ANITA O'DAY

Anita Belle Colton, conocida artísticamente como Anita O'Day, nació en Chicago  (Illinois) el 19 de octubre de 1919 y falleció a la edad de 87 años, a causa de una neumonía, el 23 de noviembre de 2006 en Los Ángeles (California). Cantante estadounidense de jazz.

De origen pobre, sobrevivió a los años de la Depresión actuando en los populares maratones de baile que fueron la válvula de escape para una inmensa mayoría de norteamericanos llevados a la miseria por el crack de Wall Street. Fue entonces cuando adoptó el nombre artístico que le acompañaría hasta el fin de sus días: "Me pareció que era un nombre muy enrollado porque, en el argot, O'Day significa pasta, que era lo que yo esperaba hacer". Tras ser rechazada por Benny Goodman (que prefirió a Peggy Lee), en el año 1941, se unió a la orquesta del baterista Gene Krupa, en cuyas filas militaba el trompetista Roy Eldridge. Anita formaría con Eldridge una de las parejas artísticas interraciales más singulares y menos convencionales del espectáculo. No sólo desafiaron el sistema de "apartheid" imperante en el país sino que obtuvieron un notable éxito entre los swing fans, tanto negros como blancos, con piezas como "Let me off uptown o Drummin' man". 

El carácter ferozmente independiente de la cantante -"Anita fue la típica hippy prematura", en palabras del crítico Leonard Feather- salió a la luz por el tipo de compañías que frecuentaba pero incluso por el atuendo ausente de todo glamour que utilizaba para sus apariciones en público. Una rebeca y una falda abierta absolutamente anodinas constituían su "escandalosa" indumentaria, tanto dentro como fuera del escenario. Con ello, desafiaba a los críticos y aficionados en su costumbre de juzgar a las cantantes de orquesta únicamente por su apariencia. Además, estaba lo que su atuendo dejaba ver. No en vano, por aquel tiempo, la cantante se ganó un título: el de las piernas más bonitas del jazz. Tras dejar a Krupa, cantó por un breve tiempo en las orquestas de Woody Herman y Stan Kenton (su versión de "And her tears flowed like wine" fue uno de los mayores éxitos en la carrera del discutido director de orquesta). 

Por lo demás, la vida de Anita era un torbellino sin fin de drogas, alcohol, matrimonios, abortos, divorcios... en el año 1947 fue arrestada por primera vez por posesión de marihuana. Cinco años más tarde fue nuevamente detenida y pasó una temporada entre rejas. Después de que su adición a la heroína estuviera a punto de costarle la vida, en los años sesenta, se sometió a una cura de rehabilitación gracias a la cual pudo continuar con su carrera, algo por lo que nadie hubiera apostado un céntimo, y de hecho, siguió cantando hasta los 86 años. Para el recuerdo quedan sus álbumes grabados junto al arreglista Billy May, en los años cincuenta -su momento de plenitud- para el sello Verve (Anita O'Day swings Cole Porter with Billy May, Anita O'Day and Billy May swing Rodgers And Hart); o su aparición estelar en el Festival de Newport del año 1958, recogida en el filme "Jazz on a summer's day". Anita O'Day no se consideraba a sí misma como una cantante sino una "estilista de la canción". Para el fotógrafo William Claxton fue "una mujer extremadamente inteligente con energía para mover un tren"; "una cantante con un contagioso sentido del swing y una febril practicante del scat" (Ellos y Ellas. Las grandes voces del jazz). 

En el año 1981 vio la luz su autobiografía, "Hard times, high times", escrita en colaboración con George Eells (autor de, entre otras, la biografía del actor Robert Mitchum): un "documento de una brutal honestidad" en el que repasa su controvertida existencia a cara descubierta y sin esconderse en ningún momento. El año 2007 se estrenó un filme documental sobre su vida: "Anita O'Day: Life of a jazz singer", con guión de Will Friedwald. Su paso por nuestro país fue fugaz y tardío. En 1987 actuó en el Festival de Jazz de Madrid, la primera y última ocasión que lo hizo en la capital del Estado. También cantó en Valencia, junto a la orquesta del clarinetista Buddy DeFranco; y en Barcelona, en el año 1970, acompañada por el trío del pianista francés George Arvanitas. Según su representante, Robbie Cavolina, la cantante no tenía hijos ni ningún familiar cercano.Vivió rápido pero no murió joven. Superviviente de la era dorada de las big bands y la única cantante de jazz de piel blanca comparable a las más grandes -Ella Fitzgerald, Billie Holiday o Sarah Vaughan-.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
ÁLBUMES:

Singin' And Swingin' 1952
Sings Jazz 1955
The Lady Is A Tramp 1957
Anita O'Day swings Cole Porter with Billy May 1959 
Pick Yourself Up With Anita O'day 1 (1959)
Incomparable! 1960
Anita O'Day and Billy May swing Rodgers And Hart 1960
All The Sad Young men 1962
Time For 2 (Con Cal Tjader) 1962
The Big Band Sessions 1979
Once Upon A Summertime 1982
Compact Jazz 1993
Jazz Masters 49 (1995) 
Let Me Off Uptown! (Con Gene Krupa) 1999 
Finest Hour 2000
The Diva Series 2003

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente:elpais.com
Fotografía: fanart.tv
Carátulas discos: discogs.com

SONNY STITT

Edward Hammond Boatner, Jr. conocido artísticamente como Sonny Stitt, nació el 2 de febrero de 1924 en Boston (Massachusetts) y falleció a la edad de 58 años el 22 de julio de 1982 en Washington. Músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor y alto; también tocaba ocasionalmente el barítono.

Se trata de uno de los principales seguidores de Charlie Parker, de cuya estela pudo empezar a separarse al empezar a usar el saxo tenor, momento en que la influencia de Parker fue compensada con la de Lester Young. A su vez, fue una relativa influencia para John Coltrane. Sus estilos son los del bop, hard bop y soul jazz. Creció en Saginaw (Michigan). Su padre, Edward Boatner, era un cantante barítono, compositor y profesor de música de la universidad; su hermano era un pianista de formación clásica; y su madre era profesora de piano. Sonny fue dado en adopción en 1924 por su padre. Nadie parece saber por qué Boatner abandonó a su hijo, pero el niño fue adoptado por la familia Stitt, que lo crió en Saginaw. Más tarde comenzó a llamarse a sí mismo "Sonny". Mientras estaba en la escuela secundaria en Saginaw, Stitt tocó en la Len Francke Band, una popular banda de swing local. 

En 1943, Stitt conoció a Charlie Parker y, como a menudo recordaría más tarde, los dos hombres descubrieron que sus estilos tenían una similitud extraordinaria que era en parte coincidente y no simplemente debido a la emulación de Stitt. Se dice que Parker comentó: "Bueno, voy a estar maldito, suenas igual que yo", a lo que Stitt respondió: "Bueno, no puedo evitar la forma en que sueno. Es la única forma en que sé cómo tocar." Kenny Clarke comentó sobre el enfoque de Stitt: "Incluso si no hubiera habido un Bird, habría habido un Sonny Stitt". Stitt había tocado en algunas bandas de swing a principios de la década de los 40 y apareció en la gran banda de Tiny Bradshaw a principios de los años cuarenta. Reemplazó a Charlie Parker en la big band de bop Dizzy Gillespie en 1945 y en 1946 hizo las primeras grabaciones bajo su propio nombre para Savoy Records, que estableció sus credenciales de bop.

Stitt tocó saxofón alto en la gran banda de Billy Eckstine ​junto a los futuros pioneros del bop Dexter Gordon y Gene Ammons a partir de 1945, cuando comenzó a tocar el saxofón tenor con más frecuencia, para evitar ser considerado como un imitador de Charlie Parker. Más tarde, tocó con Gene Ammons y Bud Powell. Stitt pasó un tiempo en la prisión federal en Lexington, Kentucky, entre 1948 y 1949 por vender narcóticos. Stitt, cuando tocaba el saxofón tenor, parecía liberarse de algunas de las críticas de que estaba imitando el estilo de Parker. De hecho, Stitt comenzó a desarrollar un sonido mucho más distintivo en el tenor.​ Tocó con otros músicos de bop, Bud Powell y Eddie "Lockjaw" Davis, un tenor con un tono claramente duro en comparación con Stitt, en la década de los 50 y grabó varios temas para la discográfica Prestige Records, así como álbumes para Argo, Verve y Roost. Stitt experimentó con el jazz afrocubano a fines de la década de los 50, y los resultados pueden escucharse en sus grabaciones para Roost y Verve, en las que se asoció con Thad Jones y Chick Corea para versiones latinas de estándares como "Autumn Leaves". 

Stitt se unió brevemente a Miles Davis en 1960, y las grabaciones con el quinteto de Davis solo se pueden encontrar en vivo en la gira de 1960. Los conciertos en Manchester y París están disponibles comercialmente y también en varios conciertos (que incluyen sets del quinteto anterior con John Coltrane) en la grabación Live at Stockholm 1960 (Dragon), que incluyeron a Wynton Kelly, Jimmy Cobb y Paul Chambers. Sin embargo, Miles despidió a Stitt debido a su dependencia del alcohol, y lo reemplazó por Hank Mobley. Más tarde, en la década de los 60, Stitt rindió homenaje a una de sus principales influencias, Charlie Parker, en el álbum Stitt Plays Bird, que presenta a Jim Hall en la guitarra. Stitt grabó varios discos memorables con su amigo y compañero saxofonista Gene Ammons, interrumpido por la propia prisión de Ammons por posesión de narcóticos. Los discos grabados por estos dos saxofonistas son considerados por muchos como algunos de los mejores trabajos de Ammons y Stitt, por lo que la asociación Ammons / Stitt pasó a la posteridad como una de las mejores alianzas de dúos en el jazz,​ junto a Zoot Sims y Al Cohn, y Johnny Griffin con Eddie "Lockjaw" Davis. Stitt se aventuraría en el soul jazz, y grabó con el también saxofonista tenor Booker Ervin en 1964 en el álbum Soul People.

Stitt también grabó con el ex alumno de Duke Ellington, Paul Gonsalves en 1963 para Impulse!, el álbum Salt And Pepper en 1963. Por esa época también apareció regularmente en el club Ronnie Scott's en Londres, un encuentro en vivo de 1964 con Ronnie Scott, The Night Has A Thousand Eyes, finalmente salió a la luz, y otro de 1966 con el guitarrista residente Ernest Ranglin y saxofonista tenor británico Dick Morrissey.​ Stitt fue uno de los primeros músicos de jazz en experimentar con el sistema de amplificación Varmerone Selmer, como se escuchó en los álbumes What's New en 1966 y Parallel-A-Stitt en 1967. En la década de los 70, Stitt desaceleró un poco su producción de grabaciones, y en 1972, produjo otro clásico, Tune-Up !, que fue y sigue siendo considerado por muchos críticos de jazz, como Scott Yanow, como su disco definitivo. De hecho, su solos ardientes y efervescentes fueron bastante reminiscentes de su anterior forma de tocar. En 1971 también grabó otro álbum con Varitone, Just The Way It Was - Live At The Left Bank, que se lanzó en 2000. Con el paso de los años, el estilo y la técnica que parecían una derivación de Parker adquirieron una individualidad propia.​ Su velocidad, resistencia, pulido, finura y ataque de balanceo fueron notablemente consistentes y lo hacen figurar entre los grandes saxos tenores de su época. 

Era muy respetado en el mundillo del jazz americano tanto de Nueva York como de la Costa Oeste. Art Pepper en sus memorias considera uno de sus momentos más gloriosos cuando creyó imponerse a Sonny Stitt interpretando "Cherokee" en San Francisco y en el cierre de su libro titulado "Una vida ejemplar", explica el desafío con Stitt en el escenario:​ "Tocamos el principio, la melodía, y Sonny se embarcó en el primer solo. Y tocó por lo menos cuarenta chorus. Estuvo tocando quizá una hora seguida, hizo todo lo que podía hacerse con un saxofón. Y de pronto se detuvo. Y me miró como diciendo: `Para que aprendas, capullo. Ahora te toca a ti.’ (…) Yo toqué como nunca en la vida. Rebusqué en mi mente y encontré mi forma personal, y lo que expresé le llegó al público. Toqué y toqué, y cuando finalmente acabé estaba temblando de pies a cabeza. Tenía el corazón desbocado. Estaba empapado en sudor, y la gente aplaudía y vitoreaba. Miré a Sonny; me contenté con hacerle un pequeño gesto con la cabeza. `¡Muy bueno!’, dijo él. Eso fue lo que pasó. Y eso es lo que importa en la vida”.

La productividad de Stitt disminuyó en la década de los 70 debido al alcoholismo. Stitt había bebido mucho desde que abandonó la heroína a finales de los años cincuenta, pero el abuso comenzaba a pasar factura. Una serie de convulsiones inducidas por el alcohol causaron que Stitt se abstuviera y dejara el hábito para siempre. Stitt dijo de esta época: "Fue lamentable, hombre ... realmente fui un esclavo. He vuelto de la muerte, porque allí es donde estaba, hombre. Estaba muerto". Stitt se unió al grupo de estrellas Giants of Jazz (que también contó con Art Blakey, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Kai Winding y el bajista Al McKibbon) e hizo álbumes para Atlantic, Concord y Emarcy. Sus últimas grabaciones fueron hechas en Japón. Un rejuvenecido Stitt también realizó una gira con Red Holloway a fines de la década de los 70, quien notó una marcada mejoría en su forma de tocar. Casado con una corista en 1952 y divorciado en 1959, Sonny Stitt era apodado "Lone Wolf" (Lobo Solitario), a pesar de su carácter afable y su seriedad en el trabajo. Un mes antes de morir en 1982, enfermo de cáncer de hígado, había grabado su último disco en Japón. En 1982, Stitt sufrió un ataque al corazón, y murió el 22 de julio en Washington, DC. 

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

New York Jazz (Verve, 1956)
Sonny Stitt/Bud Powell/J. J. Johnson (Prestige, 1956)

Personal Appearance (Verve, 1957)

For Musicians Only (Verve,1957) con Dizzy Gillespie y Stan Getz
Kaleidoscope (Prestige,1957)

At Newport (Verve, 1958)
Duets (Verve, 1958)
Sonny Side Up (Verve,1958) con Dizzy Gillespie y Sonny Rollins
Blows the Blues (Verve, 1960)
Boss Tenors in Orbit! (Verve, 1962) con Gene Ammons

The Sensual Sound of Sonny Stitt (Verve, 1962) con The Ralph Burns Strings
Boss Tenors (Verve, 1962) con Gene Ammons
Salt And Pepper (Impulse, 1963)
Now! (Impulse!, 1963)

Stitt Plays Bird (Atlantic, 1964)

Soul People (Prestige,1964) con Booker Ervin y Don Patterson 
My Main Man (Argo, 1964) con Bennie Green
What's New!!! (Roulette, 1966)
Parallel-a-Stitt (Roulette, 1967)
Tune-Up! (Cobblestone, 1972)

In Walked Sonny (Sonet, 1975) 

Live at Stockholm 1960 (Dragon,1985)
The Night Has A Thousand Eyes 1964 (Ronnie Scott's Jazz House, 1997)
Just The Way It Was-Live At The Left Bank (Label M, 2000)

Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: wikipedia

Fotografía: discogs.com

Carátulas discos: discogs.com

WOODY HERMAN

Woodrow Charles Herman, conocido artísticamente como Woody Herman, nació el 16 de mayo de 1913 en Milwaukee (Wisconsin) y falleció a los 74 años de edad el día 29 de octubre de 1987 en West Hollywood (California). Músico estadounidense de jazz, clarinetista, saxofonista alto y soprano, cantante y líder de big band.

Sus padres eran Ray y Myrtle Herman. Cuando era niño, trabajó como cantante en el vodevil, luego se convirtió en un saxofón profesional a los 15 años. En 1931, conoció a Charlotte Neste, una aspirante a actriz. Más tarde se casaron. Woody Herman se unió a la banda de Tom Gerun y sus primeras voces grabadas fueron "Lonesome Me" y "My Heart's At Ease". Herman también actuó con la orquesta de Harry Sosnick y Gus Arnheim e Isham Jones. Isham Jones escribió muchas canciones populares, incluyendo "It Had To Be You" y en algún momento se sintió agotado por las exigencias, además, de liderar una banda. Jones quería vivir de los derechos de sus canciones. "Mientras estábamos con Jones, hablamos de las posibilidades de que Woody fuera el nuevo líder de la banda, después de que escucháramos de que Isham iba a dejarlo". Finalmente, Woody Herman adquirió los músicos restantes de la orquesta de Jones cuando Isham Jones decidió retirarse.

La primera orquesta de Woody Herman conocida como "First Herd" o "Primer Rebaño", fue una big band atípica. Activa hasta 1946, ya en pleno apogeo del bebop, sus músicos y su director se esmeraron en desprender de ella cualquier vestigio que sonara a swing impersonal y desteñido. La formación marcó una profunda transformación en el estilo de las big bands, y puso de manifiesto el interés creciente del bebop entre los músicos de la época. Entre 1944 y 1945, Woody Herman dirigió con enorme acierto y habilidad, a uno de los colectivos musicales más entusiastas, brillantes e influyentes de la historia del jazz.

Herman tuvo el acierto de conjugar en una misma formación el swing y el bebop que ya venían anunciando Dizzy Gillespie, Tadd Dameron y otros arreglistas, y para ello supo acertar con la incorporación a su formación de algunos de los músicos más innovadores del momento y en concreto tres: el contrabajista Chubby Jackson, el pianista Ralph Burns y el trompetista, Neal Hefti. De ésa época son la mayoría de las grabaciones aquí recomendadas que fueron grabadas entre 1945 y 1947. A lo largo de las mismas hay joyas del jazz ya convertidas en clásicos, como su extraordinario "Blue Flame", un recuerdo al maestro Duke Ellington.

Tras varios meses de retiro voluntario, Woody Herman regresa al frente de su "Second Herd", una vuelta a los estudios que trajo como principal novedad la remodelación de su sección de saxos en torno a tres grandes tenores: Herbie Steward, Zoot Sims y Stan Getz y al maestro del saxo barítono, Serge Chaloff. Esta sección de viento aportaba un sonido inédito al lenguaje orquestal y evidenciaba la ascendencia de Lester Young sobre toda una generación de saxofonistas blancos, inmortalizada en la composición de Jimmy Giuffre: "Four Brothers" y sobre todo en la primera obra maestra del genial Stan Getz, titulada: "Early Autumn". Un álbum imprescindible.

DISCOGRAFÍA seleccionada,

ÁLBUMES:

The Great Herd 1946

Swinging with the Woodchoppers 1950

At Carnegie Hall 1946 (1953)

Music For Tired Lovers (con Erroll Garner, 1955)  

Road Band! 1955

Blues Groove 1956

Woody Herman's Big New Herd – At The Monterey Jazz Festival 1960

Woody Herman 1963 (1962) 

Golden Favorites 1964

Light My Fire 1969

Early autumn 1971

Brand New 1971

Herd At Montreux 1974

The best of Woody Herman (Columbia, 1975)

The best of Woody Herman (MCA,1975)

Live At Basin Street West, Hollywood 1976

Double Exposure 1976

Woody Herman And His Band In Poland 1977

Rhapsody in Wood 1979

Live At The Hollywood Palladium 1951 (1981)

CARPETAS del resto de ÁLBUMES seleccionados:

Fuente: ecured.cu

Fotografía: pinterest.com

Carátulas discos: musickstats.com/discogs.com