Fela Anikulapo Kuti o Fela Ransome Kuti, conocido artísticamente como Fela Kuti, nació el 15 de octubre de 1938 en Abeokuta, Ogun, (Nigeria). Cantautor y multi-instrumentista africano creador del género musical llamado afrobeat (esencialmente una fusión entre jazz, funk y cantos tradicionales africanos. Se caracteriza por tener una sección rítmica, un trabajo vocal y una estructura musical africana más el agregado de una sección de vientos proveniente del jazz y del funk). Activista de los derechos humanos es considerado como uno de los músicos más importantes del continente africano. Su canción "Zombie"figura en la lista de las 100 mejores canciones de la revista "Time".
Procedente de una acomodada familia cristiana de la capital nigeriana, llega a Londres en 1958 para ingresar en la Universidad, según algunas fuentes se dedicaría al Derecho, otras afirman que a la Medicina, una formación que quizás le hubiera salvado la vida, pero a su llegada desestimó el plan e inició estudios de música. Todavía en Londres forma su primera banda, los "Koola Lobitos", con la que ya practicaba una extraña fusión rítmica de las músicas del África occidental con el jazz más clásico. De vuelta a Nigeria continúa con su banda, pero será tras una visita a EE.UU. cuando todo comience a cambiar. Entra en contacto con el "Black Power", en pleno apogeo de "Los Panteras Negras" justo antes de sus múltipes escisiones, pero también con la nuevas vías de experimentación del acid jazz, el hard bop y el r&b. Su mensaje político se radicaliza, su compromiso social se volverá inquebrantable, y su música en algo genial.
De vuelta en Nigeria (tras ser deportado de EE.UU.) cambia el nombre de su banda por "Africa’70",al tiempo que sus composiciones abandonan la temática popular y amorosa por el mensaje eminentemente político; también cambia su segundo nombre original, Ransome, que consideraba nombre de esclavo, por Anikulapo (el que lleva la muerte en los bolsillos), abandona el cristianismo por la religión yoruba, y comienza a alternar sus canciones entre el idioma yoruba y el inglés pidgin, que es el dialecto con el que se comunican los diferentes grupos étnicos que conviven en Nigeria y demás países angloparlantes de la región, para que así su mensaje panafricanista y afrobeat llegase al mayor número de gente posible.
De aquí en adelante sus grabaciones fueron continuas, conciertos interminables, y miles de horas de sesiones pendientes de editar, al margen de los 45 álbumes publicados en solo 20 años. Su creatividad no conocía limites. Cada pequeña anécdota o cada vivencia era origen de un nuevo tema de 10 o 12 minutos, o 25, según. Los temas se tocaban una y otra vez en directo, hasta que finalmente eran grabados, luego (salvo contadas excepciones) jamás serían tocadas de nuevo. El universo de Fela Kuti jamás se detenía y siempre había cosas nuevas que contar. Cada concierto era una ocasión para agitar conciencias, para despertar al pueblo, y con los años casi se convirtieron sencillamente en mítines políticos del autoproclamado "Presidente Negro".
El término de afrobeat lo expresó el propio Fela Kuti durante una rueda de prensa antes de un concierto en Ghana, en 1967, en donde coincidió con el trompetista sudafricano Hugh Masekela, o los precursores Hedzoleh Soundz, que fueron su gran influencia antes de partir a EEUU. El afrobeat era la música total para unir a todas las Áfricas, de modo que los "Africa’70" eran la gran big band africana. Mención especial merece Tony Allen, batería de Fela Kuti y su mano derecha durante muchos años, y uno de los principales responsables de aquel peculiar sonido, de quién el propio Kuti afirmó la tan repetida frase de que «sin Tony Allen no hay afrobeat». Unas palabras que le perseguirán toda su vida, ya que cansado de escándalos y excesos, se desvinculo de Kuti para evolucionar su sonido a lo que posteriormente se llamó afrofunk.
La mayoría de las canciones de Kuti se extienden por más de 10 minutos, algunas llegan incluso a pasar la media hora. Quizás, esa sea una de las razones por las que Kuti no fue un artista popular fuera de África. Las letras siempre hablan de temas sensibles a los derechos humanos y a las luchas por la liberación de los pueblos oprimidos, con un estilo llamado «pregunta y respuesta» en el cual un coro responde a las palabras de la voz principal.
Fela Kuti falleció a la edad de 59 años el 2 de agosto de 1997, de sida, que él se negaba a reconocer que lo padecía. En una de sus canciones atacaba el uso higiénico del condón, como contrario a la cultura africana y estaba a favor del uso de las drogas. Fue muy promiscuo y hablan de que estuvo casado con más de una veintena de mujeres. Fela Kuti fue un multi-instrumentista capaz de tocar más de diez tipos de instrumentos, entre los que se destacan el saxofón y los teclados, pero también trompetas, flautas, guitarras e instrumentos de percusión diversos.
En toda su carrera grabó 77 discos, de los cuales, quizás los más conocidos sean los álbumes titulados:
The 69' Los Ángeles sessions (1969)
Expensive Shit (1975)
Zombie” (1977)
Fela’s London scene (1971 Fela Ransome-Kuti and The Africa'70 with Ginger Baker: Live (1971)
Diana Jean Krall, conocida artísticamente como Diana Krall, nació el 16 de noviembre de 1964 en Naniamo (Canadá).
Cantante y pianista de jazz. Con cuatro años, gracias a la influencia musical de su padre, comenzó a tocar el piano y realizó diversos estudios musicales en su ciudad natal. En el instituto, Diana Krall formó parte de una banda de jazz, con la que solía tocar en pequeños locales de Vancouver, adonde su familia se había trasladado a vivir. Allí, con apenas 17 años, Diana Krall ganó una beca en el Festival Internacional de Jazz de Vancouver para estudiar en la escuela de música de Berklee, en Boston, donde finalmente estuvo tres años perfeccionando su estilo. Tras pasar por Los Ángeles y Toronto, finalmente se instala en Nueva York, donde participa como vocalista e instrumentista en un grupo. En 1993 Diana Krall publica su primer álbum, titulado Stepping Out. Gracias a ese trabajo, el productor Tommy LiPuma se fijó en Diana Krall y se ofreció a producir su segundo trabajo, que llevaría el título de Only trust your heart. publicado en 1995.
El tercer trabajo de Diana Krall sería All for you (1996), un tributo a Nat King Cole que le brindaría a Diana el empujón definitivo a su carrera, convirtiéndola en una de las voces de referencia en el jazz del cambio del milenio, obteniendo varias nominaciones para los Grammy. En 1997 Diana Krall publica Love scenes, un álbum que rápidamente se convirtió en un gran éxito y que fue seguido por otro extraordinario trabajo, When i look in your eyes, aparecido en 1999 y con el que Diana Krall fue nuevamente nominada a los Grammy, recibiendo el premio al Mejor Disco de Jazz. En el año 2000 aparece The look of love, un disco alejado del jazz que había hecho hasta entonces, tratando de buscar el lado más comercial y que le valió para conseguir un gran registro de ventas y de listas, pero renunciando a su estilo propio. En 2001, Diana Krall vuelve por sus fueros, presentando un álbum grabado en directo en el Olympia de París. El título del álbum fue Live in Paris, un álbum lleno de grandes temas cantados con la fuerza y la belleza del jazz. Por este trabajo, Diana Krall recibió su segundo Grammy, como Mejor Disco de Jazz vocal.
En 2003 Diana Krall se casa con Elvis Costello. Fruto de esa relación, fue una colaboración entre ambos que se tradujo en el álbum titulado The girl in the other room, aparecido en el 2004 y en el que Diana Krall comienza a componer sus propios temas. El 11 de Septiembre del 2006 aparece el que muchos consideran como el mejor álbum de Diana Krall: From this moment on, una colección de temas variados, favoritos de la artista, con su banda habitual en los últimos años. From this moment on desgrana casi en su totalidad la personalidad artística de Diana Krall: su pasión por el jazz clásico, su gusto por las bandas reducidas (cuarteto) y las big bands. En el disco vuelve a haber temas grabados junto a la big band de Clayton / Hamilton, para los especialistas, la mejor de Estados Unidos en estos momentos -, su estilo vocal (más hondo, más profundo, dominando todos los tempos), y con un swing y su jazz de altura que toca todos los palos).
From this moment on roza la perfección de lo que puede ser un disco de jazz vocal, y sitúa a Diana en lo más alto de la música de nuestros días, trasciende estilos y marca el punto álgido de una carrera inmaculada. El 10 de septiembre de 2007 su compañía discográfica publicó el álbum The very best of Diana Krall, conteniendo una recopilación de sus mejores temas hasta ese momento. Anteriormente y en concreto en fecha del 1 de noviembre de 2005 se puso a la venta un álbum navideño titulado Christmas songs. Trabajadora infatigable, Diana ha seguido componiendo y publicando nuevos álbumes con los que ir completando su larga discografía, Así han ido apareciendo en el mercado los títulos: Quiet nights (2009), Glad rag doll (2012), Wallflower (2015) o Turn up the quiet (2017). Carpetas del resto de ÁLBUMES mencionados:
Stanley Gayetzki, conocido artísticamente como Stan Getz, nació el 2 de febrero de 1927 en Filadelfia (Pensilvania) y falleció a la edad de 64 años de un cáncer hepático en Malibú (California) el 6 de junio de 1991). Saxofonista estadounidense de jazz.
Considerado como uno de los más importantes saxofonistas tenores de la historia del jazz, fue conocido por el sobrenombre de The Sound ("El Sonido") debido a su tono cálido y lírico, apreciable en temas como su versión de "La chica de Ipanema". La primera influencia de Getz fue el ligero y suave tono de Lester Young. Cuando contaba cuatro años de edad su familia se trasladó a Nueva York, donde vivió en el barrio del Bronx. Las peleas callejeras y la actitud de otros hacia su origen judío hicieron que desarrollara una fuerte personalidad, orgullosa y desafiante. Empezó estudiando contrabajo y fagot antes de decidirse por el saxo a la edad de trece años, cuando su padre le compró uno. A los quince debutó profesionalmente con la orquesta de Dick "Stinky" Rogers y hasta 1946 militó sucesivamente en nueve big bands, algunas como la de Benny Goodman, con las que grabará sus primeros solos. A los diecinueve viajó a Los Ángeles donde escuchó a Dexter Gordon y Wardell Gray, y se entusiasmó con esos dos grandes saxos tenores que conjugaban en sus estilos las enseñanzas de Lester Young y Charlie Parker. En 1947 entró a trabajar en una orquesta dirigida por Tony de Carlo, con la que tocaba mambos en el club Pontrelli´s.
Esta formación era un tanto atípica ya que en ella tocaban cuatro solistas, todos con saxo tenor. Estos adoptaron un estilo aéreo, una sonoridad recubierta de un fieltro muy "a la Lester" que, pronto, hizo que les apodasen "Los Hermanos". Woody Herman que buscaba personalidad para su nueva orquesta, conquistado por su sonido los contrató a todos juntos excepto a Jimmy Giuffre. En diciembre de 1948 grabó su disco histórico solo en Early Autumn. De la noche a la mañana, su nombre se hizo mucho más conocido y se ganó el sobrenombre de «El Sonido». En 1949 dejó la orquesta de Woody Herman, y empezó a liderar combos con Horace Silver, Al Haig, ambos pianistas, Roy Haynes o Tiny Kahn, baterías y con el guitarrista Jimmy Raney. A partir de 1952 inició su colaboración con el productor Norman Granz. En los años 50, Getz se hizo bastante famoso tocando cool con un joven Horace Silver, Oscar Peterson, y muchos otros. Los dos primeros quintetos de Getz fueron especialmente famosos por sus músicos, que incluían la sección rítmica de Charlie Parker con el batería Roy Haynes, el pianista Al Haig o el bajo Tommy Potter.
En 1955 se editó su disco West Coast Jazz, que tuvo una gran repercusión como paradigma del estilo homónimo. Después, ya en 1958, Getz intentó escapar de su adicción a las drogas (por la cual había sido arrestado cuatro años antes) trasladándose a Copenhague, Dinamarca. En 1961 regresó a Estados Unidos donde descubrió que el público americano le había olvidado, en buena medida debido a John Coltrane. Para "contraatacar" grabó su álbum histórico Focus. Getz se hizo muy aficionado de la música brasileña bossa nova, por su cadencia y ritmo relajado y romántico, es así que el disco que le volvió a colocar en la popularidad fue Jazz Samba, su primer álbum de "bossa-nova" grabado con el guitarrista Charlie Byrd en 1962. La canción titulada "Jazz Samba" era una adaptación de la composición de Jobim "So Danco Samba". Getz ganó el Grammy por la mejor interpretación de jazz en 1963 por el tema "Desafinado". El siguiente paso de esta armoniosa fusión fue el encuentro con los músicos brasileños. Getz grabó con el compositor Antonio Carlos Jobim, el guitarrista João Gilberto y su esposa, la cantante Astrud Gilberto.
Su colaboración en «Garota de Ipanema» (La Chica de Ipanema) (1963) ganó el Grammy, haciendo el estilo de Jobim, conocido como bossa-nova, famoso y popular. Esta pieza se convirtió en una de las canciones de jazz más conocidas y versionadas de la historia de la música. El álbum Getz/Gilberto ganó dos premios Grammy en 1965, el de mejor álbum y el de mejor single, superando a Los Beatles con su tema "A Hard Day's Night". Esto fue sin duda una enorme victoria para el jazz y la bossa-nova y derivó en la propagación de esta música entre millones de personas en el mundo entero, allanando el camino para que la música brasileña y sus instrumentos se sumaran al jazz. Stan Getz comprendió perfectamente el lenguaje de la bossa-nova y sonó completamente natural en las grabaciones que llevó a cabo con los músicos brasileños. El jazz brasileño ha sobrevivido y ha supuesto una clara influencia en los trabajos de famosos músicos de jazz como Wes Montgomery y Joe Henderson.
En 1967 y posteriores años, Getz se empezó a interesar más por la fusión jazz-rock y otras tendencias post bop, haciendo música cada vez más personal, y grabando álbumes con Chick Corea, Stanley Clarke o Gary Burton. A lo largo de los años 80 colaboró con pianistas como Jim McNeely o Kenny Barron, contrabajistas como Jiri Mraz o Rufus Reid y el batería Victor Lewis. En varios ocasiones que visitó México en los años 60's y 70's le agradaba ir a Acapulco y tocar con músicos locales en especial con Macario Luviano Ruíz a quién Stan Getz le tuvo gran admiración por su manera de tocar el piano y el saxofón. En 1988 interrumpió sus actuaciones europeas, al diagnosticársele cáncer de hígado. Pero siguió tocando hasta prácticamente su último día, el 6 de junio de 1991. En 1998, la "Biblioteca y Centro Multimedia Stan Getz"' situada en el Conservatorio Musical de Berklee, fue dedicada a la memoria del saxofonista gracias a una donación de la Fundación Herb Alpert.
DISCOGRAFÍA seleccionada, ÁLBUMES:
Early Autumn 1948 West Coast Jazz (1955)
Hamp and Getz (1955)
The Steamer (1956)
For Musicians Only (1956)
Stan Getz And The Oscar Peterson Trio (1957)
At The Opera House (1957)
Getz Meets Mulligan In Hi-Fi (1957)
Focus (1961)
Stan Getz & Charlie Byrd - Jazz Samba, remasterizado en 1997
Stan Getz With Cal Tjader (1963)
Stan Getz And Luiz Bonfa Jazz Samba encore! (1963)
Getz/Gilberto (1963), ganador de dos premios Grammy.
Getz/Gilberto #2 (1964)
Getz Au-Go-Go (1964)
Stan Getz & Bill Evans (1964)
Sweet Rain (1967)
Captain Marvel (1972)
The Best Of Two Worlds (1976)
The Peacocks (álbum) (1977)
Apasionado (1990)
Serenity (1991) People Time (1991), con Kenny Barron.
With European Friends - Live 1958-59 (1991)
Bossas & Ballads - The Lost Sessions (2003), grabado en 1989, aunque no salió a la luz hasta 2003.
Selections from Getz/Gilberto 76 (2015), grabado en 1976, aunque no salió a la luz hasta 2015. Carpetas del resto de ÁLBUMES seleccionados:
