otras formas, como el rock y el doo-wop. Como reacción paralela contra los músicos de bebop, estas audiencias potenciales se rebelaron contra la joven generación de músicos de jazz como Louis Armstrong y Fats Waller, que pensaban que representaban el viejo estilo cómico y acaramelado, pasado de moda. Los oyentes negros recuperarían su género hacia la década de los cincuenta, cuando los músicos de jazz se centraron más conscientemente en la música afroamericana, con sonidos de blues, hot o hard.  Pese a que el pianista Bud Powell falleció en 1966, a la temprana edad de 41 años, consiguió, sin embargo, cambiar la faz de la música de jazz. Fue uno de los pocos músicos, entre los que se encuentran, entre otros, el saxofonista Charlie "Bird" Parker, el trompetista Dizzy Gillespie y su compañero el pianista Thelonious Monk, que revolucionó el jazz durante la década de los cuarenta inventando el bebop, un sonido moderno que rompió los moldes del swing y estableció que los músicos dejaban de ser simples entretenimientos para pasar a convertirse en auténticos artistas. 

Para conmemorar los logros de Powell y el septuagésimo aniversario de su nacimiento, en 1994 las casas discográficas Blue Note y Verve editaron una colección de discos compactos que reunían una colección de sus mejores trabajos: Bud Powell: The Complete Blue Note and Roost Recordings y The Complete Bud Powell on Verve. Luchó para crear su música en medio de una batalla personal con sus propios problemas. Sin embargo, Powell, cuya turbulenta vida fue utilizada más tarde, junto a la del saxofonista Lester Young, para crear un personaje, Dale Turner, en la película Round Midnight (Alrededor de la medianoche, 1986), lideró sus propias bandas, tocó durante cinco años en el exilio en París y fue el pionero de un nuevo estilo. Uno de sus sucesores, el pianista Herbie Hancock, fue consciente de la gran importancia de Powell en el Down Beat. Powell era uno de los descendientes del ragtime al piano, estilo que evolucionó desde el clarinete de Creole hasta hallar su propio lugar en gran número de escuelas y academias del país, incluyendo la escuela de Nueva Orleans, representada por el legendario Jelly Roll Morton, el Pittsburgh circle, con Mary Lou Williams y el modernista Erroll Garner; y el grupo Eastern, o Harlem, con James P. Johnson y Fats Waller del que surgirían los modernistas Powell y Monk. El grupo los Modernistas de Powell trajo innumerables músicos invitados para tocar en sus 1.949 sesiones, como el trompetista Fats Navarro, el saxofonista Sonny Rollins, el bajista Tommy Potter y el percusionista Roy Haynes, que se reunieron para tocar Bud and Dance of the Infidels. 

Un hito en su carrera fue el concierto en Massey Hall en Toronto, Ontario, donde tocó con Max Roach, Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Charles Mingus, y que se grabaría como The Greatest Jazz Concert Ever (El mejor concierto de jazz de todos los tiempos). A finales de la década de 1950, Powell comenzó a mantener una constante actitud hostil hacia sus compañeros y sus relaciones se deterioraron. Tras una breve hospitalización sufrida en 1959, se trasladó a París para recibir una gloriosa recepción de la comunidad europea de jazz. Estuvo tocando durante tres años con el batería americano Kenny Clarke y el bajista Pierre Michelot, pero de nuevo se vino abajo. Su segunda esposa, Altevia Edwards, Buttercup, y sus amigos de París, en especial el joven artista gráfico Francis Paudras, lo cuidaron, pero sus problemas de salud empeoraron y Powell contrajo una tuberculosis en 1963; este matrimonio se rompió y su salud requirió tratamiento en un hospital psiquiátrico. En Nueva York, muchos líderes de otras bandas de bop actuaron en un concierto homenaje, en Birdland, para ayudar a sufragar sus gastos médicos. Regresó en 1964. Durante sus actuaciones de los siguientes años, Powell todavía alcanzó un alto nivel como artista, aunque sus cambios de humor y su forma física se reflejaron en sus discos. Murió el 31 de julio de 1966. 

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES: 

Piano Solos 1951

The Amazing 1951
Jazz At Massey Hall vol.2 (1953)
The Amazing vol. 2 (1954)
Bud Powell's Moods 1954
The Amazing vol. 1 (1956)
Jazz Giant 1956
Piano Interpretations by Bud Powell 1956

The Amazing vol. 3- Bud! (1957)
Strictly Powell 1957

The Amazing vol. 4- Time Waits (1958)
Bud 1958 (Con Max Roach)
Blues in the Closet 1958
The Lonely One 1959
The Scene Changes 1959
Bouncing with Bud 1962 
Bud Powell in Paris 1963
The Vintage Years 1965
A Portrait of Thelonious 1965
The Greatest Jazz Concert Ever 1973
The Genius of... 1976
Salt Peanuts 1984
The best of... 1989
The best of Bud Powell on Verve 1994
The Complete Bud Powell on Verve 1994
The Complete Blue Note and Roost Recordings 1994 
Bud Plays Bird 1996

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

                                                                                                                                                                          

Fuente: mcnbiografias.com

Fotografía: wrti.org

Carátulas discos: discogs

CHICO HAMILTON

Foreststorn (sic) "Chico" Hamilton, conocido artísticamente como Chico Hamilton, nació el 20 de septiembre de 1921 en Los Ángeles (California) y falleció el 25 de noviembre de 2013, a la edad de 92 años, en Manhattan (Nueva York). Batería estadounidense de jazz.

A lo largo de 70 años, Chico Hamilton hizo de todo: tocó con los más grandes músicos de jazz de la historia —Count Basie, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Duke Ellington o Lionel Hampton— y lideró sus propios conjuntos; escribió música para cine y televisión; enseñó los secretos del jazz en la New School University… su discografía como líder supera los 60 álbumes. En buena medida, el legado de Chico Hamilton se define por quienes tocaron en sus conjuntos. Fue un consumado catalizador de talentos de la más diversa especie, un coleccionista de personajes difícilmente clasificables; el primero de ellos, el cellista Fred Katz. Con él, y con Jim Hall, a la guitarra; Buddy Collette, a los vientos; y Carson Smith, al contrabajo, creó su primer grupo sin piano de éxito, que permaneció varios meses en el Stroller’s Club de Long Beach, no obstante la heterodoxia sutil de su propuesta musical o, precisamente, por ello mismo. Hamilton fue asociado al naciente Jazz West Coast de Gerry Mulligan y Chet Baker. Algo en lo que nunca estuvo de acuerdo: “El Jazz West Coast fue apenas una treta publicitaria. Ahora ya no me ofende que se me asocie al asunto. Lo que importa es lo que yo siento, y yo siento que toco con el mismo swing y la misma energía en Nueva York que en California”.

Años más tarde, Hamilton presentaría en sociedad a Eric Dolphy quien, a poco, estaría reclamando un lugar bajo el sol de Charles Mingus: “Eric era un genio”, recordaba el baterista, “y un ser humano bondadoso”. La lista de quienes siguieron los pasos de los mencionados en el conjunto de Chico Hamilton es virtualmente interminable: de Paul Horn, en sus comienzos como músico de jazz, a Charles Lloyd, Charlie Mariano, Larry Coryell, Arthur Blythe, Steve Potts, Steve Turre (tocando el contrabajo eléctrico), y hasta Lowell George y Paul Barrere, cantante y guitarrista, respectivamente, del grupo de rock Little Feat… con ellos, Hamilton viajó de un jazz no químicamente puro al territorio aún más ambiguo de las “nuevas músicas”, y vuelta a empezar: “el jazz es y será siempre mi amor”, declaró en su momento, por si las moscas. En 1965 se instaló en Nueva York, donde desplegaría todo su potencial como intérprete, productor y enseñante. Su obsesión por mantener el control de su obra le llevó a fundar su propia compañía de producción.

En 1989 retomó su carrera como líder con Euphoria, proyecto cambiante que absorbió todas sus energías hasta el momento de su fallecimiento y le permitió desarrollar su faceta menos divulgada de compositor. De su amplia filmografía, destaca Sweet smell of success —aquí Chantaje en Broadway—, dirigida por Alexander McKendrick en 1957. Concebida como una secuela de la exitosa "El hombre del brazo de oro", el quinteto de Hamilton interpreta su extraordinaria banda sonora; se dice que los dueños del estudio, alertados por la mala reputación de los músicos de jazz, contrataron a un equipo de detectives que siguieron al baterista y su conjunto durante 6 meses: “Querían asegurarse de que estábamos limpios. Nos estuvieron espiando a lo largo del país, porque ocurrió que durante todo ese tiempo estuvimos de gira. Al final se decidieron: ‘estos chicos están limpios. Adelante”. Chico Hamilton permaneció en activo hasta la fecha de su fallecimiento.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

Chico Hamilton Quintet featuring Buddy Collette 1955

Chico Hamilton in Hi-Fi 1956

Chico Hamilton Quintet 1957

Sweet "Smell of Success" (Chantaje en Broadway) 1957

Gongs East! 1958

The Three Faces of Chico 1959 

Chico Hamilton Quintet 1959 (con Eric Dolphy)

The Chico Hamilton Special 1960

The Chico Hamilton with Strings Attached 1960

Drumfusion 1962

Passin' Thru 1962

The Dealer 1966

The Best Of Chico Hamilton 1969

His Great Hits 1971

Peregrinations 1975

Nomad 1980

Thought of... 2002

Heritage 2006

The Inquired Mind 2013

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: elpais.com

Fotografía: drummerworld.com/

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BLOSSOM DEARIE

Margrete Blossom Dearie, conocida artísticamente como Blossom Dearie, nació el 28 de abril de 1924 en East Durham (Nueva York) y falleció a los 84 años de edad el 7 de febrero de 2009 en Greenwich Village (Nueva York). Cantante y pianista de jazz estadounidense de voz reconocible que actuó regularmente en Londres y Nueva York durante muchos años. Colaboró ​​con muchos músicos, incluyendo a Johnny Mercer, Miles Davis,Jack Segal, Johnny Mandel, Duncan Lamont o Dave Frishberg.

Su padre era de ascendencia irlandesa escocesa y madre de descendencia noruega. Según los informes, recibió el inusual nombre Blossom por "una vecina que entregó flores de melocotón a su casa el día de su nacimiento", aunque una vez recordó que fueron sus hermanos quienes llevaron las flores a la casa. Después de la escuela secundaria, Dearie se mudó a la ciudad de Nueva York para seguir una carrera musical. Al abandonar su primer nombre, comenzó a cantar en grupos como Blue Flames (con la Orquesta Woody Herman) y Blue Reys (con la banda de Alvino Reys) antes de comenzar su carrera en solitario. Dearie se mudó a París en 1952. Formó un grupo vocal, "Blue Stars" (1952-1955), que incluía a la hermana de Michel Legrand, Christiane, y Bob Dorough . En 1954 el grupo tuvo un éxito en Francia con una versión en francés de "Lullaby of Birdland", organizada por Michel Legrand. "Blue Stars" evolucionarían más tarde en "The Swingle Singers".  En su primer álbum en solitario, lanzado dos años más tarde, tocaba el piano pero no cantaba. En 1954, Dearie y King Pleasure grabaron "Moody's Mood for Love" (una adaptación vocal de Eddie Jefferson del saxo James Moody para "I'm in the Mood for Love"). Una de las grabaciones de canciones más famosas de Dearie de ese período es " The Riviera ", con música de Cy Coleman y letra de Joseph McCarthy , en 1956. 

Luego de regresar de Francia en 1957, Dearie hizo sus primeros seis álbumes como solista y pianista para Verve Records a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960, principalmente en un pequeño escenario de trío o cuarteto. Dave Garroway, presentador de "The Today Show" y fanático temprano de Dearie, la presentó en varias ocasiones, aumentando su exposición con la audiencia popular. En 1962, grabó un comercial de radio para "Hires Root Beer". Como demostró ser muy popular, el LP Sings Rootin' Songs fue lanzado como un artículo premium que se podía pedir por un dólar y una prueba de compra. En 1964, grabó el álbum May I Come In? (Capitol/EMI). Fue grabado (atípicamente para ella) con una orquesta. Durante este mismo período, actuó con frecuencia en los clubes nocturnos de Nueva York y en 1966 hizo su primera aparición en el club de Ronnie Scott en Londres. Ella grabó cuatro álbumes en el Reino Unido durante la década de 1960 que fueron lanzados en el sello Fontana, incluida una grabación de su actuación de 1966 en Ronnie Scott's.

Después de un período de inactividad, Dearie grabó el álbum That's Just the Way I Want to Be (que contiene la canción de culto "Dusty Springfield", una oda a la estrella pop británica, coescrita por Dearie con Norma Tanega), que se lanzó en 1970. En 1974, Dearie estableció su propio sello, "Daffodil Records", que le permitió tener el control total de la grabación y distribución de sus álbumes. Dearie apareció en la televisión a lo largo de su carrera, sobre todo dándole su voz a la serie educativa para niños "Schoolhouse Rock". Algunas de sus piezas en esta serie fueron escritas por su buen amigo el cantante y compositor Bob Dorough, con el que actuó en París en la década de 1950. Su voz se puede escuchar en "Necesidad de la madre", "Figura ocho" y "Desempaquetar sus adjetivos". El compositor Johnny Mercer, con quien Dearie colaboró ​​para su canción de 1975 "I'm Shadowing You", le regaló una de sus composiciones finales para la canción principal de su álbum "Daffodil" de 1976 My New Celebrity is You. Según Dearie, ella y Mercer eran amigos cercanos. En 1983, Dearie recibió el primer Premio de la Fundación Mabel Mercer.

La voz y las canciones de Dearie han aparecido en las bandas sonoras de varias películas, incluyendo "Besando a Jessica Stein", "Mi vida sin mi", "Una historia de Brooklyn", "The Adventures of Felix" y "The Artist" . También grabó canciones con otros cantantes, incluido Lyle Lovett. Continuó actuando en clubes hasta 2006. Entre sus canciones más solicitadas estaban "Peel Me a Grape", "I'm Hip" y "Quality Time" de Dave Frishberg. Apareció regularmente en la televisión británica con Peter Cook y Dudley Moore, varias veces como invitado de Jack Paar en su programa "Tonight" y también apareció en "The Danny Kaye Show", "The David Frost Show" y "The Merv Griffin Show". Mientras vivía en París a principios de la década de 1950, Dearie conoció y se casó con Bobby Jaspar, un flautista y saxofonista belga. El 7 de febrero de 2009, después de una larga enfermedad y problemas de salud, Dearie murió mientras dormía por causas naturales en su apartamento en Sheridan Square en Greenwich Village, Nueva York, según su representante y gerente Donald Schaffer. Le sobrevivió su hermano mayor Barney, así como un sobrino y una sobrina. Fue incinerada y sus cenizas fueron enterradas en Falls Church (Virginia).

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Blossom Dearie (1957)

Give Him the Ooh-La-La (1957)

Once Upon a Summertime (1958)
Sings Comden and Green (1959)

Sings Broadway Hit Songs (1960)
My Gentleman Friend (1961)
May I Come In? (1964)
Blossom Time at Ronnie Scott's (1966) (live)
That's Just the Way I Want to Be (1970)
My New Celebrity is You (1976)
Jazz Masters 51 (1996)
Les Blue Stars The Pianist (2002)
Diva (2003)

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente; wikipedia

Fotografía: elpais.com

Carátulas discos: discogs.com