domingo, 30 de mayo de 2021

MAX ROACH


Maxwell Lemuel Roach, conocido artísticamente como Max Roach, nació el 10 de enero de 1924 en New Land, Condado de Pasquotank (Carolina del Norte) y falleció a los 83 años en Nueva Jersey el 16 de agosto de 2007. Músico estadounidense, batería, director de orquesta y compositor. 



Roach representa una de las cumbres del jazz de medio siglo y uno de sus máximos innovadores. Perteneció al movimiento post bop llamado hard bop. Fue, sin duda, uno de los baterías más influyentes del siglo XX y, a su vez, uno de los más técnicos. Y no sólo demostró su genio como gran "drummer", sino que también destacó en el campo de la composición y en el educacional. Así, en 1984 creó la International Percussive Arts Society Hall of Fame. En 1988, además, recibió el premio Mac Arthur Foundation Fellowship, en reconocimiento a su contribución a la cultura musical norteamericana; y fue nombrado Commander of the Order of Arts and Letters en Francia, y Honorary Member of the Academy of Art and Letters, en la NEA Masters Award. Asimismo, fue premiado con un Grammy en 1995 por su grabación Jazz at Massey Hall. Ha sido profesor de teoría musical en la Universidad de Massachusetts. Su bautismo en el mundo de la música tuvo lugar a los ocho años, cuando ingresó en una banda de su ciudad tocando el fliscorno. Su madre, cantante de espirituales, le aconsejó dedicarse a la percusión al ver la facilidad que el joven Max tenía para el ritmo. Abandonó, pues, la práctica del fliscorno y se dedicó a estudiar percusión clásica en el Manhattan Conservatory of Music. Su obsesión por las big bands le llevó a frecuentar los conciertos en el Apollo (donde asiduamente se escuchaban formaciones de jazz) y en una sala de conciertos clásicos (en que se deleitaba escuchando orquestas sinfónicas). En 1942 se diplomó en percusión clásica, y a los 16 años, sustituyendo a Sonny Greer, llegó a tocar –algo muy difícil en la época- en la orquesta de Duke Ellington y, más tarde, en la de Count Basie. No obstante, la profesionalidad le llegó de la mano de Louis Jordan, quien le fichó para su banda.

A partir de 1942, su presencia en la Calle 52 –lugar plagado de clubes de jazz y cuna del nacimiento del bebop- se hizo notoria. Max Roach siguió el modelo de batería de Kenny Clarke –uno de los grandes de la época, que tocó, por ejemplo, con Armstrong, Billie Holiday, Gillespie o Parker-, además de los baterías “modelos”: Chick Webb y Big Sid Catlett. En 1944, fue contratado por Dizzy Gillespie para formar parte de su “quinteto”, y se hizo desde entonces habitual tanto en esta formación como en el grupo de Charlie Parker, fundadores ambos del movimiento bebop. En este “quinteto” también se integraron otros músicos influyentes: Oscar Pettiford, a quien más tarde incluyó Roach en sus formaciones, o el gran Coleman Hawkins. Fue la época, además, en que salió de gira con Benny Carter, un gigante del jazz en ese tiempo. Se trataba del otoño de 1945, un año singular, ya que otros grandes músicos también colaboraron con Parker, sea el caso de Gillespie o de un jovencísimo Miles Davis, quien ya desarrollaba su periplo jazzístico entre las grandes figuras del jazz. Como prueba de esto, se puede reseñar el disco The Early Bird; el lugar de encuentro no podía ser otro que la famosísima Calle 52 de Nueva York, centro neurálgico del jazz norteamericano en las décadas de los años cuarenta y cincuenta. Entre 1946 y 1949, el trabajo de Roach se diversificó en muchos frentes. Continuó, por un lado, participando en conciertos junto a Parker; y, por otro, entró en la primera banda de Miles Davis, lo que anunciaba el nacimiento del movimiento cool, orquesta dirigida por el sensacional Gil Evans, quien participó -junto a Miles- en grabaciones históricas a partir de 1948.


La década de los años 50 la emprendió Roach de nuevo con grandes colaboraciones. De un lado, su unión con Parker; de otro, y a partir de 1952, su inclusión en las formaciones de Thelonious Monk, con el que grabó alguno de los volúmenes de Genius of Modern Music. También en 1952 creó una pequeña compañía de discos –que luego resultó un fracaso- junto a Charlie Mingus. La compañía, que se llamó Debut, se hizo cargo de algunas grabaciones entre las cuales destaca un concierto memorable –Massey Hall Concert- grabado en Toronto, que contó con la participación de Parker, Gillespie, Bud Powell, Mingus y el propio Roach. Una formación inigualable dentro de la historia del jazz. En cualquier caso, en esta pequeña compañía también grabó Max Roach otro elepé mítico, junto al “quinteto” de Mingus, y cuyo título fue The Charlie Mingus Quintet + Max Roach. También en los años cincuenta se celebraron una serie de conciertos junto al “quinteto” de Clifford Brown, un “maldito” de la trompeta que murió muy joven y que escribió una leyenda de oro con su nombre. Esta formación dio lugar a un sinfín de grabaciones, de las cuales pueden destacarse los vinilos Brown and Roach Incorporated (1955) y At Basin Street (1956). En 1956 grabó otro álbum sobresaliente: Quiet as it’s Kept, en el que participaron los hermanos Turrentine (una auténtica sensación), Julian Priester (clarinete y trombón) y el contrabajista Robert Boswell. Puede escucharse como una verdadera joya, el solo a cargo de Roach en la pieza “Juliano”, sobre el marcado fraseo del contrabajista.

En 1960, Roach grabó un elepé mítico: We insist, Freedom Now Suite, junto a Coleman Hawkins, Booker Little y Oscar Brown Jr., que sentó los precedentes para la implantación del “nuevo” jazz. El álbum, cuya composición y arreglos estuvieron a cargo del propio Roach, constituyó además un manifiesto expreso para su generación, acuciada en esos años por el intenso racismo que se vivía en Estados Unidos. En el mismo año se asoció con Roy Eldridge, Eric Dolphy, Jo Jones y Charlie Mingus para grabar el disco Newport Rebels, también de enorme trascendencia. En 1961 grabó para el sello Impulse! otro decisivo álbum titulado It's Time, que trataba de continuar lo expresado en We insist... Esta vez contó con la colaboración de Clifford Jordan y Mal Waldron. Después llegó su importante reunión con Eric Dolphy –muy unido en esta época a John Coltrane- en el disco Percussion Bitter Sweet (1961). En 1962 grabó otro disco memorable: Money Jungle, al lado de dos “grandes” del jazz como eran Duke Ellington y Charlie Mingus, con quienes, además, se unió al naciente movimiento free. Hacia la mitad de década, Roach grabó varios soportes sonoros entre los cuales destaca Drums Unlimited (1966) o Lift Every Voice and Sing (1971), este último recuperando la antigua fórmula del “quinteto”. La grabación contaba con la participación de algunos músicos brillantes como el trompetista Freddie Hubbard, Billy Harper o Cecil Bridgewater.


Parece fundamental en la biografía de Max Roach la fecha de 1973, pues fue en esa fecha cuando creó el "M’Boom Re: Percussion", junto a Joe Chambers, Roy Brooks, Warren Smith, Omar Clay y Freddie Waits, cima de la historia de la percusión de jazz, y con los que recorrió todo el mundo. Fueron años en los que Max Roach alternaba entre el grupo antes citado y su “cuarteto” base, al que sumaba alguna vez un “cuarteto de cuerda”. Desde 1976, Roach se encontró en numerosas ocasiones vinculado con la recién nacida estética free. Tocó con Archie Shepp (con quien grabó Force, 1976); Anthony Braxton (Birth and Rebirth, 1978); y el gran Cecil Taylor, tótem sagrado de este movimiento –junto a Ornette Coleman-, de cuyo encuentro queda la grabación Historic Concerts, de 1985. Ya en la década de los años ochenta, Roach grabó junto a Bernard Lubat, Eddy Louis y Manu Dibango. Digna de mención fue su colaboración con el cantante Salif Keita en un Concierto-Manifiesto a favor de la liberación de Nelson Mandela. Al margen de su periplo jazzístico, este músico genial compuso la música de la obra "Sueño de una noche de verano", de William Shakespeare, para el San Diego Repertory Theatre; o la suite "Toot Sweet", en cinco movimientos, para orquesta de cámara y batería, en 1985.

Max Roach es uno de los baterías más influyentes en la historia del jazz del siglo XX. Concretamente, en las décadas de los años cincuenta, sesenta y setenta, su influencia fue decisiva para las “nuevas” generaciones de baterías. Su extraordinaria técnica lo elevó a lo más alto del mundo jazzístico. Dicha técnica, depurada al máximo, es clara, ágil y contundente a la vez. Su redoble es preciso, lo que le lleva a expresar cierta polirritmia conceptual difícil de igualar. A su vez, su toque de platillo es fino y elegante, capaz de llenar el espacio sonoro del grupo actuante; mientras que sus contrapuntos rítmicos son de una enorme complejidad. Este acompañamiento –propiciado por su endiablada mano izquierda- desarrolla grupos de figuras rítmicas nada convencionales, para lo cual emplea los soportes tímbricos de los tamtanes de la batería. Así pues, varían las acentuaciones desde el más agudo al más grave, lo que da lugar al germen de la ya mencionada polirritmia de su estilo, siempre inconfundible y elegante. Max Roach desarrolló una escuela de batería –llevada a Cursos Internacionales por distintos países del mundo- que ha perdurado hasta finales del siglo XX. Su extraordinaria técnica le llevó, por ejemplo, a ejecutar continuos y sugerentes solos de batería tanto en audiciones en vivo como en grabaciones, tal y como puede apreciarse en su elepé Drum Conversation, de 1958. Uno de sus principales “números” era tocar durante veinte minutos un solo de batería utilizando únicamente el hi-hat o charles. Original y contundente, el estilo de Roach le convirtió en uno de los mejores “solistas” de la historia del jazz.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Jazz At Massey Hall 1953
The Charlie Mingus Quintet + Max Roach 1953
Brown and Roach Incorporated 1955
The Early Bird 1956 (Charlie Parker with Miles Davis) 
At Basin Street 1956 (Con Clifford Brown)
Jazz In 3/4 Time 1957
Drum Conversation 1958
Quiet as it’s Kept 1959
We insist, Freedom Now Suite 1960
Newport Rebels 1960
Parisian sketches 1960
It's Time 1961
Percussion Bitter Sweet 1961
Money Jungle 1962
Drums Unlimited 1966
The Charlie Mingus Quintet + Max Roach 1968
Lift Every Voice and Sing 1971
Force 1976
Birth and Rebirth 1978
Historic Concerts 1985

Carpetas del resto de ÁLBUMES mencionados:

















Fuente: mcnbiografias.com/Ricardo P. Virtanen
Fotografía: newyorker.com
Carátulas discos: discogs.com

viernes, 28 de mayo de 2021

RAY CHARLES


Ray Charles Robinson, de nombre artístico Ray Charles, y apodado "El genio", nació el 23 de septiembre de 1930 en Albany, Georgia, USA y falleció a la edad de 73 años el 10 de junio del 2004. Cantante, saxofonista y pianista de r&b, soul y jazz. Se le ha reconocido como el más importante artista negro de la denominada "Soul generation". El feeling y el sentimiento interpretativo de Ray, clásico en la década de los 50 y posteriormente decisivo por su influencia (en blancos y negros) durante las décadas siguientes, le confieren un poder inusual y una calidad especial a lo largo de su trayectoria. 

Ciego desde los 6 años en que perdió la vista por un glaucoma, tuvo que ser reeducado de nuevo en una escuela especial, y huérfano desde los 15, Ray se sumergió en la música como único medio de expresión, llegando a dominar piano y saxo alto, y destacando tanto a nivel de autor y arreglista como de cantante y director de orquesta. Es, junto a Fats Domino, el artista negro con más hits en la historia de la música. Su carrera la inició a los 17 años formando el Maxim Trio, y a mitad de los años 50 sus grabaciones comenzaron a colarse con regularidad en los rankings: I’ve got a woman, Blackjacks, A fool for you, This little girl of mine, Hallelujah I love her so, Mary Ann y finalmente What’d i say?, su mejor creación.



Ya en los años 60, continuó acaparando éxitos con Georgia on my mind, Hit the road Jack, I can’t stop loving you y otros hasta mitad de la década. Sus últimos éxitos fueron versiones de los temas de los Beatles, como Yesterday y Eleanor RigbyEn 1965, sufrió su tercer arresto policial por su adicción a la heroína que lo tuvo enganchado durante 17 años. Se libró de ir a prisión sometiéndose a una cura en una clínica de San Francisco. Al margen de su carrera discográfica, Ray actuó incesantemente por todo el mundo con su orquesta y un grupo coral femenino llamado Raylettes primero y más tarde Raelets. Con cuatro décadas de profesionalidad, sus LP's llegan al centenar, además de existir numerosas recopilaciones de sus temas.




DISCOGRAFÍA seleccionada,
Singles y EP's:







ÁLBUMES:








Fuente: Orbis
Fotografía: listas.20minutos.es
Carátulas discos: a45rpm.com /rateyour music.com

miércoles, 26 de mayo de 2021

PHAROAH SANDERS


Farrell Sanders, conocido artísticamente como Pharoah Sanders, nació el 13 de octubre de 1940 en Little Rock (Arkansas). Saxofonista, compositor y director de orquesta estadounidense.


Después de practicar la batería, la tuba, el clarinete y la flauta, debuta al saxo tenor con la orquesta de su instituto. Nada más terminar el bachillerato, en 1959, parte hacia San Francisco, donde toca rhythm and blues y rock and roll. Con todo, el jazz de vanguardia no le es indiferente, y escucha a Sonny Rollins, Eric Dolphy y Ornette Coleman. En 1962 se establece en Nueva York, comienza a tocar con Billy Higgins por una renumeración mísera y, más tarde, con Don Cherry, Rashied Ali, John Gilmore y Sun Ra. No obstante, Sanders tocará sobre todo con John Coltrane, desde 1965 hasta la muerte de este último en 1967, participando en numerosos conciertos y en una docena de grabaciones. Es en esa época cuando se produce uno de los fenómenos más extraños del jazz reciente: fascinado por aquel al que ha elegido como su maestro por sus largas peroratas al saxo tenor y al soprano (instrumento que adopta rápidamente) y por su forma de prolongar la ejecución del saxo, Sanders lleva hasta límites, del todo insospechados para Coltrane, lo que en este último es sugestión, intuición y un ensayo en perpetua renovación. 

De este modo cuando el autor de "A Love Supreme" abre sus meditaciones musicales a la perspectiva de un enigma divino dentro de la música, Sanders, por su lado, se lanza sin vacilar al espiritualismo. Actitud que no hará más que reafirmarse durante su paso por el grupo de Alice Coltrane (1967-1969) y, muy claramente esta vez, por los grupos que el construirá´más tarde, arrastrándolos hasta una mística que funde todos los monoteísmos "Amo todas las religiones -dice Sanders-, que hablan de un Creador", las mitologías de la India, de África, de Egipto y demás, y el culto a... Coltrane". Sus grupos incluyen, alternativamente y entre otros, a: Leon Thomas, Richard Davis, Reggie Workman, Billy Hart y Julius Watkins, Marvin Peterson, Joe Bronner, Cecil McBee y Stanley Clarke, Woody Shaw, Lonnie Liston Smith y Clifford Jarvis. Las grabaciones proliferan hasta 1977, época en la que, tras apagarse el fervor del público, Sanders se inclina por le jazz-rock y la música "disco".

En 1982 forma un cuarteto con el pianista John Hicks, Walter Booker (contrabajo)e Idris Muhammad (batería), y graba para la compañía Theresa, una música muchos más estructurada de elementos bebop, pero cuyo fervor se mantiene. Elevaciones repentinas de registros sobreagudos que penetran o descienden hasta los graves más roncos, con sinuosas trayectorias que deforman progresivamente el sonido hasta producir "clusters" (Acordes musicales compuestos de semitonos cromáticos consecutivos distintos), él mismo no sabe debido a qué tortura de la lengüeta: este empeño en arrastrar el saxo hasta los confines de su timbre y tesitura refleja bastante bien su inquietud por lo universal. Por otro lado, al igual que las introducciones sitúan al oyente en el tono de la pieza, los largos prólogos por los que siente afición parecen ajustes psicológicos dirigidos a los propios músicos, siendo las improvisaciones que siguen la extensión, dentro de todos los modos posibles, de un sujeto, siempre el mismo.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Karma 1969
Jewels Of Thought 1969 
Summun Bukmun Umyun-Deaf Dumb Blind 1970
Alice Coltrane featuring Pharoah Sanders and Joe Henderson-Ptah, The El Daoud 1970
Thembi 1971
John Coltrane featuring Pharoah Sanders: Live in Seattle 1971
Black Unity 1972
The Best Of Pharoah Sanders 1972
Elevation 1973
Journey To The One 1980
Live... 1982
Shukuru 1985 (Con Leon Thomas)
Welcome To The Love 1991
Message From Home 1996
Save Our Children 1998
Anthology 2005
The Impulse Story 2006
The Creator Has A Master Plan 2016 (Japón)

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:


















Fuente: J.-Y.L.B.(Texto autorizado extraído de Diccionario del Jazz con el permiso de sus autores).
Fotografía: discogs.com
Carátulas discos: discogs.com